博物之島 MUSEUMS

作者：劉怡辰（自由作者） 位於日本宮城縣的南三陸311紀念館（南三陸311メモリアル），於今年（2022）10月開幕。座落於311大地震海嘯重災區，紀念館由知名建築師隈研吾操刀設計，採用南三陸杉木材建構，成為具有在地性的記憶載體。 館內透過文獻圖表、影像紀錄的展示形式，呈現2011年3月11日東日本大地震後，當地遭受海嘯嚴重侵害、高達800多人罹難（包含失蹤人數）的心碎過程，結合當事者口述歷史與多位藝術家創作，再現災害記憶以及在地居民的災後生活樣貌，讓觀眾感受創傷記憶之餘，更直視個人生命之於大自然力的脆弱，並探尋未來的災害因應之道。 館內透過文獻及影像的展示形式，呈現南三陸地區的受災情況與創傷記憶，帶領觀眾從中思考人類生命與大自然的關係。影片中的受訪者包含當年倖存的學校師生、協助震災救援的消防署職員等。（南三陸町 提供）   常設展中，以日本攝影師浅田政志與法國藝術家Christian Boltanski的作品作為亮點之一。浅田政志自2013年秋天至2021年夏天，與南三陸町居民共同討論並執行《當南三陸同在一起》（みんなで南三陸）攝影計畫，透過影像記錄災後居民們相互支持、帶著笑容積極生活的身影。浅田政志提到：「不管是在哪件作品的攝影現場，都能充分感受到居民們『我們要用自己的雙手，重建在震災中失去的家園』的強烈意志」。 日本攝影師浅田政志的攝影作品《當南三陸同在一起》（みんなで南三陸），除了展示於館內之外，也被製作為紙本刊物，供觀眾於遊客中心閱覽。（劉怡辰 攝影）   另外，長期關注「生與死」及個體生命尊嚴議題的法國當代藝術家Christian Boltanski，於實際走訪災區後，深受眼前慘烈的景象觸發，為緬懷消逝的生命，並思考人類、自然與時間的關係，他於2020年春天完成了結合實體物件與燈光裝置的《Memorial》設計圖。遺憾他在2021年逝世，作品卻尚未完工，因此轉由南三陸町邀請長年協助他進行製作與策展的Eva Albarran工作室，合力依照遺留的設計圖完成Christian Boltanski此生最後一件創作。透過藝術的轉化，讓震災記憶不被埋沒於過去，而能作為當代議題，再次觀看與討論。 法國當代藝術家Christian Boltanski生前最後一件創作《Memorial》，立基於自身走訪311災區的記憶，帶領觀眾思考生命的議題。（南三陸町 提供）   不僅陳列展示，南三陸311紀念館也進一步結合教育推廣計畫，與觀眾一起思考如何應對未來災害的發生。透過每日定時討論會的形式，搭配沈浸式影片播映，呈現311震災實際景象以及當事者經驗描述，讓觀眾在館員引導下，從自身居住環境可能面臨的自然災害出發，描述已知的避難計畫，並延伸討論其他替代方案，以減少災害強度超乎預想而使防災訓練失效的緊急情況。 此外，館方也舉辦「防災工作坊」，以「學校」及「家庭」的視角出發，與民眾討論未來可行的避難方式，從中思考在自然災害中求生的方式，達到防災教育、災難管理的目的。 教育推廣計畫中，館方以沈浸式影片帶領觀眾進入災害情境，並由館員帶領觀眾討論日常防災的多種可能性。（南三陸町 提供） 參加教育推廣計畫的觀眾，將獲得館方製作的「防災手冊」。內文包含東日本大震災相關資料以及防災知識，供觀眾活用於日常生活的防災行動當中。（劉怡辰 攝影）   南三陸311紀念館的設立，不僅止於災難紀錄與悼念，而是將館舍作為公共開放的對話平台。結合周邊南三陸町震災復興祈念公園以及海景，位置毗鄰南三陸三三（さんさん）商店街，具有振興地方觀光的意義，透過藝術家、在地居民、訪客的共同參與，將創傷記憶轉化為積極面對未來的契機。 南三陸町震災復興祈念公園中，保留了受海嘯侵害後的防災對策廳（防災対策庁舎）建築遺跡。從建築鋼結構彎曲、變形的損壞方向，到訪者可以深刻感受311大地震的海嘯破壞力。（劉怡辰 攝影） 2017年落成的南三陸三三商店街（さんさん商店街），亦由建築師隈研吾採用南三陸杉木材設計而成，作為在地商家匯集的基地。以三三（さんさん）命名，期望商店街有如燦陽（サンサンと輝く太陽）般為地方帶來笑容與力量。（劉怡辰 攝影）   執行編輯：郭冠廷

作者：楊育睿（英國約克大學藝術史學系博士候選人） 著名心理學家佛洛伊德與中國，兩者之間有什麼關係？由藝術史與漢學家柯律格（Craig Clunas）與倫敦佛洛伊德博物館合作策劃，「佛洛伊德與中國」（Freud and China）特展從藝術史的視角出發，重新詮釋了科學家收藏的「中國文物」，也體現了在傳記博物館類型中，難得一見的科學與藝術史跨領域對話。 柯律格與倫敦佛洛伊德博物館合作策畫的「佛洛伊德與中國」展覽空間設計。（Credit: Freud & China exhibition room ©Freud Museum London. Photo Karolina Heller） * * * 「佛洛伊德與中國」特展YouTube介紹影片 * * *   位於倫敦的佛洛伊德博物館，以精神分析學家佛洛伊德（Sigmund Freud）的最後故居為人所知。佛洛伊德在二戰期間，偕同家人逃離納粹取得控制的奧地利，最終抵達英國。而後，他便持續在此進行診療與研究，直至去世。 佛洛伊德的工作室是該博物館最吸睛的焦點，陳列沿用於維也納舊居的傢俱、他所收藏的書籍、圖繪、古玩，以及會見診療個案的躺椅，這個由科學家親手打造的空間，鉅細靡遺地演繹著佛洛伊德的思想世界。特別是引人入勝的大量古董收藏，具東方色彩的陶瓷、玉器、織物，與古代埃及、希臘與羅馬風格物件，為此空間增添了一種夢境般的氛圍。 佛洛伊德在倫敦故居的藏書與異文化物件收藏。（楊育睿 攝影） 佛洛伊德工作室擺設中，包含家具、地毯和文物收藏，呈現了大量異文化視覺元素。（楊育睿 攝影）   佛洛伊德經常將精神分析科學與考古學聯想在一起。在《夢的解析》（The Interpretation of Dreams）中，他提及這些異文化物件與那些「陳舊蒙灰的諸神」如何幫助他進行精神分析工作[註1]，即使這些物件也包含仿製品，但他似乎不特別在意。他隨心所欲地布置珍奇櫃、改變物件陳列的排列組合，創造他在精神領域中所尋求的「如夢的世界」[註2]。 佛洛伊德的「中國萌公仔」蒐藏，很有條理卻也很隨機地與其他埃及、希臘古文明收藏穿插擺置在一起。（楊育睿 攝影）   在「佛洛伊德與中國」特展室中，策展人柯律格進一步透過分析佛洛伊德收藏的「中國」物件，探討當時歐洲古物與藝術市場的潮流，以及對「東方」文化的特定想像與迷思。該展示提到，佛洛伊德收藏的中國塑像大多是女性。隨著此類收藏的增加，他在後期關於女性的研究中，重新強調了前戀母期對女性心理學的重要性[註3]。特展也詮釋了佛洛伊德對中國玉器的興趣，並提及他「對成年禮、社會及宗教儀式，進行了廣泛的精神分析研究」[註4]。此外，佛洛伊德為寵物犬們命名刻意表現的「中國風情」，也是該展的亮點之一[註5]。 陳列佛洛伊德的玉器收藏展示櫃一隅，呈現出精神分析學家言行如一地隨機。（楊育睿 攝影） 佛洛伊德收藏的女性中國塑像。（©Freud Museum London. Photo Karolina Heller）   在佛洛伊德的日記中，他的寵物犬譯名「寫法並不固定」且「用字五花八門」[註6]。這一點印證了佛洛伊德對中文的描述：「我僅在各種隱喻中取得我想要訊息，如同那些發生在夢中的種種不確定性一般。」[註7]。佛洛伊德將夢境放置在日常秩序的對立面加以解讀，這改變了經驗日常物件的方式。而這些除去文化脈絡的東方物件，對他而言即是由隨機的隱喻所構成的「如夢的世界」。 佛洛伊德與寵物犬們，牠們的命名刻意表現出「中國風情」，呈現佛洛伊德的喜好。（Credit: Freud & China Image 14 © Freud Museum London） 註釋1：Text for display ‘A Treasure Trove of Antiquity: Sigmund Freud’s Study’ at the Freud Museum London. See on 15 May 2022. 註釋2：Letter from Sigmund Freud to Marha Bernays, 10th October 1885. Display text at the Freud Museum London. See on 15 May 2022. 註釋3：Text titled ‘Freud, China and Feminine’ in the exhibition ‘Freud and China’ at the Freud Museum London. See on 15 May 2022. 註釋4：Text titled ‘Freud and Jade’ in the exhibition ‘Freud and China’ at the Freud Museum London. See on 15 May 2022. 註釋5：Text titled ‘Freud and his ‘Chinese’ dogs’ in the exhibition ‘Freud and China’ at the Freud Museum London. See on 15 May 2022. 註釋6：Ibid. 註釋7：Sigmund Freud, translated by Joan Riviere. Introductory Lectures on Psycho-Analysis. (London: George Allen & Unwin Ltd, 1922). 195.

作者：蔡穎昌（曼徹斯特都會大學動物園保育生物學碩士） 不論類型如何，展覽是博物館與民眾對話的首要媒介。運用多元或創新手法拓展對展品的詮釋，觀眾在館方刻意設計的引領下導致心境變化，增幅與生俱來的親生命性（Biophilia）、達成令人印象深刻的觀展體驗，在近年逐漸得到業界與大眾的青睞。 這類以保育心理學（Conservation Psychology）為根基的展覽，不僅實踐了博物館「從感知啟發認知（Touch the heart to teach the mind）」的使命，也成為許多館舍應對人類世（Anthropocene）挑戰的必修課，而其中的佼佼者——當屬奉保育為圭臬的現代動物園。 英國Wildwood野生動物公園在園區內保存了大量的樹林景觀，並憑藉敘事技巧將其包裝為獨角獸的住所，憑空創作出一個能夠吸引民眾捐款「認養」原生森林的精神象徵。（蔡穎昌 攝影）   是鱷魚…還是皮包？！倫敦動物園為野生動物發聲 被認為是首座現代動物園的倫敦動物園（ZSL London Zoo）雖坐擁輝煌歷史，卻在展示設計上始終保持挑戰者的心態，例如：以吉爾國家公園（Gir National Park）大門做為展示入口，佈景卻揉合了野生動物與印度街景，藉以突出人獸共存議題的「獅王大地（Land of the Lions）」；以及邀請參觀者跟隨故事線，深入老虎Hari的一生經歷、從中汲取保育資訊，進而倡議環保生活的虎疆（Tiger Territory），都是同類型展示中的先驅。 倫敦動物園在「獅王大地」中，巧妙暗示人類與野生動物比鄰而居的現況。例如融入了獅子鬃毛介紹的髮廊廣告牌。（蔡穎昌 攝影）   而園區的兩棲爬行動物館除了是哈利波特影迷的朝聖地[註1]，長久以來都因其露骨呈現亞洲水龜遭遇的「越南廚房」，備受動物園愛好者矚目。近年更是冷不防在展示中混入了自機場沒收的鱷魚皮包，強烈的不協調感令「人類活動對野生動物的威脅」成為每個參觀者過目難忘的接收要點（Take Home Message）。 倫敦動物園的兩棲爬行動物館。於《哈利波特：神秘魔法石》電影場景中，哈利在此與蟒蛇進行對話。（Credit: Karen Roe, Flickr, CC BY 2.0） 倫敦動物園的兩棲動物館露骨表現亞洲水龜遭遇的「越南廚房」，備受動物園愛好者矚目。（賀律銘 攝影）   別樹一格！切斯特動物園以生態畫廊關懷自然 被公認為「英國最好的動物園」的切斯特動物園（Chester Zoo）則將「預防滅絕（Prevent Extinction）」視為機構願景，為遏止野生動植物種群數量下滑，在全世界執行近70個保育計畫，預計於2031年前將此數字推進至200個。為擴展從野生動物個體至生態系統共榮的保育理念，園方於2018年委託視覺藝術家理查道森（Richard Dawson）打造「名樹庭園(Celebritrees Garden)」，該園植栽以往被視為塑造氛圍的工具，搭配互動設施之後，頗能慫恿遊客運用視覺以外的感官，去體會這些「別樹一格」的庭園區主成份。這項展示別具匠心地從稀鬆平常的自然遊戲中，引伸對各色生靈的關懷。 切斯特動物園（Chester Zoo）委託視覺藝術家理查道森（Richard Dawson）打造「名樹庭園(Celebritrees Garden)」，利用畫框聚焦喬松（Pinus wallichiana）的柔軟松針，令樹葉成為引人入勝的展品，協助觀眾加強對各色生靈的關懷。（蔡穎昌 攝影）   不「專美於前」，美術館致力於生態永續 除了動物園與自然史博物館，許多美術館也投入這股永續浪潮。臺中國立臺灣美術館「禽獸不如—2020台灣美術雙年展」，盧昱瑞作品〈漁場：魷釣船〉巧妙運用空間及氛圍轉換，於美術館大廳重現漁工在福克蘭群島外海捕撈巴塔哥尼亞魷魚（Doryteuthis gahi）的場景。該處以海洋科學為根基，與各國協調許可執照和區域/季節性休漁等措施，以應對過度捕撈（Overfishing），被視為漁業永續監管的經典案例。由真實漁船生活連結人性，美術館得以透過藝術展示向參觀者傳遞「從漁船到餐盤（From Boat to Plate）」的嚴肅議題。臺北市立美術館2018台北雙年展《後自然：美術館作為一個生態系統》中，朱利安．夏利耶（Julian CHARRIÈRE）作品〈一場消失的邀請〉則透過不和諧的沉浸聲光體驗，引導觀眾反思東南亞油棕園如何對當地生態產生影響，從而思考日常消費和環境永續千絲萬縷的關係。 福克蘭群島的魷魚捕撈議題曾是我留學時被教授指定的報告題目，能夠在母國的美術館看到這樣的出色展品，令我感到十分雀躍。（蔡穎昌 攝影） * * *朱利安.夏利耶（Julian CHARRIÈRE）〈一場消失的邀請〉，2018 YouTube影片 * * *   生物圈（Biosphere）的興旺（Thrive）是一切永續發展的根基。根據世界自然基金會（World Wildlife Fund，WWF）日前發布的The Living Planet Report 2022，全球野生脊椎動物的數量自1970年代以來已經下滑了69%，顯示保育意識的凝聚刻不容緩。動物園、博物館和美術館作為體制外教育場域，藉由展覽點醒參觀者並推廣永續教育，已是館舍無法迴避的責任。 註釋1：於《哈利波特：神秘魔法石》電影場景中，哈利在倫敦動物園兩棲爬行動物館與蟒蛇對話。

作者：徐鈺涵（荷蘭拉德堡德大學藝術史博士候選人） *本文圖片由荷蘭莫瑞泰斯美術館（Mauritshuis）授權提供 2022年是荷蘭莫瑞泰斯美術館（Mauritshuis）立館兩百週年紀念，在這個特別的時刻，館方以〈曼哈頓大師－來自紐約弗里克收藏的林布蘭與朋友們〉（Manhattan Masters Rembrandt and Friends from the Frick NYC）特展（2022/9/29至2023/1/15），向觀眾介紹一批首次「返回」荷蘭展出、來自紐約弗里克收藏（The Frick Collection）的十七世紀荷蘭繪畫精品。 * * * Mauritshuis tentoonstelling - Manhattan Masters〈曼哈頓大師〉YouTube介紹影片 * * * 弗里克收藏博物館位於紐約曼哈頓，致力於古代大師繪畫的精品收藏（Old Master Painting）。該館的成立為十九世紀美國實業家－亨利・克雷・弗里克（Henry Clay Frick，1849-1919）的遺願，將他生前的住所與藝術收藏全數捐出，改為可供大眾參觀、欣賞藝術的博物館。除此以外，該館亦成立研究中心鼓勵研究者持續探索藝術史與收藏史等議題，是私人收藏轉為博物館的成功案例之一。 由於弗里克收藏的部分館藏空間正進行整修，因此藏品也得以外借展出，是相當難能可貴的機會。荷蘭的莫瑞泰斯美術館將弗里克收藏中，十件著名且重要的荷蘭黃金年代繪畫作品以特展形式展出，作品類型涵蓋風景畫、肖像畫、風俗畫等。 本展強調觀眾與作品之間的對話，沒有額外的文字說明、也沒有分區的動線規劃，只有簡單的作品資訊，讓觀眾可以聚焦在作品本身，細細觀察並感受這些作品的精彩之處，進而思考「為什麼這些作品被評為名作」？ 〈曼哈頓大師〉特展現場。（Credit: Maurithuis）   維梅爾（Johannes Vermeer，1632-1675）的〈軍官與微笑女郎〉（Officer and Laughing Girl）為特展亮點藏品之一。這件作品由弗里克於1911年購得，是維梅爾經典的風俗畫類型。畫中女子以開心的神情望著眼前軍官，但她手中的酒實際上卻有較為負面的意涵，因為當時荷蘭人認為酒會令人放蕩。   維梅爾的〈軍官與微笑女郎〉與近照細節。（Credit: Maurithuis, 下圖Foto: Joseph Coscia Jr.）   而特展最大的亮點，是林布蘭（Rembrandt van Rijn，1606-1669）於1658年完成的〈自畫像〉（Self-Portrait），本作作為林布蘭自畫像研究中相當重要的作品之一，同時也是特展尺寸最大的展品，放置在展間壓軸。完成〈自畫像〉的林布蘭正值52歲，但卻由於事業經營不善，已宣布破產。然而，作品中卻絲毫不見他事業不順的神情，反而穿著華麗的金色衣袍，氣勢磅礡，與他當時的處境形成極大對比。   林布蘭〈自畫像〉是特展尺寸最大的展品，當時林布蘭正逢事業經營不善，作品中卻穿著華麗的金色衣袍，氣勢磅礡，與他當時的處境形成極大對比。（Credit: Maurithuis, 下圖Foto: Michael Bodycomb）   莫瑞泰斯美術館向來以十七世紀荷蘭黃金年代的繪畫聞名，亦有多件林布蘭與維梅爾的著名作品於常設展展出，如：〈尼可拉斯·杜爾醫生的解剖課〉（The Anatomy Lesson of Dr Nicolaes Tulp）與〈戴珍珠耳環的少女〉（Girl with a Pearl Earring），讓本次〈曼哈頓大師〉特展與莫瑞泰斯美術館的收藏彼此呼應，觀眾可在參觀特展後，到常設展探索、比較更多相關作品，反之亦然。綜觀莫瑞泰斯美術館[註1]與弗里克收藏博物館的建立，其實也些許類似，皆是由私人收藏轉為公共博物館，且同樣以古代大師的繪畫聞名。此次〈曼哈頓大師〉特展除了讓觀眾看見這些離鄉已久的作品，也介紹了另一個遠在他鄉、但卻有著類似歷史與收藏特色的博物館。 林布蘭的成名之作〈尼可拉斯·杜爾醫生的解剖課〉，呈現阿姆斯特丹外科醫生手術中的場景，明暗之間的巨大對比為場景增添了活力。（Credit: Mauritshuis, The Hague.） 註釋1：莫瑞泰斯美術館的典藏原為奧蘭治親王－威廉五世（William V, 1748-1806）的私人收藏，後由其子威廉一世（William I, 1772-1843）於1816年捐給荷蘭政府，莫瑞泰斯美術館的建築則為十七世紀的親王－約翰・毛里茨（1604-1689）的私人住所。

特約記者：戴映萱（倫敦大學金匠學院藝術策展碩士、藝術評論工作者） ＊本文圖像全數由維多莉亞與艾爾伯特博物館（The Victoria and Albert Museum）授權使用 倫敦維多莉亞與艾爾伯特博物館（The Victoria and Albert Museum，簡稱V&A）於今年9月底推出特展「Hallyu！韓流」（Hallyu! The Korean Wave），這是英國首次展示韓國流行文化的展覽。 展覽以歌手PSY於2012年推出的經典單曲《江南 Style》揭開序幕──這首歌以深具感染力的節奏和簡單易學的騎馬舞動作受到矚目，旋即激起國際廣泛的模仿現象。在展覽中，PSY標誌性的粉色西裝外套勾起大眾共鳴，多媒體屏幕則播放著歌曲MV以及世界各國爭相模仿的影片，展現了韓國流行音樂（K-Pop）如何成功風靡全球。 V&A博物館近期特展「Hallyu！韓流」探討韓國文化在全球的影響力，展覽以流行歌手PSY的熱門單曲《江南 Style》揭開序幕。Ⓒ Victoria and Albert Museum, London   「韓流」（Hallyu）一詞源於圍棋界，1990年代末的國際圍棋比賽中，韓國選手屢屢獲獎，當時圍棋界便將此現象稱為韓流，此詞後用來指稱韓國文化在世界各地的影響力。本展在四大主題貫穿下，透過歷史文物和流行文化爬梳韓國在經歷日本殖民時代、韓戰到如今的文化強國之姿，探索自1990年代後期席捲亞洲乃至全球的韓流現象。 第一展區「從瓦礫到智能手機」（From Rubble to Smartphones）聚焦在韓國在二次大戰後的發展，重要歷史事件包括1988年首爾夏季奧運會首次在海外成功轉變形象，並在1990年代末期以具前瞻性的IT創新走出亞洲金融風暴，成為世界上最早開創電子產業的國家之一。除了攝影、文獻資料和電子產品的早期例子（如世界上第一台商業MP3播放器），「錄像藝術之父」白南準（Nam June Paik）於1986年創作的經典作品《海市蜃樓》（Mirage Stage）是此展區的最大亮點──這件裝置作品由33台電視機所組成，展現了藝術家頌揚崛起的電視文化，並傳達電視能幻化為烏托邦的潛在可能。 韓裔美國藝術家白南準（Nam June Paik）於1986年創作的經典作品《海市蜃樓》為展覽亮點之一。Ⓒ Victoria and Albert Museum, London   「場景設置」（Setting the Scene）展示了自1990後期迅速引起炫風的韓國電視劇和電影。Netflix大熱門的電視劇《魷魚遊戲》中標誌性的警衛服和綠色運動服，是最受歡迎的展品之一，而榮獲2019年奧斯卡最佳影片的《寄生上流》，浴室佈景更是該區的另一亮點。流行音樂作為第三展區的主題，展品包含南韓女團aespa熱門歌曲《Next Level》的MV造型、當代藝術家權五祥（Gwon Osang ）為歌手G-Dragon 創作的大型雕塑等。策展團隊更與曾為流行樂女團BLACKPINK設計造型的視覺總監 Geeeun，以及與國際知名男團BTS和NCT合作過的造型總監Balko聯手，兩人分別為此展設計了兩款新的「偶像」造型，展現韓國娛樂產業與時尚文化緊密的連結。 第二展區以韓國電視劇和電影為焦點，策展團隊特別還原了榮獲2019年奧斯卡最佳影片的《寄生上流》的著名浴室佈景。Ⓒ Victoria and Albert Museum, London   V&A做為典藏服裝設計的重要博物館，展覽特別著墨韓服（Hanbok）和韓流時尚的關聯性。傳統韓服由於樣式上的限制，大多僅出現在重要場合，但其具歷史意義的標誌性設計是許多當代設計師的靈感來源。展覽最終展區便透過古今對比，呈現傳統韓服對當代設計的影響。其中，金英珍（Kim Young Jin）的設計是結合古典與當代的經典例子，其品牌「差異金英珍」（Tchai Kim）以「生活韓服」為主要概念，提倡將傳統韓服現代化並融入生活，此區展出的紫色連身裙便可見化繁為簡的新時尚美學。此外，美妝產業亦是推動韓流的重要功臣，對韓流的全球化現象不容小覷。最終展區便展示了13世紀至今的化妝品包裝，呈現美妝品牌如何在繼承文化傳統下，同時注入融合東西方美感的設計。   展覽最終展區透過古今對比，呈現傳統韓服對當代服裝設計的影響，同時爬梳美妝品牌如何在繼承文化傳統下，注入融合東西方美感的設計。Ⓒ Victoria and Albert Museum, London   對於亞洲觀眾而言，韓國文化的崛起並不陌生，但對西方觀眾來說仍然十分新鮮，「Hallyu！韓流」展覽在系統性的回顧下，深入探討韓流此一全球性的現象，展示這個國家豐沛的生命力、韌性、對於輸出文化的堅持與驕傲。

作者：楊愉珍（自由作者） 當美術館不再是肅穆禁止喧嘩的殿堂，而是充滿兒童歡聲笑語的學習空間，這裡是甫才開幕的臺灣兒童藝術基地（以下簡稱兒藝基地），隸屬於國立台灣美術館，於今（2022）年9月正式營運。 兒藝基地以「未來教育」為核心精神，在籌備過程中，改變傳統成人角度規劃模式，鼓勵兒童一起參與及發想，成為共創夥伴，最終讓基地化身為感受、創造、思考藝術的兒童創作實驗場。   當孩子成為共創夥伴！以兒童為設計主體 目前，兒藝基地規劃有「教育展示」與「互動體驗」兩大空間，教育展示空間現正特展「你看！？」鼓勵兒童參與內容產製，展覽籌備前、中期便邀請20幾位兒童訪談，分享他們對美術館的各種回憶、想像，以及對館藏的感受與看法，最終，成為「看看、想想、聊館藏」單元重要的展覽內容。 特展「你看！？」，鼓勵孩子們除了用眼看，也用心感受大至山川、小至花草靈動的自然生命力。體驗一下，用像昆蟲複眼的放大鏡看、跟只用眼睛看，有什麼不同呢？（楊愉珍 攝影） 「看看、想想、聊館藏」單元展示內容。策展人經由與兒童討論對大自然畫作的感受與想法，將其化作展覽內容，可以看到許多不同於大人的有趣觀點。（楊愉珍 攝影）   此外，館方也透過多次工作坊活動，了解兒童對展覽的理解程度，並徵詢他們的意見以改善教具使用方式。例如，發現兒童難以選擇想要的故事圖卡，而將圖卡分門歸類標示；也回饋希望圖卡多重前後鋪排的需求，將圖卡臺座調整為放置多張的設計，利於兒童安排角色多元場景、與同伴一起說故事。 典藏故事小劇場採用兒童回饋，將圖卡臺座改良為可以放置多張的設計，利於孩子安排角色多元場景，也便於與同伴一起創作故事。（楊愉珍 攝影）   你想怎麼說故事？互動體驗空間的分齡設計 互動體驗空間則分為好奇洞、故事洞、創造洞、變形洞、穿越洞等五大區，採人數限量的預約制參與方式，每場次長達1.5小時，依據不同學齡兒童的學習能力與需求，設計融合館藏藝術元素的體驗，鼓勵孩子感受新奇、大膽嘗試。 針對學齡前兒童，牆上設置不同觸感的素材，刺激對藝術的感知與想像。主要教具則選擇版畫，例如以廖修平系列版畫製成積木，針對其注重形狀、色彩、不受光線構圖影響，簡單又拙樸的藝術形式，成為引領學齡前兒童進入藝術的敲門磚。   互動體驗空間的「好奇洞」，教具擷取廖修平以四季與日常器物為主題的版畫元素，包含水果、花、落葉、茶杯、茶壺等，用生活常見物件，幫助學齡前兒童具體化抽象的四季概念。（國立台灣美術館 授權）   對於4歲以上兒童，則鼓勵他們恣意發揮創造力，引導其練習運用分析、思辨力。如在「典藏故事小劇場」，使用選自館藏品的故事場景、角色圖卡及圖卡臺座，讓孩子搭設屬於自己的小劇場，令人驚喜的是，孩子竟突發奇想發明出圖卡故事接龍的新玩法。而進階版的「光影製片廠」，則需先從角色池中選拔主角，搭配場景投影片創作劇本，最後在「製片廠」錄製影片，讓孩子了解如何創作數位藝術，並化身自編自導的小導演，練習如何組織故事，及與他人互助合作完成影片。 光影製片廠中誕生角色的地方，小朋友可從角色池挑選或運用材料創造出獨一無二的人物。（楊愉珍 攝影） 片廠拍攝桌，孩子導演劇情發展，大人擔任演員或幫忙轉換場景，完成後可投射在外牆與其他人分享成品。（楊愉珍 攝影）   123，一起來創意思辨！ 兒藝基地策展人王惇蕙提到，批判性思辨（critical thinking）是臺灣教育比較少的一塊，故希望透過較簡單的方式，讓大家練習思辨過程。來到馬白水《太魯閣（紫調）》前，兒童可以觀察為何畫中山水與現實世界不同？思考畫家想要表達什麼？換成自己會如何創作？再試著用色彩繽紛的磁鐵，貼出心中的一片風景。   馬白水的《太魯閣（紫調）》，讓孩子接觸不同角度呈現的世界，激盪出更多元的創作火花。（國立台灣美術館 授權）   此外，基地也由人與自然、人與環境的關係出發，讓兒童能對未來世界盡情想像和探索。「濁水溪靜悄悄」區將林惺嶽《濁水溪》中的色彩元素，特製成屏風、石頭座椅等教具，鼓勵大小朋友共同搭建說故事的秘密基地，並藉著親子共讀溪流、山林等主題繪本，一起到變幻無窮的大自然探險。 人與環境的關係，則體現在「沒有規劃的都市」中，從欣賞不同城市風貌的畫作，引導兒童聯想與自己居住的房屋街景有何不同？並鼓勵同伴合作，運用各式齒輪、長臂造型的大型積木，大膽想像、天馬行空蓋出自己喜歡的城市面貌。 小朋友通力合作用彩色屏風搭建自己的專屬堡壘，也是與同伴、家人說故事或分享小祕密的基地。（國立台灣美術館 授權） 「沒有規劃的都市」使用比前面單元更巨大、複雜設計的教具，需要大小朋友更多的思考、分析、互助合作才能完成。（楊愉珍 攝影）  

作者：高于鈞(國立歷史博物館教育推廣組研究助理) *本文圖片由筆者線上截圖自Google Arts and Culture 什麼人能夠策展呢？Google Arts and Culture連續兩年透過街頭畫廊（Street Galleries），讓我們知道策展這件事，不僅僅是博物館內專業人員的專利，來自不同背景的人，也可以跟全世界觀眾分享他們對藝術品的想法與詮釋。 每年7月9日，是韓國K-Pop天團—BTS防彈少年團粉絲團「ARMY」慶祝成軍的紀念日。今（2022）年，防彈少年團（以下簡稱BTS）攜手Google為ARMY推出了一系列活動，包含在Google首頁的紫色汽球、以及與Google Arts and Culture實驗室共同推出的「BTS 防彈少年團X街頭畫廊」。這兩大「品牌」聯名的實驗，其實是一份送給粉絲們的9週年生日禮物。 作為粉絲的生日禮物，這項實驗無疑希望讓粉絲透過藝術與文化，更加瞭解偶像。BTS和Google Arts and Culture在實驗中運用了3項要素，包括：城市街景、藝術品，以及由BTS提供的照片和原創藝術品。使用者只要點擊進入，便能隨著BTS成員RM(金南俊)、Jin(金碩珍)、SUGA(閔玧其)、j-hope(鄭號錫)、V(金泰亨)、Jimin(朴智旻)和Jung Kook(田柾國)，穿越首爾到倫敦等7個著名景點，觀賞貼滿他們親自挑選的藝術品街頭畫廊。 BTS成員與他們策劃街頭畫廊的城市選單。（截圖自Google Arts and Culture）   偶像作為策展人，有跡可循？ 相較前一年(2021)Google Arts and Culture與聯合國共同推出的街頭畫廊，今年的畫廊更加強調策展人及其策劃的展覽。怎麼說呢？雖然去年也有邀請「知名人士」——如聯合國前秘書長潘基文和秘書長青年特使Jayathma Wickramanayake策展，但從介面設計到文字說明，都明顯僅將這些「知名人士」的策展作為激發使用者靈感的參考。示範畫廊更幾乎沒有策展論述及選件說明，使用者只能透過標題和策展人介紹，去感受這些作品欲傳達的想像，而介面上的所有文字也大多為鼓勵使用者創作，而非認識這些「示範」作品的倡議或提問。 當觀眾啟動街頭畫廊實驗，直接映入眼簾的是引導觀眾的策展步驟。（截圖自Google Arts and Culture） 「choose a location」置於「Inspire me」之上，介面引導並暗示了使用者優先順序。（截圖自Google Arts and Culture）   與上述計畫大相徑庭，「BTS 防彈少年團X街頭畫廊」不僅讓每位BTS成員有個人策展論述，也提供他們放置在街景中每件作品的說明，這些說明不見得與藝術史或物件式的「博物館說明」相同，成員們的策展與選件，均表現出與平台以往截然不同的藝術品味與關心取向。 例如，一直都是藝術重度使用者、被稱為「韓國最具影響力的年輕藝術收藏家之一」，還曾經在2021捲起美國國家藝廊(National Gallery of Art)社群媒體狂潮的RM(金南俊)，不僅從構圖、技法、流派和歷史意義等專業藝術史角度說明作品，更結合他個人的主觀感受，分享讓他充滿悸動、或是引起共鳴的藝術品。 而同樣選擇在首爾街頭策展的成員Jung Kook(田柾國)，則專注展現與其BTS團隊經驗有關、並產生連結的藝術品，如：讓他想起賣力練習時光的鼓，或作為繆思女神的隊友和粉絲。他也透過挑選的藝術品，說明對團員和粉絲的感情。這些作品的說明，或許和藝術品與創作脈絡毫無關係，但在具影響力的「非專業策展人」重新詮釋之下，藝術品產生了另一條能與特定觀眾強力連結的論述。 BTS團員Jung Kook(田柾國)在首爾Chunggu大樓的街頭畫廊。（截圖自Google Arts and Culture） Jung Kook(田柾國)運用大都會博物館的文物，說出他對成員的感謝與合作情感。（截圖自Google Arts and Culture）   一如先前的街頭畫廊計畫，今年的版本一樣鼓勵觀眾參與創作，觀眾可從9座城市、14個景點中任選一個景點，並運用BTS提供的相片與原創藝術品，或BTS自Google Arts & Cultures中挑選出來的藝術品，策劃「個人街頭畫廊」。雖然截至目前，筆者運用#HappyBirthdayARMY或#MyBTStory等Google Arts & Culture官方帳號使用的標籤在各大社群網站上搜尋，並沒有看到太多粉絲分享他們參與創作的藝廊。然而光是Google Arts & Cultures官方Twitter帳號宣傳此項計畫的貼文，就高達2.7萬則轉推，1,195則引用，和5.1萬個Like，遠高於Google Arts & Cultures官方帳號的其他推文，顯見偶像與粉絲的社群帶動能力。 Google Arts & Culture關於本合作計畫的官方Twitter社群貼文。（截圖自Google Arts and Culture Twitter）   1+1〉2！新詮釋者與連結的誕生 Google Arts and Culture以「在線上保護和傳播世界的藝術和文化，以便任何人在任何地方都可以取用」作為使命。而與來自不同藝術領域的夥伴合作，明顯是能提升平台知名度與觸及率的做法，尤其當合作夥伴是擁有龐大而堅固組織的偶像——如BTS。 使用者可以自由選用BTS提供的相片與原創藝術品，或BTS自Google Arts & Cultures中挑選出來的藝術品來策劃街頭畫廊。（截圖自Google Arts and Culture）   另一方面，BTS也不僅僅只是偶像，他們持續關注當代議題，是具有強大創作能力與舞台魅力的藝術家。正如我們關注歷史上所有大藝術家的藏品與品味，透過與Google Arts and Culture合作，大眾得以對這群藝術家「如何養成」更加熟悉。顯然，透過與傳統意義上的「文化、藝術」建立聯繫，偶像作為藝術家的魅力與意義更加放大，重新形塑成一種邊界模糊卻形象多重的「偶像藝術家」。更重要的是，博物館收藏品為當代的偶像藝術家和粉絲創造了全新連結，更將自己從經典的藝術史凝視中，一點點釋放了出來。

作者：高郁媗（國立臺北藝術大學博物館研究所碩士） 為事件發聲，讓歷史說話！ 第26屆國際博物館大會（2022 ICOM）的主題「The Power of Museums」是21世紀博物館員最重要的課題之一，在我們所處的公民社會中，民主、多元共融、永續等思潮備受重視，而戰爭、極權、殖民遺緒所致的動盪大環境，讓文化機構身負推動社會正義的使命感。 面對當代議題，以歷史與人權為主題的博物館更是首當其衝，如何回應快速變遷的社會議題，給予當地民眾之所需，在ICOM布拉格大會專題講座「Purpose: Museums and Civil Society」，曾任哥倫比亞國家博物館考古學和民族誌館長的講者Margarita Reyes Suárezu提供了博物館發揮關鍵角色的新途徑，指出讓歷史事件在當代社會中脫穎而出，能帶來反思與進展。 Margarita Reyes Suárezu在公民參與活動中以「為無名之物命名，讓無形者可見（Para nombrar lo innombrable Y hacer visible lo invisible）」為願景，希望透過田野調查、口述史料採集、文化研究等，把博物館還給其所在的社群，使博物館成為被聽見、也能夠傾聽的對話平台。（圖片來源：ICOM General Conference臉書） 主持人Michael Žantovský[註1]以「bring history alive and speak to the public」總結講者Margarita Reyes Suárezu的發表，並以此為核心開啟座談。（圖片來源：ICOM General Conference臉書）   新的力量：當博物館走進公民社會 Margarita Reyes Suárezu作為哥倫比亞人類學和歷史研究所(ICANH)研究員，多年與哥倫比亞當地居民（包含漁民、難民、原住民、嘻哈者等）合作，以真相為訴求，藉由和公民共同參與文化田野調查、展覽製作、還原歷史工作坊等，致力恢復當地社群真實存在的文化樣貌與動態，讓博物館不再只為了服務外國觀光客，而將哥倫比亞豐富的文化凍結在物件所存之年代。透過公民參與活動，更能讓哥倫比亞不同社群中的公民，在博物館中認識、訴說自己珍貴的文化。 帶著相同的理想，在國際公共犯罪受害者紀念博物館委員會（International Committee of Memorial Museums in Remembrance of the Victims of Public Crimes, ICMEMO）舉辦之off-site會議中，也以「Taking a Stand: Memorial Museums Fight Hate」為主題共襄盛舉。來自世界各地的博物館專業人士，重新定位紀念館與公民社會的關係，圍繞著大屠殺與戰爭教育、公民參與活動為命題，為博物館使命增添當代關懷。   一同fight hate！博物館公民參與如何推動平權和正義？ ICMEMO會議中，來自南美洲的智利猶太人互動博物館（the Museo Interactivo Judío de Chile）、巴西記憶場所研究人員網路（REBRAPESC, Rede Brasileira de Pesquisadores de Sítios de Memória e Consciência），在發表中皆認為回顧大屠殺歷史，可以回應當代政府治理下所產生的仇恨犯罪，在博物館中展開辯論，成為宣揚正義的機構。 而東歐國家的博物館，如愛沙尼亞航海博物館（Estonian Maritime Museum）、拉脫維亞的亞尼斯・利普紀念館（Žanis Lipke Memorial）身處烏俄戰爭前線，前者分享了面對戰爭應對之風險管理計畫，後者則設立勇氣之家作為戰爭教育的基地，使當地民眾對戰爭的殘酷樣貌有足夠的認識。 拉脫維亞的亞尼斯・利普（Žanis Lipke）紀念館獲歐洲年度博物館獎（EMYA）所頒之Kenneth Hudson獎項，該獎旨在表揚博物館能夠展出困難、具爭議性的內容，挑戰大眾對於博物館於社會中功能的認知。（高郁媗 攝影）   臺灣的國家人權博物館也藉由推動白色恐怖歷史教育，並在移動人權計畫中，與15個非政府組織合作策展，舉辦和當代移工、移民議題相關的倡議性展覽，「AYO! AYO! 明天應該會更好－移動人權特展」，以倡導反歧視、追求公平等價值。 本次會議中更有非政府組織參與，如Gariwo全球正義花園（Gardens of the Righteous Worldwide）藉由建立正義花園，以樹木保存善良、正向的記憶，成為強而有力的教育途徑，防止種族滅絕與不義作為再次發生。 發源於米蘭的Gariwo邀請民眾、學生、政治人物，為全球的正義之士種植樹木，紀錄他們的義舉，展現公民社會中為求正義之活力，也使公園成為市民記憶、聚會和對話的地方。（Credit: Gariwo Virtual Garden）   Take action！博物館正展開行動 當代的博物館正盡全力地與不斷變動地社會產生連結，文化機構發現一味的保持中立，將成為推動社會變革的絆腳石，而積極地展現立場、採取行動，才能夠促進公民社會的公平發展。 Barbara Kirshenblatt-Gimblett[註2]在Keynote座談會與ICMEMO off-site會議中，不斷重申當代博物館作為民眾信任的場所，應成為觀眾與爭議間的橋樑，呈現當代議題的真實面貌。（高郁媗 攝影） 註釋1：Michael Žantovský為瓦茨拉夫哈維爾圖書館執行長，曾任捷克駐英國、以色列、美國外交大使。 註釋2：Barbara Kirshenblatt-Gimblett為華沙POLIN波蘭猶太人歷史博物館的Ronald S. Lauder 首席策展人，也是紐約大學行為研究名譽教授。  

作者：温家瑋（國立臺灣藝術大學藝術管理與文化政策研究所博士 / EchoX共同創辦人暨策展總監） 伴隨當代科技發展，博物館建築結合數位應用，成就無數跨時代的虛實交流經驗。國際博物館建築暨技術委員會（ICOM International Committee for Architecture and Museum Techniques, ICAMT）於2022年ICOM布拉格大會，便以「博物館技術和風險管理」、「可持續性」、「展覽設計與數位介入博物館建築」和「在COVID-19期間完成建造博物館案例」為主題，徵集各國專家經驗分享、交流討論。本文將聚焦於其子題三「展覽設計與數位介入博物館建築」發表場次的三個案例，瞭解ICAMT近年關注的科技議題，以及博物館建築空間與展覽共融的國內外趨勢。   多媒體長廊，述說布拉格的過去與未來 新舊館舍之間，如何讓觀眾的體感「無縫接軌」？捷克國家博物館（Národní Muzeum）數位化暨資訊系統主任Souček Martin博士分享館舍案例，建於1818年，捷克國家博物館由捷克新文藝復興知名建築師Josef Schulz（1840-1917）設計，位在布拉格瓦茨拉夫廣場（Václavské náměstí）頂端。2006年，捷克政府決定將位於國家博物館和國家歌劇院之間的聯邦議會分配給國家博物館，用於舉辦短期展覽，同時將其取名為「國家博物館新館」。 捷克國家博物館歷史常設展區，主要描述這片土地從8世紀到第一次世界大戰的歷史。館方以動態投影結合實體可翻閱的書籍物件設計，讓觀眾以「閱讀」的方式，增加對於捷克歷史的共鳴與記憶。（温家瑋 攝影）   由於新館及原館建築風格不同，為將兩座建築形象整合為一，館方在兩座建築間建造地下廊道，安置具時代意義的多媒體作品《走進歷史的殿堂》（Walk through the hall of history），於2019年11月正式開放。《走進歷史的殿堂》透過在長廊牆面上設置18台投影機，結合32聲道音響系統，以及配合投影內容、同步調整燈節奏的LED燈條，構建出沉浸式的體驗空間，藉此引導往返兩座建物間的觀眾沁浸其中，認識並感受布拉格這片土地從古至今的歷史。   週末去趟古希臘？混合實境保留堡壘原味 另一方面，來自希臘、關注互動設計的建築工程師Elli Karyati，分享位於希臘西北方約阿尼納（Ιωάννινα）銀器製造博物館（Silversmithing Museum）的案例。該館隸屬於比雷埃夫斯銀行集團文化基金會（Piraeus Bank Group Cultural Foundation），館舍由堡壘改建，為妥善維護堡壘傳統建築，館內特別以懸掛式展櫃呈現藏品，並利用MR技術，結合希臘北部旅遊路線研究項目數據，讓觀眾藉由配戴微軟HoloLens裝置，在MR環境中觀賞與展品有關的文化景點，傳遞古代希臘聯邦式國家伊庇魯斯同盟（Epirote）的銀器製造知識。Karyati指出，透過實地觀察，選擇使用HoloLens體驗的觀眾，對展品的印象較為深刻，並樂於將自身的參與經驗分享給他人。 銀器製造博物館（Silversmithing Museum）由堡壘改建，保留傳統的建築外觀。（By MartinVMtl - Own work, CC BY-SA 4.0 ）   為妥善維護堡壘傳統建築，銀器製造博物館特別以懸掛式展櫃呈現藏品，並讓觀眾藉由配戴微軟HoloLens裝置，在MR環境中觀賞與展品有關的文化景點。（Credit: Silversmithing Museum）   AR APP = Z世代同儕催化劑！ 國內案例部分，則由筆者分享國立臺灣博物館古生物館2020年推出的「臺博掌上博物館」AR室內定位導覽app，藉由AR可「疊加虛擬物件於真實空間的特性」，將2D影片、3D動畫互動、360環景復原及趣味AR遊戲，在不更動常設展實體展示設計的狀態，經由app讓觀眾以更多元、具備彈性且好玩的方式看展。 國立臺灣博物館古生物館「生命的史詩與演化共舞」常設展以擴增時境技術為工具，於2020年推出「臺博掌上博物館」AR室內定位導覽app。（温家瑋 攝影）   根據筆者回收70份屬於Z世代大學生族群的有效問卷研究分析發現，該族群對於使用AR導覽app看展多數持正面態度，相較於AR顯示虛擬物件內容的擬真度，其更在意app使用當下的流暢度和即時回饋功能的靈敏度，該體驗會直接地影響大學生族群在觀展時和同儕之間的交流經驗和存在感。 觀眾可藉由「臺博掌上博物館」AR室內定位導覽app內的互動遊戲，瞭解更多關於古生物的知識，增添看展過程的趣味性。（温家瑋實地操作體驗截圖後整理） 大學生透過平板電腦觀賞「擴增」內容並與其互動。（温家瑋 攝影）   2006年諾貝爾文學獎得主Orhan Pamuk（1952-）曾提及：「真實的博物館，即是時間被轉化為空間的場所。」[註1]博物館的存在，與建築空間和展覽呈現千絲萬縷、密不可分的關聯。藉由數位科技，相信博物館能以更多元的面貌傳遞館所宗旨，觀眾則可透過科技展示設計，從嶄新的視角認識典藏。 註釋1：Pamuk, O. (2022, October 5). Orhan Pamuk. Facebook page. https://reurl.cc/eONOEL  

作者：陳又真（國立臺北藝術大學博物館研究所碩士） 對人們而言，什麼是完美的時刻？現代社群媒體發達，如Instagram、抖音等影像為主的平台更是蔚為風潮，網美們盡力想要拍出一張張最好看的照片，以持續獲取粉絲的眼光。然而在光鮮亮麗的照片與生動短片下，這些「完美時刻」是否真正反映出人們的生活實況？ 曾被荷蘭國家博物館館長Taco Dibbits讚譽為「20世紀最後25年最重要的攝影師之一」的攝影藝術家埃爾溫·奧拉夫（Erwin Olaf），他反而以裝置、古典繪畫構圖、現代攝影手法等多元創作方式，嘗試捕捉人性中的脆弱與生活中的不完美，以此追求「完美的時刻」。 奧拉夫《愚人節》系列〈早上9點45分〉（April Fool，2020），呈現疫情之下人們的迷惑情緒。（國立臺灣美術館提供）   現正展於國立台灣美術館（下簡稱國美館）的「埃爾溫·奧拉夫：完美時刻—未竟世界」特展，由韓國水原市立美術館策展人朴賢珍策劃，分成四個部分：特別展區「引經據典：12位大師與埃爾溫‧奧拉夫」、第一分區「情境時刻：敘事性演出」、第二分區「城市空間：奇幻意境」、第三分區「經典圖像：超越當代」。在特別展區中，呈現出奧拉夫如何受到荷蘭國家博物館作品的啟發，這些作品有許多來自16—17世紀左右的荷蘭黃金時代（Dutch Golden Age），當時荷蘭的藝術市場發展蓬勃，出現大量描述民間生活百態和異國風情的畫作與肖像畫。因此從奧拉夫的作品中，常常可以見到古典繪畫構圖的特色與影響。 而在第一展區的裝置作品《鑰匙孔》(The Keyhole)，觀眾於查看作品內部的同時，也正在被作品中的角色凝視著。正如我們使用IG這類社群媒體的時候，不也像透過小小的鑰匙孔，來窺探他人的「完美時刻」嗎？只是這些「完美時刻」有哪些是被編輯美化過、又有哪些是真實的樣貌呢？  裝置作品《鑰匙孔》(The Keyhole，2012)。（上圖：國立臺灣美術館提供，攝影：ANPIS FOTO 王世邦；下圖：陳又真 攝影）   在動態肖像的裝置作品上，奧拉夫拍了兩組五頻錄像，分別是《上海動態肖像：觸摸我、愛我、看著我、聆聽我、塑造我》與《棕櫚泉動態肖像：聆聽我、感覺我、記住我、教導我、抱著我》。在特展中，這些作品同時放在一個小型通道裡，通道兩邊的牆上各掛上5個錄像作品，收錄了10位女性的短片影像，這10位女性年齡涵蓋青少女到年長女性。影片中的每位主角都會在某個時間點，轉過來看著觀眾說出一句話，這些簡潔有力的短句包括：「看著我」、「觸摸我」、「記住我」...等，雖然只有短短幾秒鐘，卻似乎完美地捕捉並道出了許多人們的真實心聲。  面對面放置的《上海動態肖像：觸摸我、愛我、看著我、聆聽我、塑造我》與《棕櫚泉動態肖像：聆聽我、感覺我、記住我、教導我、抱著我》裝置作品。動態肖像會固定對觀眾訴說簡潔有力的短句。（國立臺灣美術館提供，攝影：ANPIS FOTO 王世邦）   而全場唯一的動態雕塑作品《旋轉木馬》，中間是一位蒙眼跪坐的人，他身邊有六位無頭的身體繞著他緩緩迴轉，帶著某種陰鬱而詭異的氛圍。這件作品可說完美反映了許多人的生命困境——不知道自己是誰，看不清楚真相，只能跌跌撞撞前進，而身邊的人看似衣冠楚楚，卻也是盲目或迷失的狀態。 《旋轉木馬》動態雕塑。（國立臺灣美術館提供，攝影：ANPIS FOTO 王世邦）   本展有系統的呈現奧拉夫40年來創作的作品，使觀眾思考什麼是「完美時刻」？每個人的定義都不會一樣，而奧拉夫以對不完美的關懷找尋他個人的定義。他本身有肺部健康的困擾，但正如「完美時刻，未竟世界」的展覽名稱，這位荷蘭藝術家的追尋尚未結束。 現今世界局勢變化多端，包含美中貿易戰、新冠病毒疫情、俄烏戰爭、社群媒體泛濫等各種牽一髮而動「全體人類」的現象，本次特展正好不斷地提醒觀眾：即使在21世紀後的現代，仍然是個持續演變中的、不完美的未竟世界，我們仍要持續追尋屬於自己的「完美時刻」。