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新訊

最水的博物館!葡萄牙水博物館帶你游走三百年水遺產
最水的博物館!葡萄牙水博物館帶你游走三百年水遺產
  作者:柯秀雯(國立臺灣藝術大學藝術管理與文化政策研究所博士生) 感謝林志峰老師引介葡萄牙里斯本水博物館並提供圖片資料 位於歐陸南邊的伊比利半島旁、面臨大西洋的葡萄牙,是大航海時期帶領歐洲人探索世界的重要推手。因受到北大西洋亞熱帶高壓鋒面的阻塞影響,使得極地鋒線無法到達伊比利亞半島,進而影響降雨量,導致人們長期飽受缺水之苦。早從古羅馬時代開始,里斯本即著手建設引水公共設施,直到18世紀國王約翰五世決定大興水利網絡,成為葡萄牙解決缺水危機的轉捩點。這項工程長達一百多年時間,現今里斯本當地著名的Águas Livres引水渡槽、Mãe d'Água das Amoreiras蓄水庫、Loreto集水廊道,與Barbadinhos蒸汽動力抽水站等,都是18與19世紀建造的水利工程歷史建物,見證了葡萄牙人克服乾旱的決心與水資源管理的智慧。 穿越Alcantara山谷上方的Águas Livres引水渡槽拱門,是18、19世紀建造的水利工程歷史建物。(來源:copyright©2005 Juntas, wikimedia.)   1993年,葡萄牙掀起了一場真正的供水和廢水衛生管理革命,政府開放水資源民營事業,由自來水公司EPAL取得資格,位於Barbadinhos蒸汽抽水站旁的水博物館,是EPAL重要的公共服務項目,該公司重新規畫博物館,並於2014年開幕。博物館毗鄰Águas Livres引水渡槽、地下集水廊道與兩個水庫,共同形成水資源歷史文化園區。很多傳統的企業型博物館,只專注在公司本身的歷史,然而EPAL水博物館與眾不同之處在於:以水為主題,進行跨學科研究與知識推廣,包含歷史、科學、技術和永續資源相關議題,以及里斯本的供水、水文循環、城市水循環、水污染和水足跡等議題。 水博物館位於里斯本Barbadinhos蒸汽動力抽水站。(林志峰 攝影)   對很多人來說,博物館密集的知識量總讓人生畏,然而水博物館的常設展設計卻打破這種刻板印象。EPAL水博物館的教育推廣透過一系列的漫步和視覺體驗,栩栩如生呈現里斯本的供水歷史。博物館的觀眾以中小學生為主,為了讓觀眾即刻感受水道的魅力,展示空間與水道概念相通,以藍白兩色系為主,天花板鏡面反射、展示牆與展示台的透明壓克力,構築出「水」的通透潔淨意象,高挑潔白的展示牆,配置猶如鵝卵石的流線型展示檯,用以暗示水岸邊與礁石,觀眾移動的狀態如同水流,走走停停猶如水沿著溪流地形流動。 常設展廳的天花板是鏡面玻璃,拉大整體空間的視覺感,增添水流潔淨通透的意象。(林志峰 攝影)   展覽共分成三大主題,分別為地球上的水、供水歷史、水的基礎科學與工程技術。展示內容化繁為簡,把複雜的水資源知識用圖解與統計圖表呈現,適時地配合圖解擺設物件,例如水利設施工程所需要的工具、19世紀以來的水錶模型等。此外,每個桌檯的高度配合學生的身高做調整,設有數位互動裝置,激發觀眾探索深度知識的興趣。 用圖解與統計圖表輕巧簡潔地呈現水的複雜知識(林志峰 攝影) 在抽水站古老牆面上投影水渠網絡的發展歷史(林志峰 攝影)   為了喚醒公眾重視水文化資產(water heritage)及環保意識,館方以常設展為基礎,與來自歷史、環境和文化傳播等領域的專業技術人員合作,舉辦各類專業培訓、技能教學及學術研究等活動。例如,水博物館與健康博物館(the Health Museum)合作,策劃「葡萄牙800年醫療保健史」特展,帶領觀眾以各種視角認識里斯本的健康、供水和公共衛生歷史。
2021/01/29
沉寂歷史的她者之聲:義大利巴洛克女畫家阿爾泰米西婭倫敦首展
沉寂歷史的她者之聲:義大利巴洛克女畫家阿爾泰米西婭倫敦首展
特約記者:戴映萱(倫敦大學金匠學院藝術策展碩士、藝文工作者) 全文圖片由倫敦國家美術館授權媒體使用 「為什麼沒有偉大的女藝術家?」琳達・諾克林(Linda Nochlin)在1971年提出此試問,進而開啟一系列女性主義和藝術史論述的交鋒。直到今日,女藝術家已成為藝術機構最為聚焦的項目之一。倫敦國家美術館(The National Gallery)的女性藝術家作品在2,600餘件館藏中雖只佔了28件,但館方確實致力於此目標,如2019年將英國畫家布里奇特・萊利(Bridget Riley)畫作納入館藏,更收購17世紀巴洛克畫家阿爾泰米西婭・真蒂萊斯基(Artemisia Gentileschi)的作品〈亞歷山大聖加大肋納的自畫像〉(Self Portrait as Saint Catherine of Alexandria),特展則在2020年秋天盛大開幕。 倫敦國家美術館「阿爾泰米西婭」特展現場。右二畫作為館方所收購的作品《亞歷山大聖加大肋納的自畫像》。(© The National Gallery, London.)   16和17世紀義大利女畫家在這幾年持續發光發熱,歐洲各大美術館陸續收購她們的畫作並推出展覽。倫敦國家美術館的「阿爾泰米西婭」特展籌備多年,作品數量雖不算多,卻囊括了每個時期最具代表性的畫作,可謂十分完整的回顧展。展覽從其第一幅落筆簽名的繪畫開端,展示畫家如何師從父親奧拉齊奧・真蒂萊斯基(Orazio Gentileschi),並以17歲超齡之姿青出於藍。從初學到成熟的職業畫家,展覽以線性脈絡細緻地爬梳阿爾泰米西婭長達40多年的職業生涯。 在女性藝術家不易被接受的年代,阿爾泰米西婭卻是例外。她在世時便已贏得名望,贊助人包括英格蘭查理一世和西班牙腓力四世,更是第一位獲得佛羅倫斯藝術學院會員資格的女性。阿爾泰米西婭逝世後,其作品卻往往因繪畫技巧和主題的相似度,被歸類為卡拉瓦喬(Caravaggio)追隨者,藝術成就被埋沒了好幾世紀。直到1970年代,女權主義團體致力於重現被低估的女性藝術家,阿爾泰米西婭的畫作才再次引起藝術史學者關注。 阿爾泰米西婭的繪畫具戲劇性,光影的表現帶有強烈張力,她經常描繪聖經、神話和歷史中與女性有關的故事。以作品〈朱迪斯斬下赫羅弗尼斯的頭顱〉(Judith Beheading Holofernes)和〈蘇珊娜與長老們〉(Susanna and the Elders)為例,兩者皆取自聖經中的「她者」故事,阿爾泰米西婭曾多次在不同時期回溯兩項題材。在展覽中,分別繪於1612及1613年的〈朱迪斯斬下赫羅弗尼斯的頭顱〉被併置展出,雖為相同主題,但因不同年齡所承載的人生歷練而有不同的表現,畫家自我的心境轉變被繪入畫中。 倫敦國家美術館「阿爾泰米西婭」特展現場。圖中兩幅畫作主題取自聖經故事「朱迪斯斬下赫羅弗尼斯的頭顱」,左畫創作於1612-1613年,而右畫則創作於1613-1614年。(© The National Gallery, London. )   除繪畫之外,展覽同時展出多件文獻,包括1611年阿爾泰米西婭在家中遭父親的畫家友人性侵,其父為捍衛家族聲譽提告的全案紀錄,以及她寫給情人的書信,這些珍貴文獻讓觀眾更貼近畫家的一生。 阿爾泰米西婭於1620年4月11日寫給情人Francesco Maria Maringhi的書信文獻。(Archivio Storico Frescobaldi, Florence © Photo courtesy of the owner)   在最後展間中,一幅阿爾泰米西婭自畫像格外撼動人心,畫中的她正在作畫,右手舉起畫筆,左手則緊握畫盤,眼神專注凝聚在面前的所繪之物,彷彿整個世界僅存在於畫布之中。如此具生命力的自畫像在那個時代並不尋常,更別說是出自女性畫家之手。畫作標題同樣發人省思:〈自畫像作為繪畫的寓言(La Pittura)〉。阿爾泰米西婭透過繪畫,發出在當時最為喧囂的她者之聲,如她給一名贊助人的信中自信地表示:「我將向你展示女人可以做的事」。 阿爾泰米西婭・真蒂萊斯基,〈自畫像作為繪畫的寓言(La Pittura)〉,1638-9,油彩、畫布,98.6 × 75.2公分。(Royal Collection Trust / HM The Queen (405551) Royal Collection Trust / © Her Majesty Queen Elizabeth II 2019)
2021/01/25
博物館虛擬導覽是否符合觀眾的真實需求?
博物館虛擬導覽是否符合觀眾的真實需求?
作者:謝文馨(國立自然科學博物館科學教育組) 疫情期間,不少博物館紛紛推出線上虛擬導覽,讓觀眾在家也能安全舒適地逛博物館。不過,這些虛擬導覽真的符合觀眾的需求嗎? 不論是博物館的虛擬導覽或實體參觀,最終目標都是為了滿足觀眾的需求。因此,與觀眾行為及動機相關的問題,如認知差異、學習的近用程度、通用設計原則等,皆是決定該導覽是否達到成效的關鍵。本文摘錄自Maria Chiara Ciaccheri的文章〈博物館虛擬導覽是否符合觀眾的真實需求?一份觀眾研究的評論與提示〉分享博物館建置虛擬導覽應考量的幾個面向。 新冠病毒疫情使全球博物館遭受劇烈影響(Image by Sumanley xulx from Pixabay)   一、確立目標 你希望觀眾學到藏品的重要知識嗎?你希望觀眾從中獲得樂趣嗎?你希望吸引新的觀眾嗎?設立明確的目標,並向觀眾說明,讓觀眾在期望與實際體驗之間得到平衡。 二、維持觀眾的參與度 缺乏互動與回饋的虛擬導覽,往往令人感到迷失方向。為了提升觀眾的參與,虛擬導覽的設計應該多加運用互動策略、給予不同的感官刺激,例如穿插音效、互動問答等。此外,也應針對不同觀眾的學習風格,提供多樣化的學習內容及方式。 三、創造「技能導向」的學習 虛擬博物館除了提供藏品本身的資訊,還可以更進一步分享觀賞藏品的技巧,讓觀眾日後實際造訪博物館時能學以致用。例如在Google Art上,荷蘭國家博物館(Rijksmuseum)線上展出維梅爾作品〈倒牛奶的女僕〉(The Milkmaid),提供觀眾多視角且近距離觀賞畫作的導覽服務。此外,將藏品與當代議題或流行文化連結,亦有助提升博物館虛擬導覽的實用價值。 四、呼應觀眾的需求 發展虛擬導覽時,除了確保觀眾的基本需求被滿足,還應考量不同層次的需求。套用馬斯洛需求層次理論,觀眾的需求如同金字塔,必須先滿足最底層的需求,再照顧更高層次的需求。博物館虛擬導覽的需求金字塔由下而上依序是:功能性(能發揮功能)、可靠性(能發揮良好的功能)、應用性(能輕易使用)、精通程度(能使觀眾在某件事情上進步)、創造性(能使觀眾展望新事物)。 五、幫助觀眾理解全貌 我們常只注意到部分內容而忽略理解全貌的重要性。有些虛擬導覽從預設的起始點開始,卻沒有提供整個導覽的架構或核心主軸,這就好像讀一本沒有目錄的書,令人感到迷惘。因此,一開始就提供虛擬博物館的地圖或虛擬導覽的簡介,讓觀眾看到全貌,將有助理解各單元內容。   虛擬博物館讓人們得以輕易接近博物館藏品,疫情期間閉關在家也能獲得學習、休閒、放鬆心情的機會。即使未來疫情結束,這些虛擬內容也能做為偏鄉教育的資源,是促進文化平權的一大助力。每個博物館的虛擬導覽各有訴求,也擁有不同的觀眾群,沒有絕對正確的作法,關鍵在以人為本的核心價值、從觀眾的需求出發。雖然線上觀眾看似是虛擬的存在,但他們都是真實的個體,別忘了,人的基本需求始終不變。 博物館虛擬導覽讓人們可以隨時隨地「逛博物館」(Image by Julia M Cameron from Pexels)
2021/01/22
義大利博物館因疫情關閉,國家委員會超暖心打氣
義大利博物館因疫情關閉,國家委員會超暖心打氣
作者:葉庭君(義大利 Istituto Marangoni 策展管理碩士生) 2020年10月下旬,義大利面臨第二波新冠肺炎疫情,全國各地才剛重新開放幾個月的博物館、美術館、劇院、古蹟等文化機構,配合政府頒布的總理令(DPCM),再度關起大門。 許多博物館專業人士與工作者對此感到沮喪,他們曾努力以安全為前提,逐步恢復館舍運作與展覽,更有許多單位積極地應用數位科技,嘗試在疫情期間繼續從事教育、文化生產,與當地社群維持基本的互動交流。舉例來說,位於佛羅倫斯(Florence)的著名景點聖母百花大教堂(Cattedrale di Santa Maria del Fiore)為確保參觀者的安全,採用一套新的社交距離感測儀器(EGOpro Social Distancing),於入口處免費發放給參觀者穿戴在頸部。館方表示這是世界上首次在博物館脈絡下使用這樣的儀器,它能確保觀眾在參觀時最大的安全與舒適。參觀過程中,若與他人相距兩公尺以內,將會感受到感測器的震動與聲響,以科學的方法提醒觀眾保持社交安全距離,並於每次使用完畢後妥善消毒,提供下一位觀眾使用。 疫情期間,義大利著名景點佛羅倫斯聖母百花大教堂關閉,廣場上人煙稀少。(葉庭君 攝影)   面對眼前的挑戰,國際博物館協會-義大利國家委員會(ICOM Italia)肩負其任務及使命,透過官方網站與社群軟體向當地博物館與文化機構發聲:「博物館關閉,不是停止!」,說明博物館雖然必須暫時關閉,但不會停止發展,文化亦不會止步,並積極鼓勵博物館及相關文化機構提供關閉期間的動態及活動訊息,主動搭起與大眾的橋樑,建立一個蒐藏與分享博物館服務內容的平台。 義大利國家委員會理事長 Adele Maresca Compagna 更於公開信中呼籲:「請不要停止相信博物館的力量」,無論所處的環境與情況為何,ICOM 將陪伴與支持在地博物館專業社群發展,並建議於疫情期間,不應只是努力創造數位產出,更要專注於博物館內經常被忽視卻同樣重要的研究、檔案管理與維護功能,重新思考回歸「常態」須採取的行動與相應有效的組織結構。作為世界博物館社群的一份子,保持樂觀的態度與責任心,嘗試新的溝通取徑,使大眾認識博物館在社會中發揮的作用與重要性,促進當代社會問題的資訊交流與討論,增進大眾對文化的包容與接觸。
2021/01/18
來自多重境域的舞動:當代舞蹈家麥克•克拉克倫敦回顧展
來自多重境域的舞動:當代舞蹈家麥克•克拉克倫敦回顧展
  特約記者:戴映萱(倫敦大學金匠學院藝術策展碩士、藝文工作者) 本文圖片由倫敦巴比肯藝術中心媒體部門授權使用 倫敦巴比肯藝術中心(Barbican Centre)於2020年10月初推出蘇格蘭舞蹈家麥克•克拉克(Michael Clark)的大型回顧展「麥克•克拉克:宇宙舞者」(Michael Clark: Cosmic Dancer),此展標誌克拉克與該中心合作的第15年,回顧了他的創作生涯,呈現他如何挑戰了傳統舞蹈的界限,將之置於跨領域的範疇,舞蹈、生活和藝術因而交會。 1962年出生於蘇格蘭,克拉克四歲時就開始舞蹈訓練。1975年,他進入倫敦皇家芭蕾舞學校,並於1979年加入芭蕾舞團「Rambert」。克拉克曾與摩斯.康寧漢(Merce Cunningham)和約翰.凱吉(John Cage)一同參加暑期學校,深受兩人的前衛理念啟發。1982年,克拉克創作了他的第一部獨立作品,並在隔年成立舞蹈工作室「Michael Clark&Company」,當時的他年僅22歲。 屏幕播放麥克•克拉克的專訪影片。(© Tim Whitby/Getty Images)   這項展覽以非線性的展示動線作為佈局,整個一樓展區不受展牆的侷限,從天花板吊掛的多頻道螢幕播放著克拉克歷年來的舞蹈演出,每個螢幕不侷限於一件作品,而是輪流在不同屏幕上播放。這樣將展場與觀看動線開放,為的是賦予觀眾想像的空間,同時將之與克拉克本身的創作理念連結,呈現出流動如舞蹈的展示。其中,此展區展出具里程碑意義的作品《I am Curious, Orange》(1988),該作品質疑了宗派主義和保守主義,不僅代表了1980年代,更呈現了英國的社會與政治史。 麥克・克拉克與墮落樂團(The Fall)在沙德勒之井劇場合作演出《I am Curious, Orange》(© Richard Haughton) 從天花板吊掛的多頻道螢幕播放著克拉克歷年來的舞蹈演出,圖中屏幕播放的是作品《A Prune Twin》。(© Tim Whitby/Getty Images)   克拉克不僅為當代舞蹈的先驅,更是一個文化現象:在那個極度保守的柴契爾時代,克拉克挑戰了性別認同以及傳統價值觀,他將芭蕾舞納入當代舞蹈,同時注入龐克文化的元素,菁英文化與大眾文化因而交融。三十多年來,克拉克持續開拓舞蹈和視覺藝術的邊界,發展出一個跨領域的美學語言。克拉克特別欣賞挑戰性別界線和性領域的藝術家,時常與不同領域的創作者合作。 為了呈現這些精彩的對話,二樓展區便以跨領域合作為題,展出其他領域創作者與克拉克合作的實例,展品包括傳奇表演藝術家、時裝設計師雷夫•波维瑞(Leigh Bowery)為克拉克製作的多套舞蹈服,以及知名藝術家莎拉•盧卡斯(Sarah Lucas)替克拉克製作的佈景設計,從盧卡斯擔任服裝暨佈景指導的克拉克舞劇《Before and After: the Fall》(2001)中,可見兩人擁有對性、肢體和手勢語言的共同興趣,並藉由創作來探索這些主題的可能性。 二樓展區以跨領域合作為題,圖為雷夫•波维瑞為克拉克設計的舞蹈服裝展廳。(© Tim Whitby/Getty Images) 莎拉•盧卡斯與克拉克合作的舞作《Before and After: the Fall》演出紀錄,此攝影作品為展出作品之一。(Photo: Andrea Stappert, © Sarah Lucas, courtesy Michael Clark Company and Sadie Coles HQ, London)   「我試著編出並非關於舞蹈的舞蹈,它們並非專屬舞者的藝術。」克拉克曾如此描述自己的創作。巴比肯藝術中心的這場展覽成功地體現克拉克的精神:奔放、多元、具生命力與舞動性。在封關中度過數月的觀眾,則嘗著難得能觀舞的滋味,在「非白立方」的空間下恣意地「舞動」。
2021/01/15
疫情對全球博物館產生哪些衝擊?ICOM調查報告揭露危機與轉機
疫情對全球博物館產生哪些衝擊?ICOM調查報告揭露危機與轉機
作者:藍敏菁(國立臺灣藝術大學藝術管理與文化政策研究所博士生) 2020年,新冠肺炎影響全球文化機構,嚴重威脅博物館財務、館員與約聘僱的生計,即使博物館陸續重新開放,依舊存在許多限制,博物館正面臨大規模傳染病所帶來的衝擊。 為了解疫情對博物館產生哪些衝擊,國際博物館協會(簡稱ICOM)於2020年對全球博物館人進行兩次線上問卷調查。調查目的在於了解博物館面臨的難題與復原能力。第一次調查從4月7日到5月7日,第二次調查從9月8日到10月18日。調查項目包含:博物館、館員與自由工作者(台灣慣稱約聘僱)現況、預期經濟衝擊、數位活動與溝通、博物館安全與保存議題;第二次調查進一步探討博物館的財務困境與數位活動。 ICOM的兩次調查結果都指向博物館閉館潮、博物館人失業危機與數位轉型此三大難題,以下摘要兩次報告重點: 博物館閉館潮蔓延全球 5月份的調查結果顯示:受疫情影響最深的亞洲、非洲和阿拉伯國家,博物館關閉的比例高於其他地區。11月份報告更將拉丁美洲和加勒比海地區列入重災區。 博物館人面臨失業危機 5月份報告指出,全職博物館員仍保有工作,然而14%受訪者表示機構內有人被臨時解僱,6%被解雇或沒有續約。11月份報告更指出至少有四分之一的博物館館員被解雇或強制休假。自由工作者情況更加岌岌可危,5月有16.1%受訪者被臨時解僱,22.6%沒有續約;11月情況稍緩,但也有10.7%受訪者已被暫時解僱,16%未續約。 數位轉型帶給博物館一線生機 防疫的隔離措施讓博物館增加使用數位傳播,如果把社群媒體、線上展覽及教育活動一併計算,大約增加50%博物館使用數位設施。 過去博物館以典藏真品、強調現場體驗等特質,作為區別自身與其他文化機構的優勢,然而面對這次疫情,反而使得博物館原本的優勢轉為劣勢。11月份調查結果顯示,有高達7成的博物館人認為,博物館必須重新思考數位政策與整備數位環境,同時也有超過5成的受訪者認為,館員的數位素養與技能培訓相當重要(如下表)。 閉館之後,博物館會考慮採用哪些數位政策?(本表由作者翻譯與製做,資料源自ICOM 11月份報告,頁18)   台灣雖然免於疫情爆發危機,然而,博物館界同樣面臨參觀人數減少以及數位轉型等問題。如何發展因應疫情的轉型策略,重新關注博物館忽略的風險議題,是本世紀博物館營運管理最新的課題。 蓋提美術館在網路發起 #gettymuseumchallenge活動,吸引高齡社群的關注與參與。圖左是英國格拉斯哥美術館作品Lady in a Fur Wrap (CC BY-NC-ND 2.0),圖右是Joyce Cook的挑戰作品。線上活動可以引發全球關注,激發參與者靈感,並與親友同樂,在疫情期間讓人們持續享有博物館資源。(來源:Getty, IrisBlog, CC BY 4.0)
2021/01/11
界乎去與留之間的掙扎:香港文學館「離留之間」文學 × 視藝展覽
界乎去與留之間的掙扎:香港文學館「離留之間」文學 × 視藝展覽
作者/攝影:陳瑋彤(國立臺灣藝術大學藝術管理與文化政策研究所碩士) 2020年的香港面對政局動盪與全球疫情的雙重衝擊,前者促使不少對社會前景悲觀的人移居他鄉,後者則讓一眾旅人無法自由出行,轉為發掘本土景點。在博物館和藝文場所隨著政府的防疫措施不定期開放之際,為期約兩個月的「離留之間」文學 × 視藝展覽仍得以進行,在香港藝文界的評論與迴響者眾。 「文學 × 視藝展覽」是香港文學季的重點項目,由香港文學館 [1](以下簡稱文學館)主辦,採取以藝術創作回應文字作品的形式,由策展方選取該主題想呈現的作家,邀請香港藝術家與文學作品對話。本屆展題於2019年規劃,呼應文學季「遊移字得」的主題,當時沒料想到疫情,卻意外地引發更多關於身心狀態的聯想。 沿階梯下行,閱讀區擺放了展覽援引的著作,以醒目的「抵達」字樣標示場景的轉換。   展覽有兩位策展人兼顧文學與藝術。展示設計善用香港藝術中心包氏畫廊的空間特性,融入機場元素。「離留之間」共展出12組作品,「離開」與「回來」各佔一半。讀者可掃描展場二維碼,連結到《虛詞》網站閱讀每組作品的完整文本。作品的組合構成充滿文本互涉(intertextuality),文本有其寫作背景與文學典故,除了臨場感受,更鼓勵觀眾閱讀文字,與藝術品對照,走進創作者的世界。 西西〈父親的背囊〉啟發盧樂謙創作〈球場〉,以水泥包裹的行囊、衣服、酒瓶和花生殼等投射關於早逝父親的回憶。沒有沾上水泥的物件象徵當下:表達思念的手寫信,以及Richard Bach《天地一沙鷗》讀本,象徵遠走高飛實現自主的追尋。[2] 劉彥韜在油畫作品〈輪廓〉中想像維多利亞港雪中的天星小輪,回應顏純鈎〈鄉愁〉的深刻見解。即使香港的改變讓本地人也感到陌生,我們仍能憑她朦朧的身影懷緬往日的風采。 董啟章小說〈歸去來兮〉講述一名浪子離開男童院,期待回家卻無人應門的失落。黃國才〈黑道歸去來〉則以拳擊沙包喇叭播放著耳熟能詳的黑幫電影對白、紫外光燈下被凝固的染血關刀、市井之徒信手拈來作為武器的綠色玻璃啤酒瓶、出其不意間歇發出巨響的鐵棒敲打功夫木樁等裝置,表達少年對黑社會俠義的憧憬,與暴力血腥的現實矛盾。   雖然文學館表示,展覽沒有特別考慮台灣,仍處處可見台港文學與文人千絲萬縷的關係。例如林欣傑的〈單出曰聲〉以時任文策院院長胡晴舫的《群島》選段為靈感。旅居台灣的香港詩人廖偉棠的〈小離騷〉亦被選錄。還有同為參展作家的陳慧,目前在台講學,由於疫情未能回港共襄盛舉。文本被選錄的香港作家西西,其早年著作亦多在台出版。另外,「離留之間」專欄還收錄了赴台讀研究所的年輕作家的記事散文。[3] 放假外遊能短暫脫離日常的忙碌,充電後仍是喜歡回家熟悉的安全感。至於長期甚或永久的遷移,既有出於對他方的嚮往,也需忍痛告別家鄉的一切。「離留之間」可以是懸而未決的搖擺不定,又或者是軀殼與靈魂分離的心理狀態。有些人渴望離開但被迫滯留,另一些人縱然已遠去仍無法忘懷舊地和過去。   註釋: 註1:由本地文學工作者籌組之非營利組織,以建立一座整全的香港文學館為願景,持續教育、交流、推廣、研究、翻譯、出版等工作。 註2:故事講述一隻生性愛飛行的海鷗,不甘隨眾只為覓食存活,最終決定離群獨自追逐理想。 駐3:香港文學與台灣素來頗有淵源,早年余光中的《沙田山居》,至近年劉克襄的《四分之三的香港》及《虎地貓》等著作在兩地廣為傳頌。在香港新生代作家當中,有在台開書店的詩人陸穎魚。
2021/01/08
博物館迎接樂齡世代—美國博物館創意樂齡助長計畫
博物館迎接樂齡世代—美國博物館創意樂齡助長計畫
  作者:王惇蕙(國立歷史博物館教育推廣組) 2016年起,美國Aroha慈善機構推動「創意樂齡助長計畫」(Seeding Vitality Arts Program),期盼達成四大目標:成為國內創意樂齡計畫的示範、鼓勵藝文機構加入樂齡參與式藝術教育計畫、鼓勵服務樂齡族群的機構發展藝術教育計畫、宣傳具有效益的計畫模式。 該計畫將博物館納入其中,推出「博物館創意樂齡助長計畫」(Seeding Vitality Arts in Museums),由Aroha慈善機構提供資金、美國博物館聯盟紀錄成果、Lifetime Arts支援訓練,支援20個博物館以樂齡族群為目標觀眾,規劃並執行優質的藝術教育計畫。以下分享兩個2018年獲得補助的案例:   L-A博物館:連結不同世代與文化 位於路易斯頓奧本的L-A博物館(Museum L-A),前身為紡織廠,是居民多元學習、經濟發展、觀光旅遊的場域,同時也是社區內外部合作的促進者。當地過去以工業為主,大量人口移入就業,也造就了多元文化的聚集。 在「創意樂齡助長計畫」中,L-A博物館與當地藝術家合作,從藏品、展覽尋找計畫靈感,以詩文、紙藝、舞蹈鼓勵樂齡族群參與、創作與分享作品。此舉充分實踐該館使命:連結不同世代與文化,讓人們更加了解歷史、藝術與在地文化。 L-A博物館,用紙藝鼓勵樂齡參與者創作與分享。(Photo credit: Museum L-A)   那不勒斯植物園:藉由寫生建立自信 地處佛羅里達的那不勒斯,是退休族喜愛的居所之一,享受退休生活的同時,樂齡族群也樂於擔任那不勒斯植物園(Naples Botanical Garden)志工。 在「創意樂齡助長計畫」的支援下,那不勒斯植物園推出為期8週的活動「我的自然日誌:從藝術看植物」(Nature Journaling: Botany Through Art)。看似平常的寫生技巧教學,其實更加著重參與者練習嶄新技法、熟練既有技法與解決問題的過程,鼓勵樂齡族群用視覺藝術、文字等多元方式表達想法、建立自信。 那不勒斯植物園,鼓勵樂齡族群用視覺藝術、文字等多元方式表達想法、建立自信。(Photo credit: Naples Botanical Garden)   台灣也有愈來愈多團隊投入樂齡藝術教育計畫,例如:國家兩廳院2015年啟動的樂齡計畫,讓樂齡族群透過工作坊認識表演藝術,甚至登台演出,讓樂齡族群掌握自己的身體,也獲得滿滿的成就感。國立臺灣歷史博物館的高齡專案常設展說唱活動,參與者為55歲以上的長者、失智症者與照顧者,參觀展覽的同時也引導長者述說自己的故事。新北市政府舉辦的週二樂齡日,讓滿60歲的民眾暢遊新北市立文化場館、特色景點,鼓勵樂齡族群多多出門走走、長保身心健康。
2021/01/04
科技博物館如何邁向永續未來?自造者文化翻轉你與博物館的關係
科技博物館如何邁向永續未來?自造者文化翻轉你與博物館的關係
作者:顏上晴(國立臺南藝術大學博物館學與古物維護研究所副教授) *本文文字經編輯修改,經作者同意刊登。   國際科技博物館與藏品委員會(International Committee for Museums and Collections of Science & Technology;簡稱CIMUSET),創立於1972年,主要聚焦於科學與技術領域,即科學博物館、技術博物館、科學中心與其藏品相關議題,並以提倡科技與科普教育,保存科技文化資產與促進其知識散佈,提供此領域之溝通、合作與資訊交流為主要目的。 第47屆CIMUSET年度會議,主題是永續發展,名稱訂為「傳統的永續未來之聲」(Voices of Traditions for a Sustainable Future)。專題演講邀請現任ICOM德國國家委員會執行長(CEO of ICOM Germany)Klaus Staubermann博士演講,題目是「由物質文化到自造者文化:科技博物館如何將過去帶來現在?」(From Material Culture to Maker Culture: How Science and Technology Museums Bring the Past to Life?)。Staubermann博士提到,傳統上,科技博物館藉由蒐藏物件和研究,發掘出物件的知識,包括內隱知識(tacit knowledge),再經由展示、演示、教育活動等方式向民眾溝通、傳達物件的知識。Staubermann博士認為,未來博物館可藉由引入自造者文化,讓博物館成為與大眾之間,甚至讓大眾可以自行分享、交流、創造的空間與載體。藉由博物館與大眾的共同蒐藏、研究與策展(co-curating),可能翻轉傳統博物館物質文化的蒐藏、研究、溝通的直線模式,轉變為博物館與大眾共同蒐藏、研究的自造者文化。 日本東京國立科學博物館展示的產業物件(顏上晴 攝影)   本屆會議五場次的論文發表中,兩場次聚焦於永續發展,分別為「永續博物館」(Sustainable Museums)與「永續遺產」(Sustainable Heritage)。另三場次則是「新博物館觀念與角色」(New Museums Concepts & Roles)、「吸引觀眾」(Engaging Audiences)與「生態學與自然科學溝通交流」(Communicating Ecology and Natural Science)。會議的參與者多為科學博物館、技術博物館與科學中心的從業人員。筆者於「永續博物館」場次發表論文「科學博物館永續發展之實踐:臺灣經驗」(Practices of Sustainable Development in Science and Technology Museums: Taiwan Experiences),介紹臺灣的博物館在永續發展的四面向(環境、經濟、社會與文化)的實踐情況,並提出博物館推動永續發展的建議。 顏上晴副教授於CIMUSET年度會議發表論文「科技博物館永續發展之實踐:臺灣經驗」(王蕓瑛 攝影)
2020/06/26
國際考古和歷史博物館在討論什麼?橫跨過去、現在、未來的對話
國際考古和歷史博物館在討論什麼?橫跨過去、現在、未來的對話
作者/攝影:吳昭潔(國立歷史博物館研究助理) 國際考古和歷史博物館及藏品委員會(International Committee for Museums and Collections of Archaeology and History;簡稱ICMAH)2019年會在京都舉行。ICMAH參與者多為世界各地在歷史博物館、考古博物館或是考古遺址工作的從業人員。由於各地的歷史與考古樣態都不同,保存處理和展覽呈現的方式也大異其趣,因此ICMAH特別重視其成員的專業經驗,並鼓勵交流與跨文化對話,以幫助成員們了解過去、塑造現在和規劃未來。2019年度的議題為「重新思考博物館及當代考古學」,藉由選擇和當代相關的議題,激發彼此的討論、啟發及批判性的思考。 2019年會以三篇精彩發表揭開序幕,首先由Dominique Garcia發表「預防考古」(preventive archaeology)介紹法國考古預防研究中心(Institut National de Recherches Archéologiques Préventives;簡稱INRAP)如何藉由空間計畫和研究,搶先在發展工程影響到考古遺址之前,進行科學研究、與大眾分享研究成果。整篇發表概述了法國的考古現況,提出博物館與預防考古參與者之間關係加強的重要性。 接續Katsuyaki Okamura發表「當代日本的考古、遺址管理和博物館」,以實例介紹考古和遺址管理的增長如何影響日本博物館的發展?同時也提出當代考古學遇到的議題和挑戰,並思考在數位時代下,博物館是否還能成為考古學上的樞紐(hub)?是否應該由別的機構來取代? ICMAH成員參訪大阪歷史博物館:遺跡展示廊道   最後Shahid Vawda發表「邁向博物館內的研究、展示新觀係:運用考古與歷史方法達到公平正義的成果」(Towards New Research and Exhibition Relationships in Museums: Engaging Archaeological and Historical Methods for Just Outcomes)。以一項南非考古、歷史與人類學研究計畫為例,說明有別於前殖民時期博物館作為殖民權力的象徵,博物館如何發展與社區之間新的對話關係,開啟共同策展和公共知識的可能,並提供博物館一種新的定義。 ICMAH參訪大阪市立博物館及大阪城,了解大版如何推廣考古教育,並運用諸如磁磚裝飾、模型、AR等巧思,讓觀眾了解這片土地上曾發生的故事。
2020/06/24