博物之島 MUSEUMS

作者：陳瑋彤（國立臺灣藝術大學藝術管理與文化政策研究所碩士） 歷年來，社會上偶有涉及精神病患者的無差別攻擊事件，引發民眾恐慌，而與日俱增的自殺個案亦令人惋惜。這些新聞事件反映出精神健康議題在社會政策上的缺口。有鑑於此，香港醫院管理局於新界屯門區的青山醫院【註釋1】創立精神健康體驗館（Mind Space），透過傳遞正確的精神疾病知識並提供多元感官體驗，致力於消除因誤解而產生的歧視與污名化，推動大眾對精神健康的正確認識。 青山醫院在嚴謹的安全措施下，特別闢出一區作為體驗館開放參觀，個人或團體參訪須在網路預約。進入展覽前，觀眾需佩戴「住院手環」，手環上的QR code可供掃描，以獲取電子版的「入院文件」及教育資訊，使觀眾從患者入院的視角展開體驗。體驗館按時間維度劃分為五個展區，引導觀者逐步探索精神健康的多元面向。 「時光隧道」展區以大事年表、圖文、影音及實物展品等，主要回顧香港精神醫學發展史。同時探討早期歐美醫學界對精神疾病的不當治療方式，如早期的電擊療法或切除腦部組織，這些殘酷且缺乏科學依據的方法曾被視為「矯正」精神疾病的重要手段。 展覽也呈現精神醫療環境的轉變，如從初代堪比監獄嚴苛環境的精神病院，到當代精神科醫院在景觀設計與人性管理措施上的改變歷程，例如，約束衣物的設計逐漸改良，以兼顧安全性與舒適度，減少患者的不適。此外，展覽亦向推動精神醫學觀念變革及醫療技術革新的幕後功臣致敬，凸顯精神健康照護的進步與挑戰。   櫥窗內從左至右展示約束衣物設計的使用方法及演變。（陳瑋彤 攝影） 木刻展版羅列不同國籍醫護人員，及其對香港精神醫學界發展的貢獻，左方附有語音導覽的QR code。（陳瑋彤 攝影） 穿越「時光隧道」，是充滿科技感的「腦海導航」空間， 讓觀眾透過觸控螢幕及3D影像投影，認識各種精神疾病對腦部運作的影響，並了解藥物如何在其中產生作用。在「復康新知」及「全人健康」展區則提供多元學習資源，觀眾可依個人興趣選擇影片觀看及閲讀圖文資訊，深入了解精神疾病的防治知識，包括診斷標準、藥物以外的替代治療，以及促進「身心社靈」【註釋2】健康的實用方法。   「腦海導航」數位影像輔助，解釋腦部運作與藥物治療原理。（陳瑋彤 攝影） 「思覺交流」展區中設置四間「症狀體驗室」，觀眾可在館員的協助下佩戴虛擬實境（VR）眼鏡，透過患者在圖書館、家居及菜市場等空間場景中的視角，體驗其受到視覺、聽覺、觸覺等幻覺的困擾，理解他們與症狀共處的日常挑戰。 值得關注的是，體驗館邀請康復者擔任「朋輩（同儕）支援員」，以「真人圖書館」的形式分享自身患病、接受治療、重返社會的經歷，並即時回答觀眾的疑問。例如，曾患思覺失調的Eric，曾任教於學校的視覺藝術科，康復後轉職為保全人員，並運用其藝術專長為體驗館設計紀念品。   「思覺交流」區症狀體驗室外的等候區設有桌椅，每日上下午各舉行一場定時的「真人圖書館」互動環節。（陳瑋彤 攝影） 體驗館以歷史、科學及藝術角度切入，除了提升民眾對精神醫學的認知、培養同理心，更展現康復者的多元可能。展覽尾聲，出口走道設有夢境壁畫與感恩牆，以色彩斑斕的活潑風格，分別表達受精神疾病干擾的扭曲幻境，以及康復路上的豁然開朗。館方鼓勵觀眾填答線上問卷，以收集參觀展覽前後對相關議題認知變化的資料。觀眾亦可捐款，或選購院友製作的手工藝品，以支持體驗館的營運與發展。   壁畫意象部分參考了院友對夢境與幻覺的描述，例如，右方描繪被外星人接走的場景，試圖還原其心靈世界，讓觀眾透過視覺藝術理解患者的感知經驗。（陳瑋彤 攝影）   「感恩牆」由青山醫院歷史照片、院友創作的心情語句和風景照組成。（陳瑋彤 攝影） 【註釋1】該院自1961年創建以來，專門收治需要留院治療的精神病患者，在影視作品的喧染下成為對精神病院的代名詞。 【註釋2】全人健康涵蓋四大層面：生理（身）、心智（心）、社交（社）及靈性（靈）。   ❚ 執行編輯：謝佳均

作者：應元宜（藝文工作者、倫敦聖馬丁學院敘事環境碩士生） COVID-19疫情改變了全世界工作的方式，居家工作等新型態讓「何謂核心工作」的討論浮上檯面。2024年9月倫敦Wellcome Collection推出「辛勞血汗：工作、健康與權利」特展（Hard Graft: Work, Health and Rights，展期至2025年04月27日），帶領觀眾思考勞動的價值及其對身心健康的影響。展覽依時序透過種植園（The Plantation）、街道（The Street）、家（The Home）三個工作空間，述說近代史至今日弱勢勞工族群的故事，包含前殖民地社群、性工作者、女性移民等。 英國作為全球最大的前殖民帝國中心，第一展區從「種植園」——殖民統治下建立的大型農業生產區展開，透過歷史文件、照片、藝術品，揭露強迫勞動和種植園內惡劣的居住環境對工人健康的深切影響，以及美洲與非洲原住民族如何運用草藥知識，嘗試面對和克服勞動帶來的病痛。   18世紀非洲的歌譜紀錄當地人在殖民壓迫的慘況。（應元宜 攝影） 然而，殖民並非過去式，其歷史遺緒與社會結構至今仍持續影響著我們。例如，因奴隸貿易而被帶入南美洲的蚊子，成為黃熱病、瘧疾、登革熱等疾病的傳播媒介，並在巴西的甘蔗種植園中肆虐。巴西藝術家Vivian Caccuri的作品《蚊子祭壇》（Mosquito Shrine）便將蚊帳轉化為織品藝術，反思蚊子長久以來在當地所承載的的負面印象與恐懼，是否根植於殖民歷史？   在Vivian Caccuri作品《蚊子祭壇》中，蚊子的比例與人類相差無幾，營造出與蚊子「平視」的視角，促使觀眾思考：人與蚊子平等地共享環境，這些微小卻深刻影響人類歷史與環境的生物，同樣具有塑造與影響世界的力量。（應元宜 攝影） 不只是生態環境，策展人更進一步以「監獄」為例，邀請觀眾反思根植於殖民的社會制度和空間設計。今日美國擁有全世界最大的監獄系統，關押者以非裔美國人最高，而其經濟系統承襲了種植園模式下勞動剝削的「囚犯租借制度」（Convict leasing）【註釋1】而建立，英美兩國的私人企業仍持續以低薪雇用囚犯作為勞動力──在平均每週4英鎊報酬的條件下生產日常用品，使得監獄不僅是懲戒空間，更成為現代經濟體系中隱形的勞動場域。我們又應該如何看待這些在不平等勞動機制下生產的商品？   海報以視覺具象地傳達殖民奴隸船與監獄系統的關聯。（應元宜 攝影） 回望今日，第二展區將焦點轉往「街道」，關注清潔工與性工作者的勞動權利。相較於其他界限明確的空間，街道的開放性讓勞動者更容易暴露於混亂或遭遇意外的風險中。例如，街道清潔工容易接觸到汙染或有毒物質，而性工作者則因長期承受歧視與汙名，甚至可能面臨生命危險。 館方特別邀請跨領域藝術家，以1982年性工作者組織佔領國王十字神聖教堂（King’s Cross Holy Church）事件為靈感，與英國性工作者抗議運動組織 SWARM（Sex Worker Advocacy and Resistance Movement）共同製作裝置藝術作品《有錢能使鬼推磨》（Money Makes The World Go Round）。作品呈現性工作者的日常真實樣貌，並進一步呼籲社會關注與保障性工作者的權利和安全。   有別於「種植園」展區對殖民脈絡下封閉空間中強迫勞動的關注，「街道」展區則聚焦開放式公共空間內的弱勢勞工，探討他們如何在缺乏明確保護與規範的環境下，所面對的勞動風險與社會壓力。（應元宜 攝影） 裝置作品《有錢能使鬼推磨》結合影像與陶瓷存錢筒等象徵性物件，試圖將教會空間重新打造為性工作者故事和歷史的庇護所。（應元宜 攝影） 展區尾聲，則聚焦於家庭中無償勞動的傳統家庭主婦，以及有薪但角色定位複雜的女僕、保母等，這些工作又多由移民女性擔任。由於住家空間具有的私密特性，讓這類勞動往往缺乏規範與紀錄，使勞動者在遭受不當對待時，難以申訴或維護自身權利。 特展透過大量圖像海報、照片與藝術作品，呈現這群隱形勞動者的身影，並在最後以多媒體作品《關愛串連》（Care Chains Love Will Continue To Resonate)作結。該作品將12名家務勞動女性的影像，結合音樂、拍手節奏剪輯成表演，邀請觀眾坐下來，感受桌子隨著聲響震動，從而思考家務勞動者除了可見的體力勞動，亦承擔著心理和情緒的勞務付出。 該展不僅回溯勞動歷史，更揭示今日仍延續的勞動困境，引導觀眾重新思考與探問工作、身體與權利間的關係，又該如何保障所有人的工作尊嚴與安全？   「家」展區以圖像、裝置等不同媒材的藝術品，呈現家庭勞動者常被忽略的健康或勞動權益問題。（應元宜 攝影） 藝術家Moi Tran和Voice of Domestic Workers成員合作的藝術裝置作品《關愛串聯》，邀請觀眾進入沉浸式空間，圍繞圓桌以手掌感受聲音的震動。（應元宜 攝影） 【註釋1】美國南北戰爭（1861-1865 年）結束後，儘管奴隸制被廢除，但《美國憲法第十三修正案》允許「作為對囚犯犯罪的懲罰」而強迫勞動。南方各州藉此實施「囚犯租借制度」（Convict Leasing System），將被監禁的非裔美國人以低廉成本租給私人企業，從事農業和工業勞動。這一模式塑造了現代監獄經濟結構，使囚犯勞動成為企業與政府的利益來源，並在美國監獄工業中延續至今。   ❚ 執行編輯：謝佳均

作者：王欣翮（倫敦大學亞非學院藝術史與考古學系碩士） 2023年初，坂本龍一逝世，留下：「藝術千秋，人生朝露」（Ars longa, vita brevis.）作為人生的最後箴言；時隔一年，東京都現代美術館於2024年末舉辦「坂本龍一：觀音．聽時」特展（音を視る時を聴く，展期至2025年3月30日），延續此句的意境，帶領觀眾回望坂本龍一的藝術概念與實踐。 在自傳《我還能見到幾次滿月》中，坂本龍一表示當下音樂傳播的媒介和方式，往往是將立體的音樂固定在雙聲道，而他則認為自己的音樂能夠擁有更立體聆聽可能。自2000年後，他陸續與不同藝術家合作，並於2022年加入日本多媒體藝術團體Dump Type【註釋1】。本次展覽的十二件作品，多數為坂本龍一與Dump Type成員高谷史郎合作的裝置藝術。此外，亦可見德國藝術家Carsten Nicolai與泰國導演阿彼察邦・韋拉斯塔古（Apichatpong Weerasethakul）分別以坂本龍一的專輯《12》與《async》為靈感，延伸而出的錄像作品。 展覽以《TIME TIME》作為起點，由高谷史郎延續坂本龍一生前的構想製作，帶領觀眾窺探坂本龍一對於「時間」的思考。音樂常被視為在流逝的時間中逐步塑造變化的藝術形式，又被認為是「時間的藝術」【註釋2】。然而罹癌後，坂本龍一開始質疑音樂的單向性，即聲音依序展開，從開始到結束遵循固定的時間流動此一概念，並在後期作品嘗試以非線性敘事探索時間的多重可能性。 這種思考在其2017年發表的專輯《async》中可見端倪，他透過非線性敘事鋪陳音樂，試圖打破時間的線性框架。作品《TIME TIME》選用夏目漱石《夢十夜》、能劇《邯鄲》【註釋3】和莊子《夢蝶》三部文本，回應坂本龍一對於「夢」能夠顛覆時間感知的想法。作為展覽的首件作品，《TIME TIME》不僅呈現夢與現實無法區判的模糊邊界，也提醒觀眾將展開一場非線性的觀展體驗。   坂本龍一、高谷史郎《TIME TIME》（2024）。（©2024 KAB Inc. 福永一夫攝影／Museum of Contemporary Art Tokyo 提供） 延續這種對非線性時間的探索，展覽現場呈現坂本龍一與高谷史郎合作的數件觀看模式不設起點與終點的裝置藝術作品。如作品《async-immersion tokyo》以專輯《async》為背景，搭配高谷史郎拍攝的坂本龍一日常物件與風景，隨著影像不斷生成、消散和重構，呈現出一種無前後章節的流動影像。   坂本龍一、高谷史郎《async-immersion tokyo》（2024）。（©2024 KAB Inc. 浅野豪攝影／Museum of Contemporary Art Tokyo 提供） 《Water state 1》和《IS YOUR TIME》兩件作品，進一步將環境數據轉化為聲音與動態裝置，分別搜集東京的氣象資料與全球各地的地震數據後，將數據轉化成訊號，驅動裝置降雨或是敲擊鍵盤。特別是在《Water state 1》中，將氣象數據轉換為驅動裝置，使水滴低落於黑色水盤裝置，並在上方懸掛降雨系統，當水滴落下，水盤泛起波紋，人們的倒影也投映其中，營造出近乎冥想的觀看體驗。另一方面，《IS YOUR TIME》 則運用全球地震數據，將地殼震動的資訊轉化為機械敲擊鋼琴鍵盤的聲響，使自然現象與音樂形成獨特的共鳴。   坂本龍一、高谷史郎《IS YOUR TIME》（2017/2024 ）。（©2024 KAB Inc. 福永一夫攝影／Museum of Contemporary Art Tokyo 提供） 坂本龍一、高谷史郎《LIFE–fluid, invisible, inaudible...》（2007 ）。（©2024 KAB Inc. 丸尾隆一攝影／Museum of Contemporary Art Tokyo 提供） 「水」也是貫穿本次展覽的重要關鍵，象徵坂本龍一對自然的關懷與思考。2007年製作《LIFE - fluid, invisible, inaudible…》期間，坂本龍一甫結束他的肯亞與北極圈旅行，開始對水、雲與冰三者在自然界的關聯產生興趣。他認為這三者本質無異，而是人類透過語言加以區分並賦予概念框架。因此，在此件作品中，高谷史郎設計了九個懸吊在空中的大型水槽，讓觀眾由下往上望向水槽中水蒸氣的流動與變化，重新感受水的多重樣貌。 這一理念也延續至與他們和中谷芙二子的合作，以美術館下沉庭園為基地設計的《LIFE–WELL TOKYO, Fog Sculpture #47662》，中谷芙二子創造出一片流動的霧氣，使觀眾們遊走於霧之中，形成一場動態且富有詩意的感官體驗。   坂本龍一、中谷芙二子、高谷史郎《LIFE–WELL TOKYO, Fog Sculpture #47662》（2024）。（©平間至 攝影／Museum of Contemporary Art Tokyo  提供） 總體來說，「坂本龍一：觀音・聽時」作為坂本龍一在日本首次的大型回顧展，除了讓觀眾得以概覽坂本龍一如何透過各種形式重現音樂的聆聽體驗，更進一步透過作品的並置與對話，帶領觀者走進其思考「時間」和「自然」的無垠樂章。 【註釋1】Dumb Type 成立於 1984 年，由京都市立藝術大學的學生創立。成員來自視覺藝術、表演、設計、音樂等多個領域，以跨媒體裝置、劇場演出和影像創作見長。作品常探討科技、社會議題與感官體驗，強調非線性敘事與沉浸式藝術表現。 【註釋2】引自坂本龍一自傳《音樂使人自由》。 【註釋3】能劇《邯鄲》（Kantan）是日本能劇中的一部代表作，改編自中國唐代沈既濟的傳奇《枕中記》。   ❚ 執行編輯：謝佳均

劉曉樺（國立臺北藝術大學博物館研究所碩士、博物之島特約記者） 近年來，隨著人工智慧的應用日趨普及與成熟，許多博物館也順應AI浪潮，廣泛使用AI工具擴展或強化原有功能。除了常見的科技應用，如結合AR或VR的展示手法，AI亦在館藏研究領域發揮關鍵作用。例如，哈佛藝術博物館（Harvard Art Museums）藏品檢索系統「人工智慧探索者」（AI Explorer）運用9種不同的大型語言模型（Large Language Model）和電腦視覺服務軟體，透過具有大眾語言模型的AI視角，解析藝術史學家的研究成果和藏品描述，進一步生成標籤和註解。不僅提升館藏管理與檢索功能，也使藏品詮釋方式更貼近民眾。   哈佛藝術博物館「人工智慧探索者」藏品檢索系統運用AI分析藏品圖像並設立標籤和註解。（© President and Fellows of Harvard College; courtesy of Harvard Art Museums） 在提升參觀體驗方面，休士頓自然科學博物館（Houston Museum of Natural Science）與 ReBokeh Vision Technologies 合作推出了視覺輔助應用程式（ the ReBokeh All Access app），幫助低視能的視覺障礙者克服展場環境的限制，藉由手機攝影功能即時調節展品影像的亮度、色彩或大小等。其中「AI影像描述系統」能準確描述展品，提供即時語音或文字敘述，提升使用者的操作流暢度，也加深對展覽的理解。   視障者可運用視覺輔助應用程式可以在昏暗的展場，看清楚館內經典的恐龍展。（Credit: Mike Rathke ／Houston Museum of Natural Science）   AI打造互動式教育展覽 而教育方面，卡內基美隆大學的人機互動研究所（Carnegie Mellon University‘s Human-Computer Interaction Institute）在匹茲堡卡內基科學中心（Carnegie Science Center in Pittsburgh）進行的智慧科學展示（intelligent science exhibits）學習研究，結合AI技術打造可互動的虛擬助理，將傳統體驗式展覽的固定引導模式（如文字說明或操作流程），轉化為可愛的AI角色，並依照兒童們操作的情況，發展出個人化的學習歷程，使過程更具沉浸感與互動性。 研究發現，兒童觀眾不僅在智慧型互動展覽中學到更多，其平均參與時長（約6分鐘）更是傳統操作型展覽（約1.5分鐘）的四倍，顯示個人化AI輔助能有效提升兒童的學習專注度與互動持續性。   在聖荷西兒童探索博物館（Children’s Discovery Museum of San Jose）展出的智慧科學展示中，卡通化AI虛擬助理引導孩童於模擬地震的平台上，學習如何使用積木堆疊出穩固的高塔。（卡內基美隆大學 專案負責人Nesra Yannier女士 提供） 在匹茲堡卡內基科學中心的智慧科學展示與專案負責人Nesra Yannier。（卡內基美隆大學 專案負責人Nesra Yannier女士 提供）   博物館與AI素養：社會影響的擴展潛力 博物館除了運用AI強化和加速各類管理功能、設計創新展示或開發新型態的教育活動外，是否還能在人工智慧的趨勢中進一步發揮社會影響力？ 2023年，由美國國家科學基金會（National Science Foundation）贊助的人工智慧素養會議（AI Literacy Conference）在紐約科學館（New York Hall of Science）舉行，聚集了來自不同領域的專家與參與者，包括學生、AI設計師、知名科技公司AI團隊、學習科學家、青年發展專家、學校與博物館教育工作者等。此次會議不僅安排主題演講，亦透過參與式會議，探討如何在非正規學習環境中設計「以人與社區為本」，並適用不同年齡層觀眾的AI教育方案，使科技工具的使用能更具包容性與實踐性。 會議中指出青年與社區是AI發展中常被忽略的群體，應把AI視為可以放大人類能力的工具，並創建出適用所有人的AI公平制度。為回應此一挑戰，紐約科學館團隊發展出「以人為本」的AI素養架構，其中包含三大策略方向： 「運用AI的行動」（Agency in Using AI）：學習數據素養與 AI 工具的運用方式，理解 AI 如何影響人類思維與機器對世界的認知。 「審思AI的行動」（Agency in Interrogating AI）：培養思辨 AI 偏見的能力，反思 AI 在數據、倫理與社會中的角色，並理解機器如何影響人類決策。 「使用AI設計的行動」（Agency in Designing with AI）：探索 AI 如何回應社區需求，打破 AI 創造者的既定框架，並培養 AI 作為創意與未來發想工具的能力。 這三大策略為博物館提供了新的科學教育視角，如了解AI存在偏見的現實、重新想像AI如何貼近社區和居民需求等關鍵事項，使博物館成為促進科技素養與社會參與結合的場域。   紐約科學館所提出的「以人為本」AI素養架構。（紐約科學館 提供）   從理論到實踐：AI教育的創新方案 會後共有八個前瞻性的活動設計成果，包括跨世代家庭如何運用AI解決移居地選擇問題，並反思輸入資訊如何影響AI決策；師生如何在友善環境中探索ChatGPT在學習中的應用與省思；家庭透過AI創建故事的功能，辨識AI的偏見或矛盾；青少年運用AI規劃職業發展，進而探索機器與人類理解世界的差異；引導中學生透過關鍵字題組練習AI提問技巧，學習如何有效運用 AI 進行推理與連結思考。 這些活動雖仍屬於前瞻性假想方案，但足見與會者關注如何讓不同社群理解AI的優勢，同時警覺其潛在的偏誤與矛盾資訊。整體而言，會議期望提供具探索性想法，啟發更多元且具AI素養的科學教育實踐。因此，在博物館發展AI應用能力的同時，如何陪伴與引導民眾提升AI知識與技能，或許可成為推動科學教育、深化社區連結，並擴大社會影響力的重要切入點。   在會議參與式設計環節中，參與者從各種「隨機」創意材料中進行選擇，利用這些材料建構各組計畫理念的演示模型。（紐約科學館 提供）   ❚ 執行編輯：謝佳均

  作者：陳蘊如（國立臺北藝術大學博物館研究所碩士）   從眷村聚落到文化園區——記憶的場域轉型 在新竹市熙來攘往的道路旁，一道看似格格不入的舊時紅磚圍牆，彷彿時代的分界線，默默守護著這座承載著戰爭記憶與遷徙故事的眷村聚落。位於新竹市東區的將軍村（金城新村），在1943年作為日本海軍第六燃料廠宿舍，直至戰後被國民政府接收，並於1985年改建為安置金門防衛司令部高階軍官及其家屬的眷村，也因此有了「百顆星星的家」的美名。   展示空間外，還留有曾居住在此的將軍名牌。（陳蘊如 攝影） 隨著時代更迭，將軍村不再是昔日封閉的軍眷社區。2015年，僅存的15棟建築被登錄為歷史建築，並在修復後轉型為「將軍村開放圖書資訊園區」。常設展《轉個彎，走入將軍村》透過四大展區——「眷村故事區」、「眷村歷史區」、「眷村的聲音」、「眷村老物區」，呈現原居民及其後代的生命經驗，不僅是眷村歷史的見證，更成為乘載記憶、連結未來的所在。   展覽出入口有將軍村周邊的文化地圖，讓民眾有機會進一步探訪其他眷村空間。（陳蘊如 攝影）   味蕾上的鄉愁，從飲食記憶看眷村文化 在展覽中，我們可以深刻感受到的不僅是空間的轉變，而是眷村生活模式的再現。展覽以「耆老說故事」的影像開場，帶領觀眾重回眷村日常，感受過往居民的生活細節與獨特氛圍。口述故事中提到鄰里間按照年齡劃分，各司其職，並以磚牆作為家的界線，象徵著禮節與秩序。雖有著軍人的嚴謹，但無論婚喪喜慶，鄰里總會伸出援手，一同經歷人生的悲歡離合。 此外，展覽也將「飲食文化」作為勾起觀眾回憶的元素之一，以子題「一天一道眷村菜」呈現居民如何依賴「眷村補給證」獲得日常所需，並重新融合這些來自五湖四海的陌生食材，料理出一道道熟悉的家鄉滋味。另一方面，邀請觀眾取閱食譜，並鼓勵大家拿起畫筆，以繪畫方式記錄家鄉菜，參與這場充滿記憶與情感的味覺饗宴。   影片中放映著新竹市眷村影音故事，一旁12道眷村菜的菜單中詳細地紀錄著每道料理的背景、材料與做法。（陳蘊如 攝影）   遷徙與落地！在歷史中尋找家的足跡 「眷村歷史區」則透過地圖影像和建築模型的對照，呈現將軍村的今昔變遷。牆上的年表勾勒出將軍村的發展脈絡，也映照世界局勢的變遷，同時特別標示早期居民的「戰爭遷徙路線」，突顯將軍村不僅是軍眷的安身之所，更飽含著因戰爭而生的離散記憶。使觀眾得以體會原居民生命故事中，交織著「原鄉—遷徙—落地」的歷程，其中夾雜著無法回頭的鄉愁與異鄉落腳的現實。   藉由空拍地圖、建築模型、大事記年表的相互對照，讓觀眾可以清楚地了解將軍村的變遷脈絡。（陳蘊如 攝影） 展覽也透過藝術創作，重新詮釋對「家」的情感。馬來西亞華僑藝術家勞泓理的作品《家——參與式織品》，將家人寄來的舊衣拆解、搓揉、纏繞、重新編織，象徵著家族記憶的離散與重構。這件作品也邀請了將軍村的原居民、新住民及新竹市民共同參與創作，探索對「家」的複雜情感與意義。同時，作品也與展區中的竹架陳列相互呼應——架上擺放著居民捐贈的生活用品與老照片，使那些過往日常的細節，成為今日引發觀者共鳴的媒介。   作品《家——參與式織品》，藝術家透過來台求學的異鄉經驗，重新思考「家」的意義。每個編織線的節點都象徵著一個難忘的回憶，觀眾可以親手撫摸，體會創作者們對家的複雜情感。（陳蘊如 攝影）   讓記憶延續，走進將軍村的時光長廊 穿越吊掛的藝術作品，來到「眷村的聲音」展區，這裡收錄了15則關於金城新村、周邊眷村及金門戰地的口述訪談，透過原居民的視角，聆聽那些不曾被教科書紀錄的歷史與故事，拼湊出眷村生活的時代縮影。例如，胡璉將軍如何帶領金門成為反攻第一線；戰後如何再利用八二三炮戰遺留的彈殼；以及女性如何透過家庭代工貼補家用等。   在訪談影片一旁的牆上，每位受訪者都寫下了一句對眷村的深刻感受。（陳蘊如 攝影） 最後，展覽一隅放置著與眷村故事相關的書籍與繪本，供觀眾靜靜翻閱、細細品味。沿著掛滿照片的廊道前行，端詳著照片中微笑、談話、嬉戲的身影，耳邊不時傳來原居民講述故事的笑語，彷彿穿越時光。展覽不僅保存眷村歷史，更透過原始社群、新舊新竹人的共同參與，延續眷村故事的溫度。   展覽運用眷村的家庭陳設元素，以桌子、書架等傢俱陳列由原居民及其後代捐贈的照片與文物，帶領觀眾感受屬於眷村的生活細節。（陳蘊如 攝影）   ❚ 執行編輯：謝佳均

作者：郭冠廷（高雄市立美術館助理研究員） 知名女權主義藝術團體游擊隊女孩（Guerrilla Girls），正於紐約下東區Hannah Traore Gallery舉辦商業展覽「歧視之國：游擊隊女孩談偏見、金錢與藝術（Discrimi-NATION: Guerrilla Girls on Bias, Money, and Art）」（展期至2025年03月29日）。本次展覽主要以其代表性海報作品為核心。適逢游擊隊女孩成立40週年，她們「重回」發源地紐約，透過展覽與新世代互動，也象徵性地回顧早期的戰鬥場景：以諷刺海報進行街頭游擊。   對抗性別與種族歧視：長達40年的奮戰 成立於1985年游擊隊女孩已活躍40年【註釋1】，以揭露並批判藝術圈的性別與種族歧視而聞名。她們透過製作幽默慧黠的諷刺海報、廣告刊板與行動藝術，對父權社會的偏見歧視發出游擊攻擊。團隊最初由7位女性藝術家組成，成員頭戴大猩猩面罩、隱姓埋名，並使用已故的女性藝術家作為個人代號。游擊隊女孩多次表示「我們想專注在議題之上，而非我們是誰」，透過匿名發聲，持續為平權奮戰。   「歧視之國」展覽回顧游擊隊女孩標誌性的海報作品。(©Hannah Traore Gallery) 本次展覽呈現游擊隊女孩1986至2016年的海報與活動文宣，凸顯了她們一貫的創作策略：運用簡潔有力的文字、強烈對比的圖像，將創作轉化為批判武器，激發公眾思考與行動。其中，包含她們最早且最重要的創作之一《紐約只有 4 家商業畫廊展示非裔女性藝術家的作品》(Only 4 Commercial Galleries in NY Show Black Women, 1984)。該作品以直白的數據和諷刺的鮮明視覺風格，揭示1980年代紐約藝術界的性別歧視與種族主義，同時也是本次展覽的核心議題。   1984年的海報《紐約只有 4 家商業畫廊展示非裔女性藝術家的作品》是游擊隊女孩最早、最重要的創作之一。(©Hannah Traore Gallery) 游擊隊女孩的著名嘲諷海報作品《女人一定要裸體才能進入大都會博物館嗎？》（Do women have to be naked to get into the Met. Museum?），透過1989、2005到 2012年的統計數據，直指美術館中的女性裸體畫像和女性藝術家展示比例的巨大落差，其數據變化發人深省。（ © Guerrilla Girls, courtesy guerrillagirls.com） 化名 Käthe Kollwitz的游擊隊女孩創始成員強調：「藝術市場仍被知名男性藝術家主導，他們比同樣有名的女性藝術家賺更多報酬。 但自從我們開始行動，情況已有所改變」。 此外，本次展覽的大部分作品並不出售【註釋2】。儘管游擊隊女孩享譽全球，過去卻很少在畫廊進行商業展出，主要源於她們對畫廊的批判和監督立場。如今，Hannah Traore Gallery主動尋求合作，也顯示創作環境和藝術市場的轉變：雙方不再局限對立關係，而是成為具有共識的未來夥伴。畫廊負責人Hannah Traore表示，女性藝術家的市場正以「蝸步」的速度轉變——雖然進程緩慢，但仍充滿希望。   Keep chipping away！人人都可成為「游擊隊女孩」 回望臺灣，殷寶寧（2024）指出，國內博物館對性別議題的多元討論，仍待積極推進，而以生理女性為策展論述主軸的博物館實作依然稀缺。去年國內美術館不約而同推出女性藝術家的典藏特展，其中，高雄市立美術館的大南方多元史觀第三部曲「珍珠—南方視野的女性藝術」(2024/10/5-2025/3/16)，與新加坡國家美術館、新加坡美術館合作策劃，呈現臺灣與東南亞女性藝術家豐富的創作面貌；臺北市立美術館「飛地：一部自傳的誕生」(2024/10/05 -12/15)則聚焦於跨世代女性藝術家的生命故事。兩檔展覽備受好評之餘，也引發我們思考：究竟藝術圈是缺乏女性藝術家，還是需要更積極、深入的研究和論述？我們需要更多女性藝術家展覽嗎？還是應該更重視策展實踐中藝術家性別比例的平衡？ 或許，在關注性別正義的策展實踐上，可以借鏡游擊隊女孩的精神：持續行動、持續質疑、持續推進對話。無論當前的改變看似多麼微小，唯有不懈努力，藝術的平權才能真正成形。如同游擊隊女孩座右銘「做一件事。如果有效，就再做一件。如果沒效，那就繼續做下去。持續削弱不公！」(Do one thing. If it works, do another. If it doesn’t, do another anyway. Keep chipping away! )。 洛杉磯蓋蒂研究中心（The Getty Research Center）正籌備游擊隊女孩回顧展，預計今年秋季開幕。自她們行動至今，這場對抗歧視的倡議仍在進行，並邀請你我加入出擊。 【註釋1】游擊隊女孩成立於 1985 年，起因是表達對紐約現代藝術博物館（MoMA）展覽「An International Survey of Recent Painting and Sculpture」中性別歧視現象的不滿——165位參展藝術家，卻僅有 13 名女性。憤怒的女性藝術家組成「游擊隊女孩」，並以匿名方式發起行動，透過街頭海報、行動藝術與出版品，揭露藝術界對女性與少數族裔藝術家的排擠，開啟了一場持續至今的抗議與倡議運動。 【註釋2】游擊隊女孩成員Käthe Kollwitz（化名）表示：「我們的作品不是畫廊可以賺錢的東西，因為我們的海報售價只有 30 或 40 美元，這無法讓畫廊生存下去」。   ❚ 執行編輯：謝佳均

作者：張致堯（國立臺北藝術大學博物館研究所碩士） 近年來，環境保育成為全球關注的焦點，博物館不再僅是知識展示的場域，更積極參與環境議題，推動公眾對自然的認識與關懷。位於英國倫敦核心南肯辛頓區的自然史博物館（Natural History Museum）發起的城市自然計畫（The Urban Nature Project）即是一項融合科學研究、教育活動與創新展示手法的計畫，旨在透過都市中的自然空間，激發大眾對生態的關注與探索。   屹立於演化花園之中的梁龍Fern，是世界首件等比例全尺寸立式石膏造恐龍骨架模型，深受來自世界各地的觀眾喜愛。（張致堯 攝影）   都市中的綠色空間：博物館花園改造計畫 城市自然計畫的目標之一，即是將博物館的兩個花園改造成一個具高度可及性的綠色空間，使觀眾能夠自在地親近自然。重新規劃後的兩個花園：演化園（Evolution Garden）和自然探索園（Nature Discovery Garden）於 2024 年 7 月正式開放。作為計畫的核心場域，該園區不僅是歡迎觀眾的綠色空間，更是一個蘊含深遠意義的環境教育基地。其中，館方精選了 12 個特色展件（Twelve Treasures of Our Gardens），代表不同的生態故事與科學概念。例如： 演化時序岩層峽谷（Evolution Timeline Rock Canyon）：甫步入演化園，便會經歷兩千七百萬年的歷史，被27種不同岩石組成的岩層包圍，觀眾透過觀察岩石，可以窺見地球的發展和變動。 聽鍬形蟲吃午餐（A Stag Beetle Larva Eating Lunch）：花園中設置了數個聽筒，讓觀眾可以聽見鍬形蟲幼蟲咀嚼木頭的聲音，從而展示昆蟲在生態系中作為消費者的角色。這一新穎的感官體驗激發觀眾對昆蟲生活的興趣，進而理解其在生態循環中的重要性。 梁龍Fern（Fern the Diplodocus）：在館內明星梁龍Dippy於2021年踏上全英巡迴之旅後，由它複製的銅製後繼者Fern再現於演化園中，繼續於博物館的門戶迎接觀眾。 以此類推，館方透過園中多樣化的展示裝置，提升大眾對生物多樣性的認識，並以富有趣味性的設計呈現城市中隱藏的生態系統，以此作為都市與自然的連結。   演化時序岩層峽谷位於演化園的入口，兩側錯落岩層的牆面由27種不同種類岩石組成，讓觀眾彷彿穿梭於不同時代的地球。（張致堯 攝影） 錯落於花園步道旁的「聽鍬形蟲吃午餐」裝置。（張致堯 攝影）   聽見自然的聲音：城市自然計畫中的互動與教育 除了靜態的展示外，城市自然計畫同時也是一個「有生命的實驗室」（A Living Laboratory），透過科技與社區參與，發展多元的互動體驗和教育活動。例如「竊聽自然」（Nature Overheard）透過設置聲音監測設備，收集環境中的鳥鳴、昆蟲振翅聲與都市噪音，讓研究人員分析人類活動對城市生態的影響。參觀者也能在現場體驗這些聲音數據的視覺化呈現，進一步理解聲景（soundscape）對生態系的意義。而「探索：城市自然」（Explore: Urban Nature）計畫則為教師提供培訓、配合學校課程的學習資源，以及實地踏查的戶外工作坊，使學生透過多元的方式深入了解城市中的自然環境。   圖左是位於自然探索花園的自然活動中心，為學生和家庭提供以自然為主題的教學活動。（張致堯 攝影） 在亞馬遜網路服務（Amazon Web Service）的支持下，自然史博物館設立了「自然記錄中心」（Nature Recording Hub），以促進社區的生態參與。作為一個獨立的線上平台，該網站致力於幫助公眾了解如何在城市環境中記錄野生生物；並提供各種調查和記錄計畫，引導觀眾識別不同的物種和棲息地、分享觀察結果，藉此增進對英國各類型棲息地的認識，從而制定保護和增強生物多樣性的環境策略。   讓博物館成為自然與人的連結點 隨著城市化的加速，都市中的綠地與自然環境變得愈發珍貴。館方透過城市自然計畫，使博物館不再只是展示歷史與標本的空間，而成為連結自然與公眾的重要場域。藉由創新的展示手法、科學研究與公眾參與，為未來建設一個更加永續且充滿生機的城市環境。都市不應與自然對立，而是能夠成為支持生物多樣性的「生態教室」，實現城市與自然共存共榮的願景。   ❚ 執行編輯：謝佳均

  作者：高郁媗（國立臺灣歷史博物館數位創新中心專案助理） 坐落於南瀛綠都心公園，星期日的新營文化中心，被兒童的嘻鬧聲、長者的隨身廣播、左右鄰居充滿朝氣的招呼聲環繞著。仔細聆聽，南臺灣的綠意上台語、華語、越南語、印尼語等正在發聲。新營文化中心內《我的語言教室—新住民語言故事學習展》（展期至2025年03月30日）則以語言為主題，串聯片格的生活場景，呈現多元文化交流。   新營文化中心所在的南瀛綠都心公園，是在地居民聚集的所在，本次特展《我的語言教室》便呈現了居民日常語言的交會。（高郁媗 攝影） 本次展覽透過系列工作坊，邀請新住民與在地居民，以藝術創作探索「語言學習」與「移動」的過程，將參與者的經驗轉化為展覽內容，展現語言與文化交織的日常。 以「餐桌上的家常菜」版畫創作工作坊為例，參與者刻劃自己熟悉的家常料理，這些風味各異的菜式不僅在展場中共聚一桌，也邀請觀眾坐下圍爐、交換食譜，分享屬於自己的家鄉味。這些工作坊帶來雙重面向的交流——在創作過程中參與者探尋自己的文化認同，而作品則或作為展品、或轉化為裝置藝術，成為串起參與者與觀眾交流的媒介，使得靜態的展覽轉化為具互動性的對話空間。   今天要吃哪一道呢？《我的語言教室》舉辦「餐桌上的家常菜」版畫創作工作坊，讓參與者透過料理的滋味認識異國食材與風味。（高郁媗 攝影） 除了餐桌，一樓的展場也呈現了廚房、商店、教室、花園等生活場景，讓觀眾感受不同語言如何在這些場景中發聲，促進文化交流。其中，教室及客廳的場景著眼於來自四方的居民，如何學習、調適在不同的語言間轉換的生活。展覽也訪問了新二代青年，兒時往返於兩種不同文化的生活中，產生語言混用的有趣議題。   一盆一盆的植栽種的是入菜的香料，這些香料在不同的語言中都有其獨特的命名方式，更代表著飲食文化。（高郁媗 攝影） 來到二樓的展區，展覽視角從語言學習，轉而藉由「我的生活軌跡」影像工作坊與「城市印象」色彩創作工作坊的作品，企圖表現語言與文化適應的關係。在展區中央的課桌椅區，觀眾化身為語言學習者的角色，運用桌上的QR Code聆聽新住民分享如何在日常對話中靈活轉換不同語言，並從中體會語言作為社會連結的橋梁。   在展區二樓的訪談影片中，對於在臺落地生根的新住民而言，語言是與下一代溝通的途徑，更是乘載著文化傳承的重要角色。（高郁媗 攝影） 展覽最後，以「你從哪裡來？」與「如果你到了新環境生活，會想要認識什麼？」邀請觀眾留下回應。標記家鄉與對新環境的想像，映照出遷移的軌跡，也承載了在臺灣生活與發展的期許。在這間「語言教室」裡，傾聽不僅是學習的起點，也是互相理解的橋樑，而每一次對話，都是文化交會的迴響。   在移動作為日常的當代社會中，新的家園，有著對未來的期許與文化的鄉愁。（高郁媗 攝影）   ❚ 執行編輯：謝佳均

作者：戴映萱（倫敦大學金匠學院藝術策展碩士、藝術評論工作者） 距離法國南部蔚藍海岸不遠處的群山之中，有座曾經聚集了20世紀藝術大師的山城聖保羅德旺斯（Saint-Paul-de-Vence），在陽光照耀下交織出不凡的有機樣貌。其中，梅格藝術基金會（Fondation Maeght）將藝術、自然和建築巧妙融合，邀請觀者沉浸於藝術與周圍環境之中。   梅格藝術基金會入口處前的雕塑公園，左方與右方分別為考爾德和米羅的雕塑作品。（Photo Olivier Amsellem - Archives Fondation © Successió Miró / © 2025 Calder Foundation, New York / ADAGP, Paris © ADAGP, Paris 2025） 梅格藝術基金會是由出版暨畫商夫婦——艾梅和瑪格麗特·梅格（Aimé and Marguerite Maeght）所成立。1953 年，夫婦倆最小的兒子因白血病去世，當時他們的藝術家朋友、立體派創始人的喬治·布拉克（Georges Braque）鼓勵兩人在他們位於聖保羅德旺斯的居所打造一座親近大自然的藝術園地，並在米羅（Joan Miró）和傑克梅蒂（Alberto Giacometti）等藝術家好友的建議下，邀請西班牙加泰隆尼亞建築師約瑟夫·魯伊斯·塞特（Josep Lluís Sert ）合作，從內而外地精心打造這座藝術空間。基金會於1964年夏天由戴高樂時期的傳奇文化部長安德烈·馬爾羅 (André Malraux) 盛大揭幕，慶祝法國首座私人現代藝術基金會的成立。   梅格藝術基金會建築由建築師約瑟夫·魯伊斯·塞特與藝術家布拉克、米羅和傑克梅蒂共同設計而成。（© Silvio d’Ascia Architecture - architecte extension / Photo © Sergio Grazia）   梅格藝術基金會的室內展覽空間。（© Silvio d’Ascia Architecture - architecte extension / Photo © Sergio Grazia） 梅格藝術基金會的收藏以雕塑為主，館藏涵蓋了從草創初期即參與其中的三位藝術家作品，同時也典藏了其他當時活躍於該地區知名藝術家的創作，如夏卡爾（Marc Chagall）、考爾德（Alexander Calder）和雷捷（Fernand Léger）等。 除了視覺藝術收藏，基金會的書籍典藏亦極具代表性。作為出版商，艾梅·梅格一生對紙張、印刷術和書籍懷抱深厚熱情，並致力於將畫家、作家和詩人聚集在同一個媒介上，出版了一系列重要的藝術書籍。此外，梅格將他所創立的圖書館遺贈給基金會，更被譽為法國最重要的私人圖書館之一。其中包含了梅格與20 世紀下半葉重要的藝術家、作家和詩人的傑出合作成果，以及多樣類型的藝術家書籍（Artist’s Book）。   立體派藝術家布拉克於1963年為梅格藝術基金會水池所製作的《魚》。（Photo Stéphane Briolant - Archives Fondation © ADAGP, Paris 2025）   以瑞士雕塑家命名的傑克梅蒂中庭（The Giacometti Courtyard），可見其最具標誌性的作品《行走的人》（L'Homme qui marche）系列雕塑。（Photo Olivier Amsellem - Archives Fondation © Succession Alberto Giacometti / ADAGP, Paris 2025） 談及梅格基金會的最大特色，無疑是其中的「米羅迷宮」（Miró Labyrinth）──這座戶外雕塑公園依傍基金會的主建築，順應山勢延展，呈現米羅的大型雕塑作品，營造出藝術、光影與自然交融的沉浸空間。 1964 至 1973 年間，米羅與其陶藝家朋友何塞普·洛倫斯·阿蒂加斯（Josep Llorens Artigas ）及其子瓊·加迪·阿蒂加斯（Joan Gardy Artigas ）合作，共同構想了這座雕塑迷宮。在這片空間中，巨型雕塑、建築和自然景緻相互對話。如米羅1945年再製版的雕塑作品《月鳥》（Lunar Bird／Moonbird）呈現他對神話與夢境世界的獨特詮釋。而被視為迷宮中最大亮點的《凱旋門》（L’Arc）──米羅萃取了希臘和加泰隆尼亞神話中的動物特徵來創作這件雕塑，塑造出其獨特的超現實主義風格，該作品宛如一隻神秘生物，以狀似巴黎凱旋門之姿俯瞰整座山城，遠眺一望無際的蔚藍海岸。   1964 至 1973 年間所建造的「米羅迷宮」為整座美術館的最大亮點。（Photo Olivier Amsellem - Archives Fondation Maeght © Successió Miró / ADAGP, Paris, 2025）   米羅的經典雕塑作品《月鳥》。（Photo Olivier Amsellem - Archives Fondation Maeght © Successió Miró / ADAGP, Paris, 2025） 收藏家、藝術家、建築師、作家和詩人……梅格基金會將所有懷抱信念的創作者匯聚在一起，不僅承載著現代藝術大師的創作痕跡，更延續藝術與自然的共鳴。時至今日，即使已過了六十餘載，這座夢想之地的初衷仍深深烙印在建築上，未曾隨時間消逝。當觀眾踏入此地，透過感受與體驗與作品對話，讓這片交融藝術與自然的園地得以更加完整。   ❚ 執行編輯：謝佳均

作者：劉偉蘋（挺挺動物應援團、挺挺網絡社會企業創辦人、「適得其所」策展人）、謝佳均（文化部博物之島國內外資訊專區執行編輯） 目前在臺北市立動物園教育中心舉辦的遊蕩動物議題特展「適得其所」，是由挺挺網絡社會企業於2023年8月策劃推出。展覽採取巡迴形式，動物園教育中心為其中一站（展期至2025年10月31日）。 走進動物園教育中心一樓左側特展區，首先映入眼簾的是兩幅精美插畫，分別描繪犬貓與淺山野生動物安居於適宜環境的景象。緊接而來，隨即帶領觀者直面現實，展牆以黑白照片呈現「當生命未能適得其所時」，可見身染皮膚病或瘸腳行進的流浪犬貓，以及因犬貓追咬而受傷的野生動物，其中包含臺灣的瀕危動物石虎、草鴞、全球極度瀕危動物穿山甲，以及更多臺灣原生種野生動物。   以理想境界的插圖，對比實際狀態的黑白照片及影音紀錄，透過視覺衝擊，激發觀眾一探究竟的觀展動機。（挺挺網絡社會企業 提供） 多數民眾或許未曾思考過「犬貓並非野生動物」，也不清楚「動物保護」與「動物保育」的差別。在探討動保議題時，也涉及各種爭議觀點。例如，收容所安樂死不僅關乎倫理道德，同時也是動物醫療的重要手段；餵食遊蕩犬貓的善意行為，實則可能造成嚴重的生態影響。然而，這些課題往往與人們對愛與包容的直覺認知產生衝突，使得討論更具挑戰性。   除了科學調查研究資料，展區也呈現具爭議性動保議題的討論。（謝佳均 攝影） 策展團隊選擇以「肩並肩，而非對立」的方式來平衡不同立場的觀點，帶領觀眾認識如何正確對待伴侶動物，落實野生動物保育。如子題「認養不只幫助犬貓，還能協助拯救野生動物」試圖拉近雙方的距離：一方是關心流浪犬貓、懷抱動物關懷之心但對生態保育理解有限的動保人士；另一方則是關注生態保育、對野生動物恐遭遊蕩犬貓傷害深感憂慮的保育支持者。在展覽內容規劃上，採取「先同理情感，再帶入理性思辨」的方式，讓觀眾能夠在情感的基礎上，進一步思考遊蕩動物與生態保育之間的複雜關係。 如特別為動物園規劃的「寵新開始 永敢接續」展區，以棲地模型、動物習性引導觀眾了解如何為進入人類家庭的動物，打造適合他們居住的生活環境。此外，也探討因各種原因引入臺灣的外來物種對生態環境所造成的影響，進而強調寵物飼主責任與生態保育之間的密切關聯。   「寵新開始 永敢接續」區，帶領觀眾認識飼主、寵物與生態間的關聯性。（謝佳均 攝影） 展版帶領觀眾思索人類對動物、生態的影響，以及人類能為野生動物做的行動，並進一步討論遊蕩犬貓的餵食議題。（謝佳均 攝影） 展覽也配合動物園家庭受眾設計QA互動小木屋，引導觀眾一同思考動物福祉、負責任的飼養態度與實踐方式。展區內將寵物的五大自由（免於飢渴、免於不適、免於痛苦、傷害與疾病、免於恐懼與緊迫、表現自然行為），飼養過程中可能面臨的各種問題製作成翻式展版，包含遇到流浪貓狗的行動、是否需要為寵物植入晶片與施打疫苗等情境問題。   QA互動小木屋的翻式展版以飼養犬貓的情境設計問題。（謝佳均 攝影） 辨識原生種、外來種木座轉牌展版。（謝佳均 攝影） 「我們清楚不可能藉由一場展覽，立刻讓16萬隻的犬隻以及數量不明的貓隻不再遊蕩⋯⋯我們知道一場展覽無法讓問題瞬間獲得解決，但是至少讓我們能邀請喜歡動物也願意付出關心的朋友們，能先看到問題、理解問題，或許未來（更希望是從現在開始）我們大家有機會一起去解決問題！」——引自策展論述 展覽藉由臺灣社會對犬貓認養的價值認同作為切入點，引導觀眾理解遊蕩犬貓與野生動物間的衝突關係。如同策展論述所述，這場展覽不僅傳遞生態知識，更是對未來行動的邀請，攜手尋找兼顧伴侶動物福祉與野生動物保育的最適解方。   「適得其所」巡迴展主視覺。（挺挺網絡社會企業 提供） 展覽資訊 臺北市立動物園 地點｜臺北市立動物園教育中心一樓特展區 (台北市文山區新光路二段30號) 展期｜2024/12/1~2025/10/31 時間｜09:00~17:00 (週一休) 門票｜依動物園與教育中心售票規定   彰化鹿港白海豚媽祖宮 地點｜台灣白海豚媽祖宮二樓特展區 (彰化縣鹿港鎮中山路102號) 展期｜2025/01/24~2025/07/23 時間｜10:00~12:00、13:00~17:00 (週一週二休) 門票｜免門票   ❚ 執行編輯：謝佳均