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博物之島 MUSEUMS

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新訊

博物館虛擬導覽是否符合觀眾的真實需求?
博物館虛擬導覽是否符合觀眾的真實需求?
作者:謝文馨(國立自然科學博物館科學教育組) 疫情期間,不少博物館紛紛推出線上虛擬導覽,讓觀眾在家也能安全舒適地逛博物館。不過,這些虛擬導覽真的符合觀眾的需求嗎? 不論是博物館的虛擬導覽或實體參觀,最終目標都是為了滿足觀眾的需求。因此,與觀眾行為及動機相關的問題,如認知差異、學習的近用程度、通用設計原則等,皆是決定該導覽是否達到成效的關鍵。本文摘錄自Maria Chiara Ciaccheri的文章〈博物館虛擬導覽是否符合觀眾的真實需求?一份觀眾研究的評論與提示〉分享博物館建置虛擬導覽應考量的幾個面向。 新冠病毒疫情使全球博物館遭受劇烈影響(Image by Sumanley xulx from Pixabay)   一、確立目標 你希望觀眾學到藏品的重要知識嗎?你希望觀眾從中獲得樂趣嗎?你希望吸引新的觀眾嗎?設立明確的目標,並向觀眾說明,讓觀眾在期望與實際體驗之間得到平衡。 二、維持觀眾的參與度 缺乏互動與回饋的虛擬導覽,往往令人感到迷失方向。為了提升觀眾的參與,虛擬導覽的設計應該多加運用互動策略、給予不同的感官刺激,例如穿插音效、互動問答等。此外,也應針對不同觀眾的學習風格,提供多樣化的學習內容及方式。 三、創造「技能導向」的學習 虛擬博物館除了提供藏品本身的資訊,還可以更進一步分享觀賞藏品的技巧,讓觀眾日後實際造訪博物館時能學以致用。例如在Google Art上,荷蘭國家博物館(Rijksmuseum)線上展出維梅爾作品〈倒牛奶的女僕〉(The Milkmaid),提供觀眾多視角且近距離觀賞畫作的導覽服務。此外,將藏品與當代議題或流行文化連結,亦有助提升博物館虛擬導覽的實用價值。 四、呼應觀眾的需求 發展虛擬導覽時,除了確保觀眾的基本需求被滿足,還應考量不同層次的需求。套用馬斯洛需求層次理論,觀眾的需求如同金字塔,必須先滿足最底層的需求,再照顧更高層次的需求。博物館虛擬導覽的需求金字塔由下而上依序是:功能性(能發揮功能)、可靠性(能發揮良好的功能)、應用性(能輕易使用)、精通程度(能使觀眾在某件事情上進步)、創造性(能使觀眾展望新事物)。 五、幫助觀眾理解全貌 我們常只注意到部分內容而忽略理解全貌的重要性。有些虛擬導覽從預設的起始點開始,卻沒有提供整個導覽的架構或核心主軸,這就好像讀一本沒有目錄的書,令人感到迷惘。因此,一開始就提供虛擬博物館的地圖或虛擬導覽的簡介,讓觀眾看到全貌,將有助理解各單元內容。   虛擬博物館讓人們得以輕易接近博物館藏品,疫情期間閉關在家也能獲得學習、休閒、放鬆心情的機會。即使未來疫情結束,這些虛擬內容也能做為偏鄉教育的資源,是促進文化平權的一大助力。每個博物館的虛擬導覽各有訴求,也擁有不同的觀眾群,沒有絕對正確的作法,關鍵在以人為本的核心價值、從觀眾的需求出發。雖然線上觀眾看似是虛擬的存在,但他們都是真實的個體,別忘了,人的基本需求始終不變。 博物館虛擬導覽讓人們可以隨時隨地「逛博物館」(Image by Julia M Cameron from Pexels)
2021/01/22
義大利博物館因疫情關閉,國家委員會超暖心打氣
義大利博物館因疫情關閉,國家委員會超暖心打氣
作者:葉庭君(義大利 Istituto Marangoni 策展管理碩士生) 2020年10月下旬,義大利面臨第二波新冠肺炎疫情,全國各地才剛重新開放幾個月的博物館、美術館、劇院、古蹟等文化機構,配合政府頒布的總理令(DPCM),再度關起大門。 許多博物館專業人士與工作者對此感到沮喪,他們曾努力以安全為前提,逐步恢復館舍運作與展覽,更有許多單位積極地應用數位科技,嘗試在疫情期間繼續從事教育、文化生產,與當地社群維持基本的互動交流。舉例來說,位於佛羅倫斯(Florence)的著名景點聖母百花大教堂(Cattedrale di Santa Maria del Fiore)為確保參觀者的安全,採用一套新的社交距離感測儀器(EGOpro Social Distancing),於入口處免費發放給參觀者穿戴在頸部。館方表示這是世界上首次在博物館脈絡下使用這樣的儀器,它能確保觀眾在參觀時最大的安全與舒適。參觀過程中,若與他人相距兩公尺以內,將會感受到感測器的震動與聲響,以科學的方法提醒觀眾保持社交安全距離,並於每次使用完畢後妥善消毒,提供下一位觀眾使用。 疫情期間,義大利著名景點佛羅倫斯聖母百花大教堂關閉,廣場上人煙稀少。(葉庭君 攝影)   面對眼前的挑戰,國際博物館協會-義大利國家委員會(ICOM Italia)肩負其任務及使命,透過官方網站與社群軟體向當地博物館與文化機構發聲:「博物館關閉,不是停止!」,說明博物館雖然必須暫時關閉,但不會停止發展,文化亦不會止步,並積極鼓勵博物館及相關文化機構提供關閉期間的動態及活動訊息,主動搭起與大眾的橋樑,建立一個蒐藏與分享博物館服務內容的平台。 義大利國家委員會理事長 Adele Maresca Compagna 更於公開信中呼籲:「請不要停止相信博物館的力量」,無論所處的環境與情況為何,ICOM 將陪伴與支持在地博物館專業社群發展,並建議於疫情期間,不應只是努力創造數位產出,更要專注於博物館內經常被忽視卻同樣重要的研究、檔案管理與維護功能,重新思考回歸「常態」須採取的行動與相應有效的組織結構。作為世界博物館社群的一份子,保持樂觀的態度與責任心,嘗試新的溝通取徑,使大眾認識博物館在社會中發揮的作用與重要性,促進當代社會問題的資訊交流與討論,增進大眾對文化的包容與接觸。
2021/01/18
來自多重境域的舞動:當代舞蹈家麥克•克拉克倫敦回顧展
來自多重境域的舞動:當代舞蹈家麥克•克拉克倫敦回顧展
  特約記者:戴映萱(倫敦大學金匠學院藝術策展碩士、藝文工作者) 本文圖片由倫敦巴比肯藝術中心媒體部門授權使用 倫敦巴比肯藝術中心(Barbican Centre)於2020年10月初推出蘇格蘭舞蹈家麥克•克拉克(Michael Clark)的大型回顧展「麥克•克拉克:宇宙舞者」(Michael Clark: Cosmic Dancer),此展標誌克拉克與該中心合作的第15年,回顧了他的創作生涯,呈現他如何挑戰了傳統舞蹈的界限,將之置於跨領域的範疇,舞蹈、生活和藝術因而交會。 1962年出生於蘇格蘭,克拉克四歲時就開始舞蹈訓練。1975年,他進入倫敦皇家芭蕾舞學校,並於1979年加入芭蕾舞團「Rambert」。克拉克曾與摩斯.康寧漢(Merce Cunningham)和約翰.凱吉(John Cage)一同參加暑期學校,深受兩人的前衛理念啟發。1982年,克拉克創作了他的第一部獨立作品,並在隔年成立舞蹈工作室「Michael Clark&Company」,當時的他年僅22歲。 屏幕播放麥克•克拉克的專訪影片。(© Tim Whitby/Getty Images)   這項展覽以非線性的展示動線作為佈局,整個一樓展區不受展牆的侷限,從天花板吊掛的多頻道螢幕播放著克拉克歷年來的舞蹈演出,每個螢幕不侷限於一件作品,而是輪流在不同屏幕上播放。這樣將展場與觀看動線開放,為的是賦予觀眾想像的空間,同時將之與克拉克本身的創作理念連結,呈現出流動如舞蹈的展示。其中,此展區展出具里程碑意義的作品《I am Curious, Orange》(1988),該作品質疑了宗派主義和保守主義,不僅代表了1980年代,更呈現了英國的社會與政治史。 麥克・克拉克與墮落樂團(The Fall)在沙德勒之井劇場合作演出《I am Curious, Orange》(© Richard Haughton) 從天花板吊掛的多頻道螢幕播放著克拉克歷年來的舞蹈演出,圖中屏幕播放的是作品《A Prune Twin》。(© Tim Whitby/Getty Images)   克拉克不僅為當代舞蹈的先驅,更是一個文化現象:在那個極度保守的柴契爾時代,克拉克挑戰了性別認同以及傳統價值觀,他將芭蕾舞納入當代舞蹈,同時注入龐克文化的元素,菁英文化與大眾文化因而交融。三十多年來,克拉克持續開拓舞蹈和視覺藝術的邊界,發展出一個跨領域的美學語言。克拉克特別欣賞挑戰性別界線和性領域的藝術家,時常與不同領域的創作者合作。 為了呈現這些精彩的對話,二樓展區便以跨領域合作為題,展出其他領域創作者與克拉克合作的實例,展品包括傳奇表演藝術家、時裝設計師雷夫•波维瑞(Leigh Bowery)為克拉克製作的多套舞蹈服,以及知名藝術家莎拉•盧卡斯(Sarah Lucas)替克拉克製作的佈景設計,從盧卡斯擔任服裝暨佈景指導的克拉克舞劇《Before and After: the Fall》(2001)中,可見兩人擁有對性、肢體和手勢語言的共同興趣,並藉由創作來探索這些主題的可能性。 二樓展區以跨領域合作為題,圖為雷夫•波维瑞為克拉克設計的舞蹈服裝展廳。(© Tim Whitby/Getty Images) 莎拉•盧卡斯與克拉克合作的舞作《Before and After: the Fall》演出紀錄,此攝影作品為展出作品之一。(Photo: Andrea Stappert, © Sarah Lucas, courtesy Michael Clark Company and Sadie Coles HQ, London)   「我試著編出並非關於舞蹈的舞蹈,它們並非專屬舞者的藝術。」克拉克曾如此描述自己的創作。巴比肯藝術中心的這場展覽成功地體現克拉克的精神:奔放、多元、具生命力與舞動性。在封關中度過數月的觀眾,則嘗著難得能觀舞的滋味,在「非白立方」的空間下恣意地「舞動」。
2021/01/15
疫情對全球博物館產生哪些衝擊?ICOM調查報告揭露危機與轉機
疫情對全球博物館產生哪些衝擊?ICOM調查報告揭露危機與轉機
作者:藍敏菁(國立臺灣藝術大學藝術管理與文化政策研究所博士生) 2020年,新冠肺炎影響全球文化機構,嚴重威脅博物館財務、館員與約聘僱的生計,即使博物館陸續重新開放,依舊存在許多限制,博物館正面臨大規模傳染病所帶來的衝擊。 為了解疫情對博物館產生哪些衝擊,國際博物館協會(簡稱ICOM)於2020年對全球博物館人進行兩次線上問卷調查。調查目的在於了解博物館面臨的難題與復原能力。第一次調查從4月7日到5月7日,第二次調查從9月8日到10月18日。調查項目包含:博物館、館員與自由工作者(台灣慣稱約聘僱)現況、預期經濟衝擊、數位活動與溝通、博物館安全與保存議題;第二次調查進一步探討博物館的財務困境與數位活動。 ICOM的兩次調查結果都指向博物館閉館潮、博物館人失業危機與數位轉型此三大難題,以下摘要兩次報告重點: 博物館閉館潮蔓延全球 5月份的調查結果顯示:受疫情影響最深的亞洲、非洲和阿拉伯國家,博物館關閉的比例高於其他地區。11月份報告更將拉丁美洲和加勒比海地區列入重災區。 博物館人面臨失業危機 5月份報告指出,全職博物館員仍保有工作,然而14%受訪者表示機構內有人被臨時解僱,6%被解雇或沒有續約。11月份報告更指出至少有四分之一的博物館館員被解雇或強制休假。自由工作者情況更加岌岌可危,5月有16.1%受訪者被臨時解僱,22.6%沒有續約;11月情況稍緩,但也有10.7%受訪者已被暫時解僱,16%未續約。 數位轉型帶給博物館一線生機 防疫的隔離措施讓博物館增加使用數位傳播,如果把社群媒體、線上展覽及教育活動一併計算,大約增加50%博物館使用數位設施。 過去博物館以典藏真品、強調現場體驗等特質,作為區別自身與其他文化機構的優勢,然而面對這次疫情,反而使得博物館原本的優勢轉為劣勢。11月份調查結果顯示,有高達7成的博物館人認為,博物館必須重新思考數位政策與整備數位環境,同時也有超過5成的受訪者認為,館員的數位素養與技能培訓相當重要(如下表)。 閉館之後,博物館會考慮採用哪些數位政策?(本表由作者翻譯與製做,資料源自ICOM 11月份報告,頁18)   台灣雖然免於疫情爆發危機,然而,博物館界同樣面臨參觀人數減少以及數位轉型等問題。如何發展因應疫情的轉型策略,重新關注博物館忽略的風險議題,是本世紀博物館營運管理最新的課題。 蓋提美術館在網路發起 #gettymuseumchallenge活動,吸引高齡社群的關注與參與。圖左是英國格拉斯哥美術館作品Lady in a Fur Wrap (CC BY-NC-ND 2.0),圖右是Joyce Cook的挑戰作品。線上活動可以引發全球關注,激發參與者靈感,並與親友同樂,在疫情期間讓人們持續享有博物館資源。(來源:Getty, IrisBlog, CC BY 4.0)
2021/01/11
博物館迎接樂齡世代—美國博物館創意樂齡助長計畫
博物館迎接樂齡世代—美國博物館創意樂齡助長計畫
  作者:王惇蕙(國立歷史博物館教育推廣組) 2016年起,美國Aroha慈善機構推動「創意樂齡助長計畫」(Seeding Vitality Arts Program),期盼達成四大目標:成為國內創意樂齡計畫的示範、鼓勵藝文機構加入樂齡參與式藝術教育計畫、鼓勵服務樂齡族群的機構發展藝術教育計畫、宣傳具有效益的計畫模式。 該計畫將博物館納入其中,推出「博物館創意樂齡助長計畫」(Seeding Vitality Arts in Museums),由Aroha慈善機構提供資金、美國博物館聯盟紀錄成果、Lifetime Arts支援訓練,支援20個博物館以樂齡族群為目標觀眾,規劃並執行優質的藝術教育計畫。以下分享兩個2018年獲得補助的案例:   L-A博物館:連結不同世代與文化 位於路易斯頓奧本的L-A博物館(Museum L-A),前身為紡織廠,是居民多元學習、經濟發展、觀光旅遊的場域,同時也是社區內外部合作的促進者。當地過去以工業為主,大量人口移入就業,也造就了多元文化的聚集。 在「創意樂齡助長計畫」中,L-A博物館與當地藝術家合作,從藏品、展覽尋找計畫靈感,以詩文、紙藝、舞蹈鼓勵樂齡族群參與、創作與分享作品。此舉充分實踐該館使命:連結不同世代與文化,讓人們更加了解歷史、藝術與在地文化。 L-A博物館,用紙藝鼓勵樂齡參與者創作與分享。(Photo credit: Museum L-A)   那不勒斯植物園:藉由寫生建立自信 地處佛羅里達的那不勒斯,是退休族喜愛的居所之一,享受退休生活的同時,樂齡族群也樂於擔任那不勒斯植物園(Naples Botanical Garden)志工。 在「創意樂齡助長計畫」的支援下,那不勒斯植物園推出為期8週的活動「我的自然日誌:從藝術看植物」(Nature Journaling: Botany Through Art)。看似平常的寫生技巧教學,其實更加著重參與者練習嶄新技法、熟練既有技法與解決問題的過程,鼓勵樂齡族群用視覺藝術、文字等多元方式表達想法、建立自信。 那不勒斯植物園,鼓勵樂齡族群用視覺藝術、文字等多元方式表達想法、建立自信。(Photo credit: Naples Botanical Garden)   台灣也有愈來愈多團隊投入樂齡藝術教育計畫,例如:國家兩廳院2015年啟動的樂齡計畫,讓樂齡族群透過工作坊認識表演藝術,甚至登台演出,讓樂齡族群掌握自己的身體,也獲得滿滿的成就感。國立臺灣歷史博物館的高齡專案常設展說唱活動,參與者為55歲以上的長者、失智症者與照顧者,參觀展覽的同時也引導長者述說自己的故事。新北市政府舉辦的週二樂齡日,讓滿60歲的民眾暢遊新北市立文化場館、特色景點,鼓勵樂齡族群多多出門走走、長保身心健康。
2021/01/04
科技博物館如何邁向永續未來?自造者文化翻轉你與博物館的關係
科技博物館如何邁向永續未來?自造者文化翻轉你與博物館的關係
作者:顏上晴(國立臺南藝術大學博物館學與古物維護研究所副教授) *本文文字經編輯修改,經作者同意刊登。   國際科技博物館與藏品委員會(International Committee for Museums and Collections of Science & Technology;簡稱CIMUSET),創立於1972年,主要聚焦於科學與技術領域,即科學博物館、技術博物館、科學中心與其藏品相關議題,並以提倡科技與科普教育,保存科技文化資產與促進其知識散佈,提供此領域之溝通、合作與資訊交流為主要目的。 第47屆CIMUSET年度會議,主題是永續發展,名稱訂為「傳統的永續未來之聲」(Voices of Traditions for a Sustainable Future)。專題演講邀請現任ICOM德國國家委員會執行長(CEO of ICOM Germany)Klaus Staubermann博士演講,題目是「由物質文化到自造者文化:科技博物館如何將過去帶來現在?」(From Material Culture to Maker Culture: How Science and Technology Museums Bring the Past to Life?)。Staubermann博士提到,傳統上,科技博物館藉由蒐藏物件和研究,發掘出物件的知識,包括內隱知識(tacit knowledge),再經由展示、演示、教育活動等方式向民眾溝通、傳達物件的知識。Staubermann博士認為,未來博物館可藉由引入自造者文化,讓博物館成為與大眾之間,甚至讓大眾可以自行分享、交流、創造的空間與載體。藉由博物館與大眾的共同蒐藏、研究與策展(co-curating),可能翻轉傳統博物館物質文化的蒐藏、研究、溝通的直線模式,轉變為博物館與大眾共同蒐藏、研究的自造者文化。 日本東京國立科學博物館展示的產業物件(顏上晴 攝影)   本屆會議五場次的論文發表中,兩場次聚焦於永續發展,分別為「永續博物館」(Sustainable Museums)與「永續遺產」(Sustainable Heritage)。另三場次則是「新博物館觀念與角色」(New Museums Concepts & Roles)、「吸引觀眾」(Engaging Audiences)與「生態學與自然科學溝通交流」(Communicating Ecology and Natural Science)。會議的參與者多為科學博物館、技術博物館與科學中心的從業人員。筆者於「永續博物館」場次發表論文「科學博物館永續發展之實踐:臺灣經驗」(Practices of Sustainable Development in Science and Technology Museums: Taiwan Experiences),介紹臺灣的博物館在永續發展的四面向(環境、經濟、社會與文化)的實踐情況,並提出博物館推動永續發展的建議。 顏上晴副教授於CIMUSET年度會議發表論文「科技博物館永續發展之實踐:臺灣經驗」(王蕓瑛 攝影)
2020/06/26
國際考古和歷史博物館在討論什麼?橫跨過去、現在、未來的對話
國際考古和歷史博物館在討論什麼?橫跨過去、現在、未來的對話
作者/攝影:吳昭潔(國立歷史博物館研究助理) 國際考古和歷史博物館及藏品委員會(International Committee for Museums and Collections of Archaeology and History;簡稱ICMAH)2019年會在京都舉行。ICMAH參與者多為世界各地在歷史博物館、考古博物館或是考古遺址工作的從業人員。由於各地的歷史與考古樣態都不同,保存處理和展覽呈現的方式也大異其趣,因此ICMAH特別重視其成員的專業經驗,並鼓勵交流與跨文化對話,以幫助成員們了解過去、塑造現在和規劃未來。2019年度的議題為「重新思考博物館及當代考古學」,藉由選擇和當代相關的議題,激發彼此的討論、啟發及批判性的思考。 2019年會以三篇精彩發表揭開序幕,首先由Dominique Garcia發表「預防考古」(preventive archaeology)介紹法國考古預防研究中心(Institut National de Recherches Archéologiques Préventives;簡稱INRAP)如何藉由空間計畫和研究,搶先在發展工程影響到考古遺址之前,進行科學研究、與大眾分享研究成果。整篇發表概述了法國的考古現況,提出博物館與預防考古參與者之間關係加強的重要性。 接續Katsuyaki Okamura發表「當代日本的考古、遺址管理和博物館」,以實例介紹考古和遺址管理的增長如何影響日本博物館的發展?同時也提出當代考古學遇到的議題和挑戰,並思考在數位時代下,博物館是否還能成為考古學上的樞紐(hub)?是否應該由別的機構來取代? ICMAH成員參訪大阪歷史博物館:遺跡展示廊道   最後Shahid Vawda發表「邁向博物館內的研究、展示新觀係:運用考古與歷史方法達到公平正義的成果」(Towards New Research and Exhibition Relationships in Museums: Engaging Archaeological and Historical Methods for Just Outcomes)。以一項南非考古、歷史與人類學研究計畫為例,說明有別於前殖民時期博物館作為殖民權力的象徵,博物館如何發展與社區之間新的對話關係,開啟共同策展和公共知識的可能,並提供博物館一種新的定義。 ICMAH參訪大阪市立博物館及大阪城,了解大版如何推廣考古教育,並運用諸如磁磚裝飾、模型、AR等巧思,讓觀眾了解這片土地上曾發生的故事。
2020/06/24
遠古巨石之謎?新上榜的世界遺產—寮國川壙石罐平原遺址
遠古巨石之謎?新上榜的世界遺產—寮國川壙石罐平原遺址
作者∕攝影:杜士宜(國立故宮博物院南院處助理研究員) 2019年下旬,位於寮國北部川壙高原(Xiengkhouang Plateau)的巨石文化遺址「石罐平原」(Plain of Jars)獲聯合國教科文組織(UNESCO)登錄為世界遺產,也是寮國境內第三處。 石罐平原得名於當地發現逾兩千個體積碩大的石罐,高度介於100至300公分間,口徑約70至100公分,其年代推測為西元前500年至西元500年間的鐵器時代。究竟為何會有這些巨型石罐?至今仍是未解之謎。川壙當地盛行幾種傳說,有人認為是遠古巨人的杯子,有人認為是西元5、6世紀一位君王下令製作,用來盛裝米酒以慶祝征戰勝利。1930年代法國殖民寮國期間,地質學家兼考古學家Madeleine Colani率先針對石罐平原進行系統性的調查研究,她推測這些石罐是當地先民喪葬習俗的產物,而石罐群的分布位置也與東南亞大陸古代貿易路線密切相關。對於這些石罐的具體功能、製作與運輸等問題,學界仍存在不同觀點,有待進一步的考古發掘與研究。 石罐平原二號遺址的石罐與石盤   現今列入世界遺產的石罐平原遺址,包含川壙省境內共15處地點,然而經考察發現與民眾通報而為人所知的巨型石罐遺址,實際上已有逾百處。囿於寮國政府在人員、物資與經費上的限制,以及該國北部仍存在60、70年代越戰期間,美國軍隊密集轟炸遺留的大量未爆軍火,安全性尚有疑慮,因此石罐平原已完成發掘研究並開放參觀的地區還相當有限。 目前石罐平原遺址之中,交通可及性最高、參觀設施最完善者,當屬一號遺址(Plain of Jars Site 1),區內規劃有指標系統、參觀步道、免費接駁車等,寮國當局與紐西蘭政府合作興建的遊客資訊中心也於2013年正式啟用,提供簡易的圖文展示解說。 石罐平原一號遺址入口處旁的遊客資訊中心 石罐平原一號遺址,除了數百個巨大石罐外,也隨處可見越戰期間遺留下的彈坑與壕溝。   此外,座落於川壙省行政中心豐沙灣(Phonsavan)甫於2018年底開幕的「川壙省立博物館」(Xiengkhouang Provincial Museum),也提供深入認識石罐平原的另一空間場域。該館是寮國、紐西蘭、澳洲政府及學術機構共同努力的成果,儘管展出的文物內容不算豐富,透過令人耳目一新的現代展示設計,以及寮、英雙語對照的說明,有助於國內外觀眾更加了解川壙高原的歷史人文樣貌,可說是當地近年來重要的公共文化建設。 寮國川壙省立博物館   石罐平原遺址與相關文物是東南亞鐵器文化的重要見證,其獨特價值已獲得普世肯定,然而目前有關的調查研究仍亟待發展,遺址的管理維護、詮釋推廣,乃至於周邊基礎建設,還存在很大的改善空間。寮國與國際上都期盼,登錄世界遺產不僅能為當地帶來榮耀,也能為文化遺產的保存維護挹注更豐沛的資源。
2020/06/17
雨霧、銅門、木瓜溪—第一屆「Phpah藝術聚」走訪速記
雨霧、銅門、木瓜溪—第一屆「Phpah藝術聚」走訪速記
作者:黃瀞瑩(台南藝術大學藝術創作理論研究所博士生) 「Phpah藝術聚」於2020年1月在花蓮縣秀林鄉銅門部落舉行,以藝術聚為名的系列活動,包含了三個面向:四位具有泛泰雅身分的藝術家所共構的地景藝術與行為展演、三位年輕工藝師與在地工藝匠師的共同設計,以及有關太魯閣族的家族史紀錄片《Mgaluk Tomong》放映會。 Phpah藝術聚舉行的時間為冬末初春,主要的展演空間為木瓜溪畔的銅門部落傳統祭場、兒路創作藝術工寮去年建成的竹屋,以及慕谷慕魚遊客中心前的草地。在雨霧濃重、冷氣團不時降臨的時節裡,Phpah的繽紛花開,呈現出的是一種安靜的潑灑、低限卻存在感強烈的姿態。 在地景作品〈曬田〉中,林介文透過集體創作的號召,指認出跨部落、跨族群的「編織社群」正在各地萌生運作,同時亦招喚舊時部落的魔幻時刻—在春暖花開的日子裡,家家戶戶會把櫥櫃裡的老布披掛出來晾曬,燦爛的文化風景根源於日常的生活需求,攸關文化存有的實踐、記憶與態度在此合而為一。 林介文作品〈曬田〉(陳思宇 攝影)   兒路創作藝術工寮成員鐵木.巴紹,將其近年來沉浸於傳統藤編所內化的身體感,轉移成作品〈八嶺〉的密織結構,透過鐵絲實行的編織意志,使「編織」的感性形式轉化為堅實的質量,呼應著鐵木的身體力行—對於傳統技藝熱切的填補與追讀,讓所謂的傳承成為一種充滿張力的內在場域。 鐵木.巴紹作品〈八嶺〉局部特寫(陳思宇 攝影)   宜德思.盧信的作品〈原生〉使用了絲線、羽毛等元素,自樹枝間垂掛而下的輕盈作品在雨霧的祭場中,彷彿成為當下時空維度的一道裂隙。除了樹生石生的起源傳說之外,還有一部分是關於泛泰雅族群一個隱晦的傳統習俗—在不得不選擇離去的時刻,族人會披上織布、盛裝完整,選擇一棵樹作為其最終的歸所,樹生樹死,讓在世時間成為一個循環。 宜德思.盧信及其作品〈原生〉(陳思宇 攝影)   紅色與編織等元素重複出現在三件地景作品中,藝術聚的策劃者東冬.侯溫表示,這些共通點是在作品裝置完成後才發現的巧合,並不是事前的規劃,但確實隱隱呈現出太魯閣族群潛在的文化分享域—由太魯閣族(Truku)的紅所纏繞出的記憶,包含了集體的起源傳說、家族遷徙,直至因國家機器而引發的戰爭犧牲、部落重組。Rngrang Hungul和陳安琪所拍攝的紀錄片《Mgaluk Tomong》補足了上述的時間脈絡,透過不同家族對於遷徙、起源地的敘述,碎形化地呈現構成當下部落的複雜路徑,體現了太魯閣族以家族為認同單位,而在各個家族的內部亦潛藏著歷史的糾結之處。 如同冬東.侯溫所說,在第一屆「Phpah藝術聚」中,團隊選擇先聚焦於部落內部,搭建出一個當代的觀點與距離來照看部落內部的複雜處境,而這個過程本身可能就具有某種療癒性。在2月16日的終場活動中,行為藝術家林安琪從背籃中倒出幾顆地瓜,將一顆地瓜削皮、削肉直至全無,又將剩餘的地瓜列隊種回灑滿皮肉的泥土中,然後在拋接地瓜的單人遊戲中帶大家走一圈傳統祭場,重又將一顆被削皮的裸瓜如碑石般安置在填滿地瓜的土槽頂端。犧牲、共生、重生,在木瓜溪畔構成了時間與記憶的循環節點,或可作為Phpah藝術聚在2020年的一個暫時註記。 林安琪的現場行為演出(黃瀞瑩 攝影)   本文同步刊登於中華民國博物館學會國內外資訊
2020/06/15
接地氣的博物館!印尼「WAKARE MUSEUM」訴說土地的故事
接地氣的博物館!印尼「WAKARE MUSEUM」訴說土地的故事
作者:張筱翎(前竹圍工作室社群與公關經理) 「WAKARE MUSEUM」是由印尼藝術團隊Jatiwangi art Factory(以下簡稱JaF)規劃,與當地Wates社區居民、佩利塔哈拉潘大學(Pelita Harapan University)建築系師生合作打造的社區歷史博物館,座落在社區活動中心外的空地。第一眼觀察其外形,像是一座土造紀念碑,而它實際的功能確實也是如此,紀念一段居民與印尼空軍爭地的歷史。   道別的歌曲成為唯一證據 第二次世界大戰後期,印尼爪哇Majalenka市被日本空軍佔領,包括Buntu、Beber、Beusi、Pilang、Salawana、Cibogor、Kampek這七個區域,並在Wates區外建立空軍基地與停機坪,居民們因而紛紛走避,將竹子與茅草製作的房屋扛起搬至鄰近的村莊。事實上,Wates區並非日軍佔領的七個區域,但印尼空軍卻主張其也包含在日軍佔領地中,經過長期抗爭及劃界後,居民才逐漸收復屬於他們的土地,直至今日雙方人馬仍在爭論土地所有權。會抗爭至今是因為居民沒有強而有力的證據,指出Wates區在戰爭期間並非為日軍所用,唯一證據是一首當地傳唱的巽他語歌曲「WAKARE」,意即日文的「道別」(別れ)。歌詞中提到了日本空軍佔領的七個區域,明明Wates區不包含在內,卻也得被迫遷離。JaF中有人組成樂團「HANYATERRA」翻唱這首民謠。 建築系學生與JaF於WAKARE MUSEUM合影(張筱翎 攝影)   搬屋節開幕的WAKARE MUSEUM JaF在研究社區歷史時發現了這段故事,希望讓它長久流傳下去,與Wates社區居民討論後,決定成立社區博物館,其名稱「WAKARE MUSEUM」就源自這首民謠。材料使用日本空軍佔領的七個區域加上Wates區的土,以及磚塊、水泥,邀請建築系師生共同打造,只花了約半個月即完工,在2019年10月JaF與社區共同舉辦的「搬屋節」(Hari Gotong Rumah)盛大開幕。 「搬屋節」已舉辦了五年,紀念1943年日本空軍佔領當地而導致居民搬離村莊的歷史,這一天居民會儀式性地扛起茅草與竹製房屋祝禱,在街道上跳舞、共餐,一起合唱「WAKARE」這首具象徵意義的民謠。JaF希望故事不僅能流傳,也希望集中居民的向心力,讓政府看見大家捍衛家園的決心。 搬屋節當日所有居民共襄盛舉(來源:Jatiwangi art Factory)   紅土文化的城市意象 「WAKARE MUSEUM」用土打造、說土地的故事,顯現當地與土的關係密切。事實上,博物館位於印尼爪哇島上最大的瓦片製造城市Majalenka,JaF在當地推行五年的「紅土城市」(Kota-Terakota)計畫,希望透過當代藝術進入社區產業,提升居民的歸屬感與在地產業能見度,例如:每年夏季舉辦搬瓦工人健美比賽、與在地小農合作發展果汁品牌、千人敲瓦片吹陶笛等。 搬瓦工人健美比賽(張筱翎 攝影)   2019年由JaF主辦的印尼陶藝雙年展(Indonesia Contemporary Ceramic Bienalle)是整個計畫的起點,也是未來當地陶土文化長期發展的立基點。雙年展突破以往展覽形式,以各式社區活動與駐村計畫為軸心,邀請國際與印尼本地藝術家進駐創作。 竹圍工作室2019至2020年也與JaF合作國際藝術進駐交換計畫,選送台灣陶藝家黃偉茜前往駐村創作,駐村期間與當地學校合辦鳥笛製作工作坊。2020年,JaF將以「收穫能量」(Harvesting the Energy)為主題發想年度計畫,想感受紅土城市氛圍的大家可以期待一下! 台灣陶藝家黃偉茜駐村創作《慢》(來源:黃偉茜)   本文同步刊登於中華民國博物館學會國內外資訊
2020/06/12