博物之島 MUSEUMS

作者：林冠吟（前國立海洋生物博物館科學教育組專員、環境教育講師） 淨零排放（Net-Zero）可說是近期國際環境政策中的關鍵字，包含歐盟研擬的「碳邊境調整機制」（Carbon Border Adjustment Mechanism, CBAM），許多跨國企業紛紛宣示自家的減碳或淨零路徑，臺灣也於今年3月公布「臺灣2050淨零排放路徑及策略總說明」，積極與國際接軌。而博物館作為一個乘載人類文化發展與教育推廣的平台，又該如何面對當代環境議題？   從「碳盤查」開始的淨零基礎 博物館管理者在制定應對策略前，須了解淨零並非一蹴可幾的目標—如財務管理需要先了解個人消費習慣，再從浪費的支出中節省—淨零得先進行基本功「碳盤查」，即檢視組織內所有的碳排來源，接續才開始執行「減量」與「移除」，最終達到淨零。 企業在進行溫室氣體盤查時，最常參考國際通用的指南如溫室氣體盤查議定書(GHG protocol)與ISO14064組織型溫室氣體盤查，故本文參考此規範，顯示組織在進行碳盤查時，可從三大範疇看起： 範疇1：指組織內部直接的碳排放源，以博物館來說最常見的是冷氣、化糞池等設施。 範疇2：使用能源的間接排放源，如向台電購買電力所產生的碳排放。 範疇3[註1]：則是其他間接排放源，如員工通勤上班過程中所產生的碳排、供應商運輸的碳排等等。   所以，如何成為更永續的博物館？ 英國自然史博物館自2012年起推出永續報告書，逐步宣吿館內各方面的碳排放減量行動方案。例如：藉由永續設計的建築工法、加強硬體設備能源使用效率管理碳排放，更透過購買綠電、安裝太陽能板等方式，致力於達到2030年前降低40%能源密集度之目標，而上述方式皆屬範疇1和2。 太陽能板的設置和使用，是近年來常見於博物館之低碳策略。圖為國立自然科學博物館頂樓的太陽能板。（周文豪 攝影）   相較於範疇1、2關注博物館自身的碳排放，範疇3的範圍則廣泛許多，包含整體供應鏈的物品及服務採購過程中產生的碳排。根據英國自然史博物館評估，範疇3的碳排約佔50%，故此部分的管理可為相當關鍵。館方進而採取一系列內部管理措施，如：訂定綠色採購策略、請30家供應商提供碳排放資訊，最後更訂定針對範疇3的減碳目標等。具體而言，在2022年之前，博物館商店所販售的服飾將100%由有機或再生纖維製成。顯示範疇3的重要性在於藉由博物館作為領頭羊，帶領整個供應鏈的轉變。 * * * Our journey to become a greener Museum | Natural History Museum-YouTube影片* * *   而美國國立水族館也宣布要在2035年達成淨零目標，為此將透過範疇1的努力，如：汽油車換電動車、範疇2如實施節電措施；以及範疇3的管理，例如：禁用一次性塑膠製品等方式。此外，館方還透過種樹和濕地守護提高碳匯，積極減緩氣候變遷與其負面影響。 美國國立水族館致力在2035達到淨零排放目標，圖為透過種樹與濕地守護等方式，減緩氣候變遷。(Credit: Theresa Keil, National Aquarium）   國內博物館可以跟進的路徑 過往國內博物館藉由改善建築與硬體設備，聚焦以電力使用、空調設備、水資源管理等方式降低碳排放，但上述措施仍處於範疇1和2的領域，針對範疇3仍未見著墨。筆者建議未來國內博物館可從碳盤查起手，再依序針對每個範疇進行減碳管理，並將脫碳策略與轉變過程以特展、永續報告等形式公開，讓博物館與大眾共同肩負環境永續的使命。 註釋1：新版ISO14064:2018對範疇3的界定有更新調整，本處以舊版說明。

特約記者：戴映萱（倫敦大學金匠學院藝術策展碩士、藝術評論工作者） 你曾否想過頂上千絲萬縷的頭髮具有什麼意義？頭髮是如此熟悉，以至於我們很少停下來思考這種纖維是如此非凡。為了揭露頭髮的秘密，倫敦霍尼曼博物館（Horniman Museum and Gardens）在去年底推出特展「頭髮：不為人知的故事」（Hair: Untold Stories），帶領觀者探索頭髮的多重面貌與故事，以及不同文化賦予頭髮的意義。 在西方歷史上，頭髮是力量和權力的象徵，聖經中可見不少關於頭髮的記載，其中古猶太人大力士參孫（Samson）正是從其髮中獲得無窮的力量。而中國傳統社會中，頭髮與「孝」緊密相連，正所謂「身體髮膚，受之父母，不敢毀傷，孝之始也。」髪在古代中國是區分文明與野蠻的主觀性判準，更因其帶有的敏感性標誌，而常引發民族與民族之間的糾紛與戰爭。 倫敦霍尼曼博物館特展「頭髮：不為人知的故事」展場。（Courtesy: Horniman Museum and Gardens） 梳理頭髮的學問大不同？此展櫃中展示了不同時代，來自不同國家與文化的梳子。（Courtesy: Horniman Museum and Gardens）   到了現代，人們對於髪型的歧視仍然存在，特別是針對非裔族群。紐約市在2019年頒布了全美首例的規定：「所有市民不論種族、族裔或個人身分認同，任何人都有權利擁有各式各樣的髮型。」將髮型定義為人權的一環，這項法律明文規定頭髮是身體的一部分，任何歧視皆是違法的行為。在展覽中，由藝術家Korantema Anyimadu設計的美髮產品店裝置，展出各式各樣將天然捲頭髮拉直的產品，呈現黑人女性族群因頭髮飽受歧視，進而希望改造自己以符合社會期待的狀況。 由藝術家Korantema Anyimadu設計的美髮產品店裝置，呈現的是黑人女性族群因頭髮而飽受歧視的經驗。（Courtesy: Horniman Museum and Gardens）   來自那加族（Naga）的「道」（Dao）是展覽亮點展品之一，此似刀非刀的物件兼具實用性與社會意義，柄端的一側飾有髮毛，顏色可黑亦可多彩。來自南亞的那加人是印度的古老民族，他們擁有豐富的藝術和手工藝傳統，每個部落皆生產獨特的實用品、裝飾品和服飾。「道」在Sema部落中更具有儀式性的功能，女性在婚前會贈與未婚夫，象徵他有責任為她打獵、耕種和戰鬥，部落的男性在死後通常都會與其「道」一同被埋葬。 除了探討人類與頭髮的複雜關係，這項展覽還展現頭髮作為一種材料的潛力。層層頭髮如瀑布，閃爍銀白的光芒，由英國藝術家珍妮‧達頓（Jenni Dutton）創作的金髮洋裝呈現再利用媒材的創造力，並挑戰大眾對於人類真髮做為材料的觀點，同時試問：當頭髮離開身體後，誰是它的主人？ 展覽從頭髮的個人意義探索至歷史和文化上的意義，圖為關注個人故事的展區。（Courtesy: Horniman Museum and Gardens）   頭髮碰觸了生命的許多面向，它訴說了十分個人的故事，更承載了社會結構的關係與期待。「頭髮：不為人知的故事」特展從人類學的角度出發，觀者如踏入萬花筒的內部，一窺頭髮的箇中奧秘，貼身地探索其歷史和當代意義。該展覽現已在霍尼曼博物館閉幕，但將於今年九月在英國卡萊爾的圖利故居博物館和藝廊（Tullie House Museum And Art Gallery）展出，並在2023年巡迴至在英國謝菲爾德博物館（Museums Sheffield）。

作者：何慕凡（英國倫敦大學學院考古學院博物館學研究所碩士）、劉筱蕾（史密森尼學會自然史博物館人類學部門博士後研究員） *本文感謝史密森尼學會自然史博物館人類學部門劉筱蕾博士後研究員接受訪談。 博物館中有形形色色的研究人員，他們會因為博物館成立的目標和館藏走向，而有不同的研究領域。越大型的博物館，旗下研究人員的研究領域便可能更為多元、分類更為細緻。以美國華盛頓特區史密森尼學會轄下的自然史博物館（The Smithsonian National Museum of Natural History）為例，其內就有1000多位研究人員，針對館藏進行不同領域的研究。現在，讓我們跟隨人類學部門劉筱蕾博士後研究員，進入考古基因組學的微觀世界。   重建古代DNA：標本「拼湊」的過去與未來 劉筱蕾所在的研究室，專長於重建過去生物的基因組，而她目前進行的研究主要涵蓋博物館各式標本跟考古材料，包含葡萄、蘋果、藜、狗、跟某些 RNA病毒的基因組重建。 她日常的工作過程，主要是在實驗室內萃取博物館現行保存標本當中的DNA，進而重建古基因組——這個過程有點像是「拼拼圖」，透過演算法，將過去生物的基因組回復到能與「現生近緣種」比較的狀態，也就是說，「可以拿來跟現在的相近生物進行比較」。而因為標本可能已經存在幾十年甚至數百年，保存過程中的處理往往會造成遺傳訊息的破壞或毀損，所以需要仰賴不同的技術來重建這些遺傳訊息。 圖為史密森尼學會自然史博物館的實驗室，是研究人員日常工作的地方。（劉筱蕾 攝影）   為何要重建遺傳訊息？這很重要嗎？ 劉筱蕾表示，其實博物館或標本館在搜集、採集標本的過程中，可能並不清楚標本的分類資訊，或隨著時間日久與紀錄佚失，無法判別標本的來歷與身分。透過重建標本的遺傳資訊，博物館得以辨別這些標本「是什麼」、或是它在分類學上是否是一個新物種！ 史密森尼學會庫房一景（Museum Support Center）。史密森尼學會博物館群因館舍空間不足，加上館舍大多都集中在國會山莊以及白宮等聯邦辦公區中，在911事件後，學會有鑒於博物館群庫房內收有大量化學物質，如果遭受恐怖攻擊後果不堪設想。於是在馬里蘭州的休特蘭地區（Suitland）建造集中型的博物館中心（Museum Support Center），將學會各博物館群的館藏集中收藏，並建有實驗室、溫室等設施。（劉筱蕾攝影） 準備送去進行分析的樣本，是重建古代DNA不可或缺的研究過程。（劉筱蕾攝影）   透過比較過往標本跟現在生物的遺傳訊息，研究可以看出幾十年甚至數萬年的生物演化。劉筱蕾分享之前進行的構樹研究，便是透過比較遺傳訊息，進而得知南島民族如何帶著構樹遷徙，了解過去人類移動的發展軌跡。 此外，其他研究員也有透過探鑽土層裡面的生物DNA，來判斷過去不同時代、該地點的植物種類變遷，又或是人類現在吃的樹薯，也可以透過遺傳訊息，追溯目前食用樹薯的種原跟雜交史，可以作為未來育種計畫或改良作物的參考資訊。   標本與他們的產地，及實務技巧 標本通常是史密森尼博物館裡面的館藏，但也會透過館際合作，跨國從其他博物館或植物園的標本進行採樣。劉筱蕾在英國任職時，就曾經為了進行歐亞葡萄研究，跑遍世界各地採集植物標本，最高紀錄在5天去了6個國家。跨國合作中，各國機構對於標本採樣的政策不一，除了既定的研究目的描述外，也可能需要提交介紹信或簽署相關合約（Material Transfer Agreement）。 而標本採樣的方式也十分多樣。有可能是機構內的研究員、策展人自行採集；或開放在研究員的監督下，由採樣人進行取樣。因為針對標本的採樣是「破壞性採樣」，一旦拿走了標本的某些部分，植物標本的完整性就被永久破壞了，所以通常採樣的內容可能是葉子碎片、或是拿取主標本本來就掉落的部分。 哥本哈根大學的採樣標本，左上角標示有採樣人的機構、姓名以及採樣日期，說明這份標本已經被採樣過。（劉筱蕾 攝影）   博物館內所收藏的標本，不僅僅是作為典藏而存在，更可以透過不同研究人員的研究面相，延伸後續的相關應用。透過瞭解更多物種以及其遺傳訊息，相信我們能對這個世界有更多的理解與認識。

特約記者：戴映萱（倫敦大學金匠學院藝術策展碩士、藝術評論工作者） 挪威卑爾根科德博物館（Kode Museums）於今年五月推出展覽計畫「鄰里：我們如何共同生活」（NEIGHBOUR: How Can We Live Together），探索「共同生活」（co-living）的生活模式，能如何改善住房問題，並促進人們的身心健康？ 由科德博物館、挪威國家藝術、建築和設計館（The National Museum of art, architecture and design、「卑爾根城市建築團隊」（Bergen City Architect）以及建築師「Helen & Hard」所共同策劃，此展對挪威當前所面臨的人口問題做出回應，包括：大幅增長的老年人口、在年輕族群中不斷升高的孤獨感、進入房地產市場逐漸高升的難度，以及其他包羅萬象的環境問題，這些圍繞「住房」的種種問題皆需新視角切入，進而提出可能的解決方案。 大型裝置〈我們所共享的：共居模型〉是由挪威建築師「Helen & Hard」和挪威國立博物館合作策劃，此裝置原展於2021年威尼斯建築雙年展北歐國家館。（Credit: Dag Fosse / KODE）   〈我們所共享的：共居模型〉（What We Share: A Model for Cohousing）為展覽的核心，該裝置原展於2021年威尼斯建築雙年展北歐國家館。基於挪威西南城市斯塔萬格（Stavanger）的公共計畫「Vindmøllebakken」，該項目是由「Helen & Hard」和挪威國立博物館合作策劃，他們提出共享和同居的新想法，並使用原始木材打造這一座基於共享理念的棲居空間。共居模型的木結構空間可提供不同程度的公共性和隱密性，內容包括：大型廚房、公共書桌、遊樂區和私人臥室，觀眾能進入這座大型裝置，親身體驗未來棲居的可能。   〈我們所共享的：共居模型〉 提供不同程度的公共性和隱密性，內容包括大型廚房、公共書桌、遊樂區和私人臥室。（Credit: Dag Fosse / KODE）   展覽的一部分尚借鑒了「卑爾根城市建築團隊」領導的實驗性研究項目「BOPILOT」中所提出的多重方案。通過與不同社區和年齡層的對話，該項目探索了未來可能的住房提案，並藉由與房地產開發商、企業和城市規劃師的連結，從中去做進一步的發展，期望找到最能替代目前挪威國內住宅的方案。在展覽中，觀眾不僅能貼身體驗〈我們所共享的：共居模型〉的空間結構，同時能經由展出的未來住宅模型，思考挪威國內的住房問題以及延伸之社會議題。 「鄰里之夜」是由科德博物館所策劃的美術館之夜活動，目的在於促進有機的對話。（Credit: Dag Fosse / KODE）   為了增進有機的對話，科德博物館更在展覽外籌辦了「鄰里之夜」（NEIGHBOURHOOD EVENING）， 邀請了當地社區觀眾前來參與討論，從不同的公共住房成功和失敗的案例中，探討當地社區如何能更有效地進行合作，創造良好且具永續性的建築。究竟，新的集體住宅形式能否幫助解決社會面臨的重大挑戰？作為文化空間的博物館，如何與社區連結，進而提出能解決未來住宅問題的方案？這些皆是這項具前瞻性展覽計畫期望能獲得的想法與聲音。

作者：梁卓堯（輔仁大學博物館學研究所研究生） 你有玩過「用物件說故事」的遊戲嗎？物件承載著擁有者的回憶與故事，對離鄉背井的人而言，更是自身成長故事的見證。德國DOMiD博物館（Documentation Centre and Museum of Migration in Germany，暫譯為德國文獻中心和移民博物館）便透過物件展示和敘述，結合實體與虛擬博物館計畫，企圖訴說日常用品中不為人知的遷移故事。 綜觀德國人口的數量成長，呈現長期偏低的狀況，2020年更錄得零增長[註1]，為吸引外來勞動人口，德國政府推出各項針對移民的教育和福利政策；同時，德國在過去5年是歐洲接收難民人數最多的國家，總計約130萬名[註2]，以上政策都間接造成國內社會資源重新分配的問題。因文化與經濟變動帶來的種種衝擊，德國近年發生多起與新住民相關的犯罪案件或恐襲事件，影響德國國民與新住民的關係，甚至出現仇視現象。 「移民社群之家」（House of the Immigration Society）預計於2025年完工，主要將作為展覽、研究、活動舉辦等空間，為公眾提供討論遷移議題的平台。（Graphic: facts and fiction）   DOMiD博物館於1990年成立，前身為紀錄土耳其移民歷史為主的非營利組織，致力從民間收集與家庭移民歷史有關的物品、文檔、口述歷史等，配合歷史、社會及政治學家研究，統整出德國的移民歷史發展。2019年，德國聯邦議會通過預算，計劃於科隆市建立歐洲最大、以遷移為主題的博物館，暫名「移民社群之家」（House of the Immigration Society），項目將由DOMiD博物館主理，預計於2025年完工。「移民社群之家」希望透過展示、典藏、教育研究、論壇活動等方式，呈現遷移者於德國歷史中所扮演的角色，以及如何影響現今的社會結構。館所將由引擎生產工廠改建而成，藉此連結當時工廠聘用大量外來移工擔任勞動性工作的背景，呈現勞動及被迫遷移的歷史象徵。 除了實體博物館計劃，DOMiD博物館也於2018年推出虛擬博物館，透過藏品捐贈者的口述記錄與對移民歷史的梳理，以不同角度訴說德國的遷移歷史發展。線上平台以遷移者生活相關的地點作為分類，包括：代表人口流動的火車站、外來勞工輸入的工廠、面對種族共融問題的辦公室環境等。使用者可自由點選各地點中的物件，探索各物件對遷移者或德國歷史發展的重要性。 * * * DOMiD虛擬博物館「Virtual Migration Museum」YouTube影片 * * *   此外，展示內容分成3個歷史時段，使用者可從中了解遷移議題在不同時代背景下所產生的變化。例如：博物館利用二戰後接收移民的「中轉營」相關文檔與入住者口述記錄，向使用者敘述遷移者當時的生活狀況；博物館也經由遷移者的個人物品，訴說移民後代如何在當代透過參與校園社群活動，致力達成種族共融，同時分享原居地文化的故事，從而探討遷移者建立身份認同的議題。 使用者透過點選不同時段與空間中的物件，了解遷移議題的歷史發展，以及為社會帶來的影響。（Screenshot: DOMiD-Archive, Cologne (Germany)）   DOMiD博物館以最直接的表達方式，向公眾傳達遷移議題相關的訊息，相比概念性的敘述內容，更能引起公眾的興趣。雖然實體博物館仍處於建設階段，但以下各點值得外界注意。一、博物館是否會發展當代典藏，從而探討難民、種族歧視等社會議題；二、博物館在物件敘述上，如何處理當事者的傷痛記憶；三、博物館如何透過實體公共平台與論述，容納社會中不同的聲音。 註釋： 註1: 統計數據參考德國聯邦統計局（Statistisches Bundesamt）2022年人口普查結果。 註2：統計數據參考聯合國難民署（The UN Refugee Agency）2021年全球趨勢報告。

作者/攝影：莊婷雅 (英國萊斯特大學 藝術博物館與美術館學碩士) 2020年新冠疫情以來，全球的美術館與博物館多次面臨閉、開館的政策調整，綜觀後疫情時代，美術館與博物館除了以展覽活動吸引觀眾回流，是否有更廣泛的方式，能重啟與觀眾的對話及互動呢？2022年3月，The Lightbox美術館策劃為期兩個月的快閃美術館 (Pop-Up Gallery) ，由購物商場為出發點，延伸本館展覽品味與策展專業的理念，將藝術作品帶入大眾日常生活場域中，以更活潑多元的美術館氛圍，主動開啟與觀眾的對話，更重塑城市公共空間在後疫情時代的定義。 位於維多利亞購物廣場內，快閃美術館的繪畫展間入口。（莊婷雅 攝影）   座落於新落成的維多利亞購物廣場 (Victoria Place) ，快閃美術館共有兩個展覽空間，分別以繪畫及雕塑為兩大主題，展出四位當地繪畫藝術家與十二位英國知名雕塑家的作品。繪畫展間展出了由The Lightbox美術館、沃金市鎮自治議會 (Woking borough council)，及維多利亞購物商場企業於2020年封城期間舉辦的維多利亞購物商場藝術創作線上競賽 (Victoria Place Open Call competition)作品，在一百多件入選作品中，以四位當地女性藝術家脫穎而出，展現沃金市鎮孕育多元藝術創作的生態，如今，線上虛擬展覽的作品們，終將能透過快閃美術館與觀眾見面。 觀眾正在快閃美術館繪畫展間參觀。（莊婷雅 攝影）   雕塑展間則由出生於沃金的英國知名雕塑家Sean Henry及David Worthington策劃，集結十二位英國雕塑藝術家、共二十五件抽象雕塑與具象作品，以「永恆即在當下 (Forever in the Now) 」展覽標題，展現The Lightbox快閃美術館脫離一般商場商業藝術展覽型態，以「藝術為大眾而存在(Art for all) 」的核心概念，建構日常生活與藝術共存的新穎樣態。 快閃美術館「永恆即在當下」展間一景。（莊婷雅 攝影）   除此之外，由館方、地方議會以及雕塑家Sean Henry合作的藝術地圖計畫，於沃金市中心設立八件雕塑系列作品，串連市區、火車站、購物商場、快閃美術館以及美術館本館等重點公共空間，讓快閃美術館計畫不僅是館方與藝術家的創作，更是美術館與地方企業、地方自治議會多方合作之成果。 雕塑家於沃金市鎮的雕塑系列藝術地圖。（莊婷雅 攝影） 快閃美術館觀眾留言，許多民眾期望保留快閃美術館，使其成為常態展覽空間。（莊婷雅 攝影）   在數位購物時代，疫情加速了線上消費需求，英國各商家紛紛推動「線上購物、店內取貨 (Click and Collect) 」服務，部分商店更無任何實體商品展示，可預期未來沃金市鎮中的購物商場與公共空間，將著重於大眾休閒娛樂與飲食消費。快閃美術館以貼近商場等公共空間的特色，成為民眾購物中的意外驚喜，此展覽檔期雖然僅為兩個月，不過The Lightbox美術館與沃金市鎮及商場的合作將持續一年，預期未來將以更友善、親民的氛圍，迎接各年齡層的觀眾踏入美術館空間，並促使藝術成為推動未來城市公共空間藍圖不可或缺的關鍵要素之一。

作者：王惇蕙（國立臺灣美術館教育推廣組助理研究員） 從大人角度來看，博物館可以提供孩子有趣的內容、創造有意義的學習經驗，在博物館「一起」的回憶更是難能可貴。但是，要怎麼讓小朋友有同感呢？出版《帶我去博物館》（Take Me to Museums）的作家Mary Richards，大方分享她的7個招式！   想想看，博物館裡面有什麼？ 博物館中的不同主題、物件，可以作為引導孩子思考的媒介。例如：這些東西怎麼做出來的？以前的人們怎麼使用這些東西？為什麼博物館要收藏這些東西？   查查看，學校和博物館有哪些可以呼應？ 到達博物館前，先上網查詢相關資訊（例如：博物館的歷史、建築、藏品等），對博物館有基本的認識。同時，也可以和孩子一起回憶學校的學習內容，或許有些博物館藏品可以增加或拓展學校的教學範疇。   靜靜看，相信自己的直覺 沒有參觀計畫的話，可以專注於第一眼就讓人怦然心動的藏品。如果孩子駐足在特定作品前，鼓勵他們慢慢地看、細細地想作品背後的脈絡（例如：誰做的？怎麼做？何時做？），也可以藉此討論色彩、材質、形狀等美學原理。   繞繞看，博物館周遭還有些什麼？ 博物館的建築本身也是欣賞對象之一，包含室內的樓梯、家具、動線，室外的花園、廣場等等。別忘了，不只平視，抬頭看和低頭望也都能發現不同以往的小細節！   拍拍看，用照片與創意豐富喜歡的作品 大人與小孩皆可經由拍照方式，記錄博物館的參觀經驗；也可以透過設定主題（例如：為最喜歡的作品拍照），讓在博物館拍照成為有趣的挑戰。離開博物館後，試著把想法塗鴉、書寫在照片上，記下自己與博物館的共好體驗！   慢慢看，不要一次全看完 參觀空間大、藏品多的博物館時，不要執著於一次看完，可以選擇2至3件作品，慢慢欣賞、細細品味，觀察作品的各種意境與細節。   打勾勾，下次再來博物館 同一間博物館參觀兩次以上，能創造新奇的體驗！每一次參觀，都可以和孩子討論「哪裡不一樣？」，鼓勵孩子在每次體驗中找到新的事物！   除了Mary Richards提出的7大招式，筆者認為「玩玩看，用不一樣的方式認識博物館」也是一個促使兒童愛上博物館的方法。以國立臺灣美術館下半年度即將開館的「臺灣兒童藝術基地」為例，基地以館藏為基礎，呼應不同階段兒童需求，客製各類型的教學資源。 孩子使用積木，認識臺灣膠彩畫之父林之助的作品。（國立臺灣美術館 授權）   在正式啟用前，館方辦理測試場，邀請孩子來「試玩」，沒有「怎麼玩」的規定，而是鼓勵他們用奇趣方式挑戰；陪同的大人也有指定任務，不插手體驗，靜靜擔任觀察孩子的紀錄員，用新的眼光、新的經驗，讓大人、孩子更加認識彼此、更期待美術館的未來！ 以館藏延伸的典藏故事卡，鼓勵大小朋友任由想像狂飆。（國立臺灣美術館 授權）

特約記者：戴映萱（倫敦大學金匠學院藝術策展碩士、藝術評論工作者） 倫敦威康收藏機構（Wellcome Collection）於近期推出特展「有根的眾生」（Rooted Beings），聚焦探討人類與植物的共生關係。眼下重重的環境危機，暴露了我們與大自然之間緊密而脆弱的糾葛，身為地球人，究竟如何重新構想平衡彼此的共生方式？展覽通過植物標本、植物科學畫、歷史文獻和為展覽特製的藝術作品，探索植物的多樣化行為，從中反思人類如何從這些古老、複雜而敏感的植物中，學習共處之道。 「殖民暴力與原民知識」（Colonial violence and indigenous knowledge）為展覽的第一章節，此區展出18 和 19 世紀期間，歐洲人從拉丁美洲帶回西方的植物標本，這批來自惠康收藏機構和英國皇家植物園（Kew Garden）的文獻，影射了當時因帝國主義的猖狂，所摧毀的原民文化與生態系統。 除了展示歷史文獻，策展團隊更邀請兩名當代藝術家針對該主題進行創作：來自亞馬遜雨林的藝術家何塞卡（Joseca） ，以圖畫作品描繪了當地原住民對雨林與植物的崇拜。他透過童趣般的筆法風格，刻畫亞馬遜雨林的人們如何與植物溝通，並召喚植物精靈以治療和抵抗疾病的場景。智利藝術家帕特里夏·多明格斯（Patricia Domínguez）的〈矩陣植物〉（Matrix Vegetal）則是一件囊括五株巨型植物模型的裝置，每一株植物上方皆鑲嵌一塊未來派圖騰標誌、一幅植物科學畫，和多張歷史文獻照片。如同一座座紀念碑，這些植物歌頌著過去殖民時代所摧殘的文化與生態系統悲歌。 智利藝術家帕特里夏·多明格斯（Patricia Domínguez）的〈矩陣植物〉（Matrix Vegetal）如同一座座紀念碑，五株巨型植物所歌頌的，是過去殖民時代所摧殘的文化、生態系統悲歌。（Rooted Beings, Wellcome Collection, 2022. Photography: Steven Pocock）   第二展區則聚焦在「共生」（symbiosis），探討人類與植物世界的相互依存關係，並延伸討論我們能從植物行為中所學習到的平衡模式。此區亮點展品包括美國植物學家韋弗（John Ernest Weavers）著作《根的生態關係》（The Ecological Relations of Roots） ，當中繪製植物的根在地底下延伸擴展的插圖，以及一幅勾畫耆那教（Jainism）宇宙學中，對充滿閻浮樹的中部世界想像。在耆那教的世界裡，萬物眾生皆有靈魂，土耳其藝術家格茲德·伊爾金（Gözde İlkin）編織創作所要傳達的即是此「共存關係」。伊爾金與其母親共同製作了一系列織品，她們運用來自薩滿教儀式中所使用的植物製作染料，並一針一線織出一個打破人類、動物和植物之間高低界線的願景。 「有根的眾生」展覽一隅，圖中展牆作品為描繪耆那教（Jainism）宇宙學中，對充滿閻浮樹的中部世界的想像編織圖。（Rooted Beings, Wellcome Collection, 2022. Photography: Steven Pocock）   人類在追求文明的過程中，往往會試圖控制「野性」（wildness）。這種想法與慾望因而增強了人類文化與大自然之間的隱形高牆，導致針對非人類生物的環境暴力行為。在最終展區「野化」（wilding）中，跨領域設計團體「RESOLVE Collective」為此展製作的裝置作品〈什麼是野生的生物〉（What the Wild Things Are），便回應了兩界之間的微妙關係。這件作品運用城市、鄉村和海岸荒野中萃取的素材，將它們置放在不同的門窗之中，以此反思人類與自然的關係，進而試問：什麼才是真正的野生，誰能夠進入荒野？ 跨領域設計團體「RESOLVE Collective」為此展製作的裝置作品〈什麼是野生的生物〉，運用來自城市、鄉村和海岸荒野中萃取的素材，重新思考人類與自然之間的關係。（Rooted Beings, Wellcome Collection, 2022. Photography: Steven Pocock）   整體而言，「有根的眾生」展覽帶領觀眾從過去看向當下、並展望未來。通過歷史文獻的爬梳和當代藝術家的多重詮釋，觀眾得以反思植物與人的關係，更從展覽揭露的無窮可能性中，重新思考我們能如何與大自然平衡共存。

特約記者：戴映萱（倫敦大學金匠學院藝術策展碩士、藝術評論工作者） 卡達世足賽（FIFA World Cup）將在年底開踢，為了呼應即將席捲全球的足球熱潮，英國倫敦設計博物館（The Design Museum）與曼徹斯特國家足球博物館（National Football Museum in Manchester）攜手，在4月初推出「足球：設計一場美麗的球賽」（Football: Designing the Beautiful Game）特展。 展覽共分為五個主題：「表演」、「身份」、「人群」、「奇觀」和「遊戲」，從歷史文獻、影片訪談、球場設計、足球俱樂部旗幟、以及傳奇足球員所用及身著的物件，探索「設計」如何形塑這項世上最受歡迎的運動，展示了創造力如何將球賽推向技術和熱血的極限。 「足球：設計一場美麗的球賽」展場一隅，圖中為展示來自不同足球俱樂部的球衣。（The Design Museum，攝影：Felix Speller）   展覽以足球與設計的互動關係做為開端，介紹150年來，設計如何支持足球的發展，更如何影響球隊的表現──這當中的關鍵，在於探索新的設計如何讓球員踢得更久、更快且表現更穩定。其中，輕巧的足球靴和引入空氣動力學的足球，皆為足球發展史上的關鍵設計，如1930 年首屆世界杯決賽中使用的兩顆足球，以及曼徹斯特足球俱樂部「神聖三傑」之一的貝斯特（George Best）和阿根廷足球金童梅西（Lionel Messi）曾穿著的足球靴，這些突破性的設計，展示了設計如何幫助足球的發展。另一方面，減震球場的設計和恢復性鍛煉程序的發展，亦為該展區所聚焦的部分。 巴西球王貝利（Pelé）於1958年世界杯足球賽所著的球衣亦為展品之一。（The Design Museum，攝影：Felix Speller） 曼徹斯特足球俱樂部「神聖三傑」之一的貝斯特（George Best）曾穿的足球靴。（The Design Museum，攝影：Felix Speller）   從街坊角落到世界級的球場，足球的文化意義將全球球迷連結在一起。在「身份」主題區中，展覽通過球衣、海報、電視節目和以球迷為主導的紀念品，呈現了足球如何塑造了許多球迷對俱樂部、地區和自我的認同。此展區同時講述了知名足球俱樂部的發展以及梅西、巴西球王貝利（Pelé）、阿根廷足球戰神馬拉多納（Diego Maradona）等多位傳奇足球員的故事。 巴西作家暨插畫家Aldyr Garcia Schlee在1953年為巴西國家足球隊設計的球衣草圖。（The Design Museum，攝影：Felix Speller） 早期的足球徽章設計。（The Design Museum，攝影：Felix Speller）   「人群」展區則從鳥瞰的角度觀看足球。館方設置了一件沉浸式的球場裝置，帶領觀眾從球場外部、球員通道遊覽至觀眾看台，邀請參觀者體驗或重溫在比賽日中與其他球迷嘶喊狂歡的貼身感受。此展區更詳盡地介紹設計球場的過程，包括聲響、視線和動線，其中如英國溫布利、倫敦史丹佛橋、義大利米蘭的聖西路等指標性球場皆為展出案例，其他由知名建築公司Herzog & de Meuron、Populous 和 Zaha Hadid Architects等領銜的未來計劃亦是此展區的焦點。而「奇觀」展區探索了官方錦標賽、電視收視率和社交媒體的影響，如何讓球迷與足球俱樂部建立連結，並討論這些創造「奇觀」的策略是怎麼將足球化為一個價值數十億英鎊的產業。 「人群」展區從鳥瞰的角度聚焦於球場設計。圖中攝影作品為德國藝術家安德列斯‧古爾斯基（Andreas Gursky）捕捉德國多特蒙德足球俱樂部踢球現場的攝影作品〈多特蒙德〉（Dortmund）。（The Design Museum，攝影：Felix Speller） 葡萄牙建築師Eduardo Souto de Moura所設計的布拉加市政球場（Estádio Municipal de Braga）模型。（The Design Museum，攝影：Felix Speller）   進入展覽尾聲，觀眾也被賦予一個踢球的機會！在最終展區「遊戲」中，展覽將主題拓展至實際的球場之外，展出大眾如何與足球這項運動產生連結，展示案例包含早期桌機遊戲如「吹足球」（Blow Football）、 「彈指足球」（Subboteo）以及廣受大眾歡迎的 「國際足盟大賽」（FIFA）和「足球隊經理」（Football Manager）等系列遊戲，這些讓觀眾在家也能「踢球」的遊戲，延伸了球場上灑滿熱血汗水的精神。 從足球員的穿戴到踢足球的場地，「足球：設計一場美麗的球賽」爬梳了150 多年來設計在塑造這項運動的發展上的重要角色。從球場到看台上，這項展覽呈現了世界上最受歡迎的運動背後的設計故事，向大眾歌頌著：「你永遠不會獨行！」 希爾斯堡慘劇（Hillsborough Disaster）後的紀念旗津為此展焦點之一。該事件是指1989年4月15日在英國希爾斯堡球場發生的踩踏事故，造成97名利物浦俱樂部球迷身亡。圖中旗幟上的「你永遠不會獨行」是利物浦隊的知名隊歌。（The Design Museum，攝影：Felix Speller）

作者：黃小聞（國立臺灣藝術大學藝術管理與文化政策研究所碩士生） 現代博物館除了需具備展示教育的功能，伴隨文化平權意識抬頭，更被期待作為討論社會議題的公共場域。然而，跳脫主流文化的框架，博物館該如何觸及社會中的少數族群，進而透過展示為其發聲？台北當代藝術館「非遊記」特展，以東南亞移工的第一人稱視角，帶著觀者（visitor）進入移工們的日常生活，揭露我們未曾觸碰過的「臺灣」，聆聽容易被社會淡忘的微弱心聲。 展覽門票以錄音帶的意象呈現，透過文字與歌謠等藝術作品，希望觀者能「聽見」移工們的心聲。（黃小聞 攝影）   「你聽見了嗎？」，整場展覽從一捲錄音帶的意象開始，透過聽覺感知，使觀者跳脫主流文化的視角，體驗一段鮮少被翻閱的生活記憶。有別於一般對於出國遠行的想像，展覽在訴說移工遠赴他鄉的生活型錄中，沒有關於流連異國的風景描繪，或對異文化見聞而產生的興奮感受，而是透過吟唱勞動歌謠，重現國家發展政策中，弱勢群體的勞動型態與日常生活，亦揭露移工在臺灣社會中的人權議題。全展分為兩個單元進行敘事，分別為第一軌的《我們可不是來玩的》及第二軌的《再等我三年》。   第一軌：《我們可不是來玩的》 本展區由「燦爛時光：東南亞主題書店」提供的文字書信及媒體素材，聚焦在1990年代移工來台後的生活再現。作品《非理性的選擇》，透過移工畫家陳氏桃（TRẦN THỊ ĐÀO）的《人生三部曲》拋出移工來台前的各種想像，同時利用《四方報》及「唱四方」的媒體素材，道出來台移工對家的無限牽絆。然而，來台後所面臨的種種現實，卻遠超出想像。 R106展間還原「北車地板圖書館」的場景，為燦爛時光書店擺設於北車大廳的書攤，讓東南亞籍的愛書人士能在週末閱讀母語撰寫的書籍。作品：《非主流的感情》，藝術家：燦爛時光：東南亞主題書店。（台北當代藝術館提供 / 攝影：ANPIS FOTO王世邦）   《非理性的選擇》展間中，以畫作及歌曲對比移工來台前後的心境落差。畫作作家：陳氏桃（TRẦN THỊ ĐÀO），影片提供：燦爛時光：東南亞主題書店。（黃小聞 攝影）   《非線性的逃逸》展間中，更利用大量的黑白布條將空間切割，營造出一種身處迷宮似的迷茫感受。「逃？不逃？」布條上的文字敘述出移工進退兩難的內心世界，對比強調人權治國的臺灣，在社會中仍有其觸碰不到的黑暗。 以黑白布條的方式，營造失序混亂的空間，藉此比喻移工內心的茫然與衝擊。作品：《非線性的逃逸》，藝術家：燦爛時光：東南亞主題書店。（黃小聞 攝影）   第二軌：《再等我三年》 時空背景拉回到冷戰期間的反共思潮，第二軌展區《再等我三年》利用泰國的摩蘭歌謠及臺灣原住民的林班歌，交錯出勞動社會中的意識型態。摩蘭歌謠是位處泰國東北的伊善人，用來傳唱生活及民間傳奇的媒介，卻因為政府反共意識介入，成為政治宣導的工具。爾後，伊善更受美國挹注大量資金，視為反共壁壘，徹底改變了當地居民的生活型態。同樣來自生活，臺灣原住民的林班歌亦記載了當時作為伐木工人的人生百態。然而，隨著《流浪記》展間的敘事脈絡，從日治時期的伐木到國民政府的造林，最後到原住民還我土地的倡議活動，均可看出統治政權對原住民生活的擾動。歌謠作為文化載體，記錄生活的同時也建構了吟唱者的身份認同。「何時才能回歸家園？」摩蘭歌謠的內容變遷，道出大環境下無力招架的失根困境。 以卡拉ok的卡帶手法，將原住民失去家園的流浪心境投影在牆面上。作品：《流浪記》，藝術家：大大樹音樂圖像。（黃小聞 攝影）   從社會中的多數族群切換到弱勢群體的生活視角，博物館展示成為觸碰社會議題的媒介。本展透過藝術的呈現手法，讓觀者能藉由「身體感知」，同理移工生活的悲喜與矛盾，並利用歌謠及口述歷史等方式，使生硬的史料更容易咀嚼吸收。然而，當展示結束之後，這些聲音是否又將再次被大眾淡忘？博物館的文化平權實踐，其關鍵或許便在於你我——未來從個體所發酵出來的行動之中。