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新訊

走訪哥本哈根的新地圖,Hidden Copenhagen導覽APP帶你探索不為人知的城市歷史之旅!
走訪哥本哈根的新地圖,Hidden Copenhagen導覽APP帶你探索不為人知的城市歷史之旅!
作者:黃小聞(國立臺灣藝術大學藝術管理與文化政策研究所碩士生) 博物館透過許多數位媒介發展出多樣的教育活動,提供觀眾更多元的探索途徑。然而,當「城市」變成一座博物館,我們如何透過「導覽APP」再現歷史脈絡與城市元素,帶領旅客認識隱藏於其中的歷史呢? 哥本哈根城市導覽APP「Hidden Copenhagen」由丹麥哥本哈根博物館(Museum of Copenhagen)、哥本哈根大學(University of Copenhagen)、哥本哈根城市檔案館(Copenhagen City Archives)及英國艾克希特大學(University of Exeter)共同開發。 此款APP內以哥本哈根古地圖作為背景,標示出主要導覽的七個地標,隨著地圖走到指定位置,便會觸發APP的語音導覽。(黃小聞 攝影)   導覽講述發生於1673年的「未婚少女殺嬰事件」,旅客透過遊覽路線中哥本哈根舊城區的七大地標,包含知名景點三一教堂(Trinitatis Church)及明愛噴泉(Caritas Fountain)廣場等,層層認識這段歷史。 而此次的開發理念,則是希望藉由未婚少女Gertrud Nielsdatter殺嬰事件,帶領旅客認識17世紀哥本哈根的犯罪及性別議題,同時透過虛擬角色Nils的醫學生身份,呈現哥本哈根在醫學及科學發展上的歷史進程。 位於哥本哈根舊城區的三一教堂(Trinitatis Church),也是此次城市導覽的起點站。(黃小聞 攝影) 位於哥本哈根舊城區的明愛噴泉(Caritas Fountain),是丹麥從文藝復興至今唯一保存完好的噴泉。(黃小聞 攝影)   導覽故事從Nils的學生生活開始,一路從學生宿舍、解剖教室,介紹到少女Gertrud Nielsdatter被公開處決的市政廳廣場。導覽APP透過虛擬角色的對話,為旅客形塑當時的社會氛圍,例如,在Nils與婦女Fru Anna的對話中,呈現了當時未受教育女性被迫賣身生存的現實,以及在非預期懷孕後不敵輿論壓力而選擇棄嬰或殺嬰的無助處境。或是透過Nils對於殺嬰事件的指責,道出當時普遍大眾對於此事件的負面態度,而為殺嬰少女辯護的婦女Fru Anna則代表在底層社會努力生存的女性。 有別於一般城市歷史建築導覽,Hidden Copenhagen透過殺嬰事件及與之相關的地點,回應犯罪與性別議題,並使旅客能夠感受17世紀時代氛圍下未婚懷孕少女的艱難處境與心境。除了漫步欣賞舊城區的人文風情,也給予旅客另一種認識哥本哈根城市歷史的視角。   哥本哈根博物館(Museum of Copenhagen)內設有許多互動裝置,除了講述城市歷史之外,也設有介紹博物館建築歷史的專區。(黃小聞 攝影)   一座城市乘載著好幾個世代的記憶,有些是美好的,有些則如同殺嬰事件一般,隱藏於城市的角落中。然而,什麼樣的記憶能建構出最真實的城市樣貌?如何呈現城市歷史中的負面記憶?或許正是建構城市博物館的關鍵議題。此款導覽APP的最後一站,正巧位於哥本哈根博物館(Museum of Copenhagen)的附近,若對Hidden Copenhagen APP的導覽內容意猶未盡,你將在這座以城市為名的博物館內,獲得更多屬於哥本哈根的城市記憶。   執行編輯:謝佳均
2023/12/01
考古,其實離我們很近:花蓮考古館以遊戲互動傳遞史前文化
考古,其實離我們很近:花蓮考古館以遊戲互動傳遞史前文化
作者:葉家妤(自由作者)、郭冠廷(高雄市立美術館典藏助理研究員) 這棟建築是豐田市場,還是花蓮縣考古博物館呢? 2021年開幕的花蓮縣考古博物館(以下簡稱考古館),館舍鄰近史前臺灣最大的玉器製造工坊「豐田地區」,以蒐藏與保存花蓮考古文化資產為核心宗旨。翻新市場建築設立,考古館招牌懸空於建築入口處,其後保留嵌入牆上的「壽豐鄉公共造產豐田市場(建於1986年)」石刻字樣,猶如兩個時空重疊,顯露考古發掘、紀錄昔日生活痕跡的精神。目前館內「出土文物常設展」及開放式庫房展示區,適合全齡觀眾與多元族群參訪。 【博物之島新訊】史前館重新開幕!新常設展為友善平權與社會議題努力 體驗考古學家的尋寶過程 「出土文物常設展」包含三個展區:偵探考古的世界、透視史前的花蓮、穿越時空的啟示。走入「偵探考古的世界」,展區佈置為木質調的考古學家書房,黑板上可見花蓮各處考古遺址的介紹,一旁桌面則結合投影互動,放置著文物、紀錄冊與手套,令人想要一探究竟。 當觀眾觸碰書桌上的蛙形玉飾、琉璃珠等仿製品〔註釋1〕開啟互動裝置,便如同翻開考古學家的田野筆記,步步理解文物的用途、製作技術等細節。此外,展區中的巨型金色沙漏,兩端分別為史前及現今人們的居所,當沙漏轉向任何一邊,居所會在時間流逝下被沙礫淹沒,猶如考古挖掘與時間賽跑的日常! 「偵探考古的世界」展區中考古學家的書房。(郭冠廷 攝影) 展覽透過沙漏裝置,呈現考古與時間競賽、搶救文物的行動。(葉家妤 攝影)   層層堆疊的木箱,裡頭鋪有報紙、再整齊擺放貼上記號的石塊,觀眾接著進入了考古學家的工作室。此區以插圖解析「如何發現遺址?」、「考古田野調查流程」,閱讀起來清晰易瞭。展區中可見多種測量與發掘工具,如:經緯儀、捲尺、鏟子、畚箕等,為觀眾揭開考古工作的流程,語音導覽也減少了教條式介紹,輕鬆呈現生活物件如何作為發掘法寶——例如清潔文物沙塵的牙刷,並向觀眾提問「有哪些考古工具,是現場沒有展示的?」引導民眾觀察展覽內容。 【博物之島專文】從國際交流到為愛朗讀: 游貞華談和西都原考古博物館的合作與文化平權實踐 展區模仿考古學家的工作室設計,大小觀眾可以站在鏡子前「試穿」考古學家的服裝。(郭冠廷 攝影)   從史前物件,反思我們該留下什麼? 接續,「透視史前的花蓮」展區則以物件為主角,從遺址分佈、史前生活區分子題,觀眾能藉由遺址文化層,探索不同地理環境與時代的生存方式。例如館方將累積近四千年的花岡山遺址界牆〔註釋2〕搬至展場,觀眾得以感受考古學家如何在探坑內,觀察並紀錄各文化層的遺跡。本區也透過簡易的線條插圖與人型壓克力模型,說明物件使用方式,並嘗試與現今生活連結,如展版述說火燒石堆飲食,就像流傳至今的「石頭火鍋」,使觀眾得藉著想像、親近史前生活。 「透視史前的花蓮」展區以物件為主角,除仿照「仿花岡山遺址考古現場」,並搭配互動裝置吸引觀眾。圖中左後方為花岡山界牆。(郭冠廷 攝影)   論及科學檢測分析,更是現代考古學不可或缺的重要幫手!「穿越時空的啟示」展區同樣善用觸控互動裝置,說明考古學家如何使用拉曼光譜儀,檢測陶片來源以及人骨的年齡與性別。來到展覽尾聲,堆滿現代垃圾的「未來考古遺址」令人反思:今日留下的一切,將成為後代發掘而得的資訊、想像與感受。未來人類透過考古,又會如何定義我們? 【博物之島專文】喚醒沉睡千年的先人—南科考古館「我們活過」特展讓人骨訴說史前故事 展覽尾聲提供大眾反思何謂歷史文物的啟示。(郭冠廷 攝影)   考古,可以成為你我的日常! 目前考古館語音導覽包含:華、臺、客、英、阿美族及太魯閣族多種語言,致力落實語言友善,而「陶玉裡說書-開放式庫房考古遺物典藏展」更作為國內較少見的考古文物開放式典藏庫,使文物不再緊鎖於庫房。館內1樓並設立親子友善的考古沙坑體驗區,配合教育人員及學習單,經由低科技互動裝置輕鬆地向親子觀眾傳遞考古知識,館方更經常推出考古體驗團隊,均為考古教育努力。 整體而言,筆者觀察花蓮縣考古館善於透過遊戲互動、多語導覽和活潑易讀的展示設計等方式,積極推動考古學與大眾近用,成為述說花蓮縣史前文化的重要據點。 考古館開放式典藏展示利用通透玻璃,展示典藏品。(郭冠廷 攝影) 館內設有親子友善的考古沙坑體驗區,配合教育人員及學習單,輕鬆地向親子觀眾傳遞考古知識。下圖為館方「與你相玉」考古教具箱,積極推動考古教育。(郭冠廷 攝影) 註釋: 註釋1:蛙形玉飾全名「花岡山文化蛙形玉飾」,屬於新石器時代晚期花岡山文化(距今約2800-2300年前)。玉質潤澤,列為國寶,目前典藏於國立臺灣史前文化博物館。 註釋2:界牆為考古工作向下挖掘探坑時,探坑的縱剖面。 執行編輯:謝佳均
2023/11/30
透過實境解謎遊戲,搶救被消失的文學碎片:國立臺灣文學館「文壇封鎖中——臺灣文學禁書展」
透過實境解謎遊戲,搶救被消失的文學碎片:國立臺灣文學館「文壇封鎖中——臺灣文學禁書展」
作者:林琮穎(國立自然科學博物館科學教育組專任助理) 「許多文學作品將面臨被消失的威脅!請你穿越時空扮演時代下的角色,蒐集文學碎片,來搶救這些重要的文學吧!」這是一封來自文學一時空的求救信。 國內博物館近來經常結合館內展覽,規劃實境解謎遊戲,然而,展覽如何透過遊戲引領觀眾身歷其境,投入展覽的世界中呢?國立臺灣文學館「文壇封鎖中——臺灣文學禁書展」結合實境解謎遊戲,嘗試引領觀眾認識臺灣曾施行的書籍查禁制度,以及人們在數十年來歷經的思想與言論管制。此特展分為5個單元,不僅展出館藏的重要文學作品,展覽將威權時代的禁書議題轉化為遊戲謎題內涵,促使觀眾依循展覽脈絡,一探威權時代下字句間的肅殺之氣。   此展覽在規劃設計時,即將實境解謎遊戲納入其中,在展區各處與實體摺頁皆可看到展覽邀請觀眾一同參與遊戲體驗,衝破文壇封鎖!(林琮穎 攝影) 解開密碼,探索查禁時代 進入展間,觀眾彷彿走入政府單位的辦公室,展覽以「查禁的N種方式」單元呈現自日治時期至民國時期,威權政府曾制訂用以查禁書刊的法律規範。展覽透過遊戲的層層密碼,引領觀眾探索查禁時代,例如,在此展區中央,有張擺放4份卷宗夾的木桌,資料上缺損的字詞正隱藏著第一個密碼,有待觀眾尋得指定的法規命令名稱後解開,藉此能認識當時的查禁法規。   「前言:查禁的N種方式」單元中,禁書法令名稱與重點條文、標語等字樣,於展版文字、桌面立牌、天花吊掛等方式錯落呈現,凸顯威權政府的言論管制制度。(林琮穎 攝影) 穿過布幔,來到「名字決定命運」單元,在國民黨戒嚴體制下,查禁書刊的理由無數,此單元闡述最為著名的審查制度紅線:「附匪」,除了作品內容,不論書名、作者、譯者,若與中國共產黨有關聯,則多難逃查禁的命運。在展區的長桌上,散落了數本書籍,觀眾在此關卡需協助其中兩位附匪作家更名,躲避查禁命運,並獲得相對應的密碼。透過遊戲角色的投入,使觀眾感受查禁時代的緊張氛圍。   「名字決定命運」單元展區中央擺放了一張長桌,上方放置四本書籍模型,觀眾需判斷哪本書籍的作者面臨危機,並透過散落於桌面的人名壓克力板,協助該作者改名,以協助其逃離查禁命運,並獲得謎題解答。(林琮穎 攝影) 被擺佈的話語,被清潔的思想 在不同政府的威權下,不僅是官方語言的限制,「書寫的形式,政府來定義」單元呈現了當時文學形式與歌曲內容處處掣肘的情況,像是受壓抑的臺灣方言及白話字〔註釋1〕,及在「暴雨專案」〔註釋2〕中成為禁書的武俠小說,也有許多歌曲曾因各種緣由而遭查禁。此單元設有3座監牢,各有一份控訴言論箝制的自白,觀眾需尋覓被塗掉的關鍵字以獲得密碼,藉此同時瞭解當時的各種查禁緣由。   「書寫的形式,政府來定義」單元共裝設了三座囹圄,分別代表當時的創作形式,是此單元謎題的重要線索,而在有關「暴雨專案」的子題中,展出曾被查緝的著名武俠小說作品。(林琮穎 攝影) 從1949年的戒嚴令到1999年廢止出版法,戒嚴時期對書籍的大規模掃蕩與查禁行動,持續了半世紀之久。「思想有毒,政府來『清潔』」單元敘說1954年的「文化清潔運動」即主要打擊紅、黃、黑三色的文學作品〔註釋3〕。在此單元的桌上布滿書籍,觀眾需在其中找出「有問題」的作品,解開其對應的密碼。而在展區一側為藝術家沈昌明的作品《霧。Mist》,當觀眾左右移動時,底層陰刻隸書即因光線折射而使文字若隱若現,這也成為遊戲的最後一題,觀眾需觀察隱藏其中的特定資訊,若隱若現的文字,暗喻著過去曾被隱身的文學作品。   「思想有毒,政府來『清潔』」單元一側展出遭到查禁的文學作品,一側為藝術作品《霧。Mist》,中島則是謎題設計的文學作品展示裝置。(林琮穎 攝影) 結語:透過遊戲,解密禁書年代 展覽最後,當觀眾完成密碼蒐集後,即可輸入展場裝置中啟動互動短片,成功搶救這些被消失的文學,更能瞭解密碼的含義。就筆者於暑假期間觀察,此遊戲吸引了親子、青年等多樣觀眾參與。此展覽透過情境營造與遊戲轉譯,使觀眾在探索形式與解謎氛圍中,瞭解書籍查禁制度內涵,並能更深刻體認現今言論自由實屬得來不易,應更珍視並努力實踐,別再走上回頭路。 〔註釋1〕:白話字是一種以羅馬字母拼寫的閩南語系統,原為19世紀時由基督教長老教會於福建廈門創設並推行的拼音文字,因此又稱「教會羅馬字」,在臺灣,1885年由巴克禮牧師發行的《臺灣府城教會報》(後更名為台灣教會公報)正是使用白話字書寫。於1955年,為配合「國語運動」開始增加中文版內容,但在1969年後卻被禁止以白話字出版。(參考整理自展覽文案及文學好臺誌) 〔註釋2〕:暴雨專案為針對武俠小說的查禁行動,於1959年12月31日時由警備總部規劃執行,三天內取締了十二萬本作品,一時之間武俠小說幾乎在臺灣絕跡,其中金庸、梁羽生等人的小說作品即為查禁重點。儘管這些武俠小說都被官方視為禁書,但仍有廣大市場,因此盜印本或改名再出版的武俠作品屢見不鮮。(參考整理自展覽文案) 〔註釋3〕:文化清潔運動於1954年展開,由當時最大的作家團體中國文藝協會策動及執行。此運動以「除三害」為目標,致力清除「赤色的毒,黃色的害,黑色的罪」,分別代表宣揚共產主義的「紅色思想」、與性相關的「傷風敗俗」、挖掘政黨內幕等三類文學作品。相關的掃蕩與查禁行動持續了數十年之久,作家與出版社無不心生恐懼,深怕無端遭受懲處。(參考整理自展覽文案) 執行編輯:謝佳均
2023/11/22
拉近我們與書的距離,荷蘭圖書之家博物館手抄和活版印刷體驗活動
拉近我們與書的距離,荷蘭圖書之家博物館手抄和活版印刷體驗活動
作者:王幸慈(荷蘭萊登大學藝術史碩士、藝文工作者) *本文部份圖像由圖書之家博物館(House of the Book, The Hague)授權提供 身處書籍與圖像數位化發展蓬勃的年代,科技發展為大眾的閱讀帶來許多新媒介,如手機、平板、電子閱讀器。然而,當人們對翻閱紙本書的手感日漸陌生時,以圖書和裝幀收藏為核心的博物館,要如何透過書籍典藏吸引觀眾走進展場、感受書籍的迷人之處呢?   博物館藏書常設展場一景,中央的書櫃展示經典古籍和內頁,包含古騰堡聖經書頁與時禱書。(王幸慈 攝影) 位於荷蘭海牙的圖書之家博物館(Huis van het boek)是全世界最老的圖書博物館,前身為收藏家Willem Van Westreenen van Tiellandt男爵(1783-1848)的住宅,其建築與收藏在1852年捐給政府,並開放給大眾參觀。此處擁有大量的歐洲書籍與印刷品的收藏,從中世紀的手抄本、搖籃本至當代圖書,珍稀收藏包含古騰堡聖經、荷蘭第一本印刷版的荷語聖經、內含1515本藏書的微型圖書館(Bibliotheca Thurkowiana Minor)等。成為公共博物館後,除了古籍與藏書票,博物館也持續收藏藝術家和平面設計師創作的出版品或書籍封面。   博物館於2023年夏天推出探究荷蘭植物百科《Flora Batava》的特展,並邀請當代藝術家重新演繹百科裡的插畫與圖像。(王幸慈 攝影) 博物館常設展包含古籍、微型圖書館的展示,亦展出古錢幣、希羅與埃及文明的考古收藏。另一方面,特展則是擇題探究歐洲書籍在印刷與設計史上的演變。在教育活動上,圖書之家博物館則為想親手體驗製書的觀眾提供工作坊,可選擇在週末下午走進博物館閣樓參與。閣樓的空間一分為二,前半部是每週六的鵝毛筆手抄工作坊,後半部是每週日的印刷工作坊,體驗活動由館員引導,不限年齡,亦毋需事先預約。   手抄工作坊一景,模擬昔日抄寫的環境。(王幸慈 攝影) 手抄工作坊的空間模擬當時修士抄寫的環境,包含桌椅、書寫用具和穿著等等。民眾可穿上修士的衣著,化身為抄寫員,以紙張代替過往使用的羊皮紙,練習用鵝毛筆蘸墨水,書寫中世紀手抄本常用的字型。館方透過手工抄寫實作活動,呼應自身豐富的手抄本典藏,民眾更能體會中世紀書籍製作的費心勞力。   手抄本的用具與範例,圖中可見部份參與者將自己的作品留在現場。(王幸慈 攝影)     而在印刷工作坊裡,各式印刷的工具與機器一應俱全,現場可見諸多凸版印刷和活字印刷的成品懸掛在牆上。在操作過程中,從撿字到上油墨,皆是由館員引導民眾在安全的情況下施作。另外,在不仰賴電腦軟體的情況下,進行圖像與文字的排版和印刷,亦是此工作坊帶給民眾的特殊體驗之一。   印刷工作坊裡展示各種印刷的成果。(王幸慈 攝影) 民眾可藉由操作不同的機器,了解不同的印刷流程。(王幸慈 攝影) 圖書之家博物館以自身的步調,耕耘書籍史的研究與展示,給予愛書人沉浸在書本之美的機會。在推廣教育上,亦將視覺體驗成功轉化為觸覺實踐,回歸紙本製書的初心,透過手抄本與活版印刷等體驗活動,為觀眾提供認識書籍的新途徑,拉近紙本書與大眾的距離。 執行編輯:謝佳均
2023/11/22
揭開誰眼中的大清末世?倫敦大英博物館「晚清百態」特展中的弔詭
揭開誰眼中的大清末世?倫敦大英博物館「晚清百態」特展中的弔詭
作者:戴映萱(倫敦大學金匠學院藝術策展碩士、藝術評論工作者) *本文圖像由倫敦大英博物館(British Museum)授權使用 倫敦大英博物館(The British Museum)於今年五月推出特展「晚清百態」(China's Hidden Century),這檔籌備五年的展覽是全球首個涵蓋整個19世紀中國的大型特展,開展後話題不斷。 展覽以〈大清萬年一統地理全圖〉揭開序幕,透過這幅由八個掛軸構成的巨大輿圖展示了大清帝國的曾經的日升,帶出接下來的日落。該展所聚焦的便是1796至1912年間──這一百餘年間,康雍乾所創造的大清帝國盛世步入內憂外患的動盪時代。不論是被西方列強的壓迫、民間起義,抑或面對如雨後春筍般發起的改革運動,皆讓大清國力遭受強烈打擊。   「晚清百態」圍繞在宮廷、軍事、藝術、民間生活和全球交流五大主題,圖為聚焦於軍事的展區。(© The Trustees of the British Museum) 慈禧太后的袍服,1880-1908年,美國紐約大都會博物館館藏。(© The Trustees of the British Museum) 展覽可見歷史教科書中耳熟能詳的名字,包括慈禧太后、晚清大將曾國藩和李鴻章,以及改革派的康有為與梁啟超。並透過這些晚清歷史人物使用的物件,帶領觀眾爬梳各個晚清歷史關鍵時刻。例如,聚焦在社會運動的展區,特別提及「太平天國」──由農民洪秀全起義創建的割據政權是清朝歷史上最大規模的內戰。太平天國雖有書面上的記載,卻鮮少有歷史物件留下。此展將罕見的幾件文物聚集,包括當時鑄造的錢幣,一件極其罕見的洪秀全所著的御馬襖,以及有五爪龍圖案的黃白絲繡兜帽和靴子,可見太平天國當時是如何「挪用」了其敵人清朝傳統上代表帝皇的圖騰與色彩。 內憂之外,西方列強勢力的逼近是長久以來被清朝視為「國恥」的部分。《南京條約》(Treaty of Nanking)〔註釋1〕從英國國家文獻館(The National Archives, UK)借展,是此展最大亮點之一,這份文件革命性地開啟了中國的門戶,決定了香港之後百年的命運。然而,在外來勢力與民間起義之下的晚清,難道真的是如此不堪嗎?   聚焦晚清民間社會的展區從食衣住行和娛樂中探索老百姓在動盪的時代是如何繼續生活並催化物質與視覺文化的創新。(© The Trustees of the British Museum) 大英博物館表示希望藉由此展探究晚清社會是如何在動盪之中催化物質與視覺文化的創新,這一點被體現在民間社會的食衣住行和娛樂的展區。例如,展區中的代表之作,一幀描繪商人陸禧甫的夫人李氏的畫像。在動盪的時代,庶民女子的文獻記載實屬不多,我們所幸透過這幀受西方攝影術影響的畫作略知她的生平。 佚名畫家,李夫人肖像,水墨設色紙本,中國,約 1876 年。陸鶴鳴先生捐贈,經加拿大多倫多皇家安大略博物館許可。(© ROM,© The Trustees of the British Museum) 大英博物館以李氏肖像做為展覽主視覺,為的是展現對女性的重視,除了大多數展品與女性有關,並以清末女性詩人秋瑾的故事為展覽劃下尾聲。然而,這亦為此展受到多數批判的部分:開展不久,詩人暨翻譯家王藝霖(Yilin Wang)指控大英博物館未經同意使用她所翻譯的秋瑾詩作。自此,對於此展的批評聲浪如雨後春筍般湧進,諷刺大英博物館是以帝國主義者的姿態在呈現晚清的面貌,不僅是秋瑾譯作之事,整個展覽的核心概念皆存在著一層層的問題。 作為全球首屈一指的博物館機構,大英博物館在策劃這檔展覽時是否將現今博物館必須身負的「去殖民化」責任拋出腦後?館方表明此展是呈現晚清在動盪時期仍具充沛的生命力,但關於晚清的「中外交流」展區卻顯得弔詭──這些珍奇文物來到英國這塊土地的故事是被忽略的。它們從何而來,又是如何被納入西方人的囊中?如同其弔詭的英文展名一般:隱秘的中國。似乎一切仍以西方人的獵奇心態在看待所謂的「東方」──既遙遠而神秘,唯有他們揭開面紗,才能被仔細探究。 〔註釋1〕1842年,清朝在對英國的第一次鴉片戰爭中戰敗,雙方因而簽訂《南京條約》(Treaty of Nanking)──這是清朝首個因戰敗而簽定的條約。 執行編輯:謝佳均
2023/11/17
不只聽音樂!透過展覽探索音樂的不同形狀:加拿大「國家音樂中心」的跨領域、跨文化展示
不只聽音樂!透過展覽探索音樂的不同形狀:加拿大「國家音樂中心」的跨領域、跨文化展示
作者:蔡振家(國立台灣大學音樂學研究所副教授)、陳佳利(國立台北藝術大學博物館研究所教授) 音樂博物館作為承載集體記憶與認同,連結流行文化與科學,已越來越受到重視。2016年開幕的加拿大國家音樂中心(Studio Bell),位於洛磯山附近卡加利市(Calgary),是遊客搭機探訪落磯山必經之地。音樂中心建築內包含表演場地、錄音設施、廣播工作室,以及博物館。在博物館的常設展中,有兩個表彰重要音樂人的「名人堂」,讓藝術家發展多媒體作品的創意空間,還有讓觀眾演奏樂器的實踐空間。最特別的是位於三樓的展區,主題為「音樂的力量」,試圖將音樂的人文現象與自然科學作連結,以下介紹該樓層的三個展區:音樂與健康、聲音效果、嗓音。   「音樂與健康」展區的影片與展板(陳佳利 攝影)。 「音樂與健康」展區於2022年五月開幕,探索音樂如何促進身心健康。這是加拿大政府特別重視的學術領域,多年來投入了龐大的研究經費。該展區透過短片,讓四位專家講解音樂對於個人和群體的重要性。第一位專家是神經學家,介紹如何利用音樂改善帕金森症患者的運動功能和心理健康,並提到神經科學研究的成果。第二位是音樂治療師,強調歌唱和創作歌曲有助於情緒表達。第三位是音樂心理學家,指出神經科學家對「大腦如何處理音樂」的研究,可以改進音樂治療的實踐。第四位是加拿大的原住民音樂家,強調原住民透過歌曲來傳承本族文化,連結個人和周遭世界,並促進身心健康。 展板文字呼應上述短片的內容,讓人文和科學進行對話。例如,介紹了原住民祭典歌曲的療效之後,展板接著指出,音樂促進人際情感連結的原理涉及腦中的催產素,而當人們跟著音樂一起哼唱時,體內的壓力賀爾蒙濃度會下降。此外,展板還提到音樂治療在北美興起的歷史,包括第二次世界大戰之後,如何以音樂來紓解退伍軍人的心理創傷。   「聲音效果」展區的示範講解活動(陳佳利 攝影)。 展區「聲音效果」陳列了諸多樂器,特別是能發出各種音色的管風琴,它們都用於無聲電影時期的戲院之中。這些沉默的展品,在專人示範演奏時重新獲得生命,奏出一首又一首的電影配樂。演奏者還講解了管風琴所模仿的各種樂器音色,以及這些音色襯托電影場景氛圍的方式。   「嗓音」展區的影片與展板(陳佳利 攝影)。 展區「嗓音」介紹了人類的發聲器官、歌唱文化,以及相關的科技發展。該展區讓幾位來自不同領域的歌手,在短片中介紹他們的歌唱藝術。例如,來自印度的音樂家示範了傳統印度音階的裝飾唱法,Inuit原住民歌手解釋了傳統的喉音唱法如何轉化為beatboxing,非裔饒舌歌手則示範了各種唱念旋律和節奏。 整體而言,加拿大國家音樂中心的常設展除了表彰在地音樂人的成就,讓新秀藝術家和觀眾展現創意之外,最難得的是兼顧了音樂的科學面向,並且跟在地多元族群的觀點結合。這樣的跨領域、跨文化展示,值得我們借鏡。 執行編輯:謝佳均
2023/11/17
無家者的發聲練習,人生百味策劃「大人的寫寫字——無家者經驗書寫展覽」
無家者的發聲練習,人生百味策劃「大人的寫寫字——無家者經驗書寫展覽」
作者:鄧皓勻(國立臺北藝術大學博物館研究所碩士) 「大人的寫寫字——無家者經驗書寫展覽」由人生百味〔註釋1〕和哥姐們所策劃,並於剝皮寮歷史街區展出〔註釋2〕,作為寫寫字工作坊長達6年的成果展。「哥姐們」為人生百味對參與寫寫字工作坊的無家者們的稱呼,工作坊於2018年發起,受移民工文學獎所啟發,期望「哥姐們」也能書寫自己的故事。比起追求辭藻或用字遣詞精確,寫寫字工作坊的最大目的是促使哥姐們「練習表達」。   「寫一典典」展區挑選了幾個和無家者議題相關的字詞,呈現教育部審譯與無家者的定義版本。(鄧皓勻 攝影) 「字裡人間」展區,呈現寫寫字工作坊參與哥姐們的名字與故事。(人生百味 提供) 讓無家者給予『家』不同的定義 展覽分為五個主題。「寫一典典」展區以字典為概念出發,選擇與無家者議題相關、又能與大眾共鳴的字詞,讓哥姐們書寫自己的定義。藉由字詞不同的定義,理解哥姐們的生命經驗。以「家」這個字為例,不同於教育部審譯家為「親人共同生活的場所」,在展覽中可見,寫寫字工作坊引申的定義之一為「一個回不去的地方,很像是一場永遠打不贏的仗」。同時能透過參與工作坊哥姐們的訪談語音,聽到字詞與他們的連結。在「字裡人間」展區中,參觀者可以透過哥姐們的筆跡與想法,認識哥姐們「無家者」以外的個人特質,並以更多元且立體的角度去理解這個「人」。   「字由字在」展區的藝術創作,以船乘載想說的話,黏土代表想表達話語的對象,象徵水流海洋的網子下,則藏著較為私密故事的紙條。(鄧皓勻 攝影) 與無家者生命經驗對話的N種方法 展覽也呈現寫寫字工作坊中多元的書寫形式,例如,「字由字在」展區展出以紙船、石頭以及黏土的創作,使哥姐們透過多元的媒材,書寫給家人、社工,甚至是曾遺失的行李。或是「其來有字」展區,呈現哥姐們的旅遊提案,以及製作過去一年代表字詞的手刻字橡皮章課程。透過種種活動發想,帶領哥姐們練習表達的途徑,也使參觀者理解哥姐們對於不同事物的想法。展覽尾聲「字由心證」,則邀請參觀者以便利貼分享,未來在面對無家者或是不同生命經驗的人時,自己所能採取的行動。   寫寫字工作坊透過多元的活動設計來練習書寫,上圖為活動之一旅遊行程提案。(鄧皓勻 攝影) 透過書寫發聲,搭起相互理解的橋樑 為什麼書寫?為什麼以「字」為媒介?寫寫字工作坊專案負責人昀庭在導覽時表示,文字可以被累積與看見,無家者作為社會邊緣的族群,他們的故事能隨著自己的書寫現身並存在。「大人的寫寫字」讓哥姐們為自己發聲,使得參觀者得以透過哥姐們的書寫成果重新認識他們,藉此消除大眾對「無家者」單一的認識與刻板印象,促進更多元的認識與交流,創造相互理解的橋樑。   〔註釋1〕人生百味於2014年創立,關注都市貧窮、無家者、街賣者與回收議題,持續透過「重建連結」與「深入理解的社會教育」等行動,提供多種讓大眾一起認識議題的管道。 〔註釋2〕「大人的寫寫字——無家者經驗書寫展覽」詳細資訊 展覽日期|2023/11/3 ~ 11/19(週一休館) 時間|週二~四 10:00-18:00、週五~日 10:00-20:30 地點|台北市萬華區康定路173巷 剝皮寮歷史街區 173-13、173-15 執行編輯:謝佳均    
2023/11/16
浮華與腐敗的一線之隔:Cecily Brown紐約大都會博物館個展「死亡與少女」
浮華與腐敗的一線之隔:Cecily Brown紐約大都會博物館個展「死亡與少女」
作者:謝宇婷(高雄市立美術館助理研究員) 斑斕的色彩、流淌的筆觸,藝術史上反覆探究的古典命題融合後疫情時代生活,英國藝術家Cecily Brown的繪畫讓觀者在作品前流連忘返。今年四月於紐約大都會博物館(the MET)開幕的展覽「死亡與少女(Death and the Maid)」(2023.4.4-12.3),展出著名英國女性藝術家Cecily Brown近三十年創作生涯的代表作,包含1998年至今的五十件畫作、素描與手稿。該展是她首次在紐約的博物館個展,可視為藝術生涯的里程碑。   展覽一側入口牆面,展出Cecily Brown的畫作「自拍照(Selfie)」(2020)。(謝宇婷 攝影) 1969年出生的Cecily Brown,畢業自英國藝術名校Slade School of Fine Art,但有別於揚棄繪畫、追求新媒體與觀念藝術的同輩YBA(Young British Artist),她於1994年搬到紐約,持續專注「當時被視為過時」的繪畫。以恣意色彩與大膽筆觸作為標誌性風格,Cecily Brown遊走於具象與抽象之間的表現主義[註釋2],不停回應西方藝術史中歷久彌新的主題,特別是關於死亡、情慾與肉身等。如今,Cecily Brown是世上身價最高的女性藝術家之一,作品在拍賣場可達數百萬美元,也受到知名美術館典藏,如紐約古根漢美術館(Solomon R. Guggenheim Museum)、惠特尼美術館(Whitney Museum of American Art)、泰德現代美術館(Tate Modern)等。 本次「死亡與少女」個展由大都會博物館現當代繪畫部門策展人Ian Alteveer策劃,展名作為文藝復興與浪漫主義時期經常出現的主題[註釋3],Cecily Brown卻將Maiden縮短為Maid,一方面是較為現代化;另一方面也回應藝術家過往從事家務清潔,以支付藝術學校學費的個人經歷。本次展出作品多啟迪自西方藝術史的經典之作,例如象徵死亡終將到來的靜物畫(memento mori,拉丁文的「勿忘你終有一死」;vanitas,虛空畫)、鏡像、死亡與少女等,絢爛色彩下暗指繁華終將落盡,死亡無可避免。   Cecily Brown, Untitled (Vanity), 2005.(攝影:謝宇婷) 展覽中最頻繁出現的元素,莫過於女性對鏡與骷髏頭的視覺錯視畫。1902年美國插畫家Charles Allen Gilbert發表「一切皆是虛無(All is Vanity)」於LIFE雜誌,就描繪一位坐在梳妝檯(vanity table,或單稱vanity)鏡前凝視自己美貌的女性,女人與鏡中的面容經由錯視,形成骷髏頭凹陷的眼窩。Cecily Brown反覆翻玩這個視覺幻象,將對鏡女子改成兩位相對的女子;或兩個女人祥和坐著、兩人中間夾著一隻狗,在看似祥和平靜的畫面中暗藏死亡的寓意。   1998年作品「鎮上唯一的遊戲( The Only Game in Town)」,藝術家則搬弄對鏡凝視的經典主題,同時加上「我妻子和我岳母(My Wife and My Mother-in-Law)」的視覺錯視諷刺。Cecily Brown在訪談中提到她對此主題的著迷,當人凝視鏡中,「世界映照在你面前,但你也得以看見另一個世界」[註釋4]。但藝術家沒有言明的是:為何這類繪畫總以女性作為主角?   Cecily Brown於2005年至2007年期間針對死亡骷髏頭與少女主題的素描水彩畫。(攝影:謝宇婷 回應疫情,藝術家於2020年的畫作「自拍照(Selfie)」更是描繪無數螢幕懸浮空中,螢幕前軟爛的粉色肉體,彷彿再也無力起身扮演「人設」的疲倦之人。鋪天蓋地的螢幕又如同鏡面,映照著無法前往的風景,以及人們渴望成為的形象。另一件2021年至2022年完成的近作「虛榮沉船(Vanity Shipwreck)」,致敬法國畫家Theodore Cericault(1791-1824)跟Eugene Delacroix(1798-1663)的著名船難畫,但迥異於前述兩位畫家描繪的集體災難,Cecily Brown畫中的裸女專注地凝視鏡子,看似對於她周圍的混亂置若罔聞,又或者她是這團風暴的起因?面對此起彼落的疫情,以及全球化年代紛湧而至的圖像與資訊爆炸,你我都彷彿身處混亂之中。   左:Cecily Brown, The Only Game in Town, 1998, Oil on Linen, Rubell Museum, Miami.(謝宇婷攝影) 右:「我妻子和我岳母」視覺錯視圖。 Cecily Brown, Vanity Shipwreck, 2021-22, Oil on linen. (攝影:謝宇婷) 雖然展覽本身規模不大,但作品的細節以及致敬的藝術史內涵相當豐厚,包含荷蘭靜物畫、法國新古典繪畫、吉布森女孩(Gibson Girl)等文化符碼,深刻討論「浮華」與「永恆」的命題[註釋5]。究竟,藝術是作為警醒人類生命有限的工具?或是能超越人類短暫的一生,成為永恆?在大都會博物館這座收藏人類歷代文明精華的寶庫思索此問題,也許再合適不過。 無論是先參觀大都會博物館的古典繪畫展區,或是看完Cecily Brown個展後再前往對照,都相當值得咀嚼玩味。特別是當代女性藝術家,如何翻轉過往男性藝術家的作品中的性別框架,還是再次服膺所謂正典(canon)?更是作為當代觀眾在欣賞作品時值得思索的課題。   註釋1:藝術家在訪談中提到,她不特別區分自己屬於具象或抽象繪畫,「人們常區別『抽象』跟『具象』,但事實上,你如何兼具兩者?」。 註釋2:維基百科Death and the Maiden條目中列出許多畫家針對該主題的創作。該主題也廣受其他領域創作者探究,浪漫主義作曲家舒伯特受德國詩人Matthias Claudius的詩作Der Tod und das Mädchen(德文的Death and the Madien)啟發,1817年譜寫同名歌曲,以少女跟死神的對話為歌詞,並在1824年譜寫同名的弦樂四重奏,又稱《第十四d小調弦樂四重奏》。1994年波蘭名導Roman Polanski的電影也以此為名,刻劃女性與其施暴者之間錯縱複雜的關係。 註釋3:原句「It’s the world reflected back at you, but you also feel like you’re seeing into another world.」。 註釋4:描摹照片與他人畫作是Cecily Brown內化藝術史的一種方式,她形容自己是「鳩佔鵲巢」的鳩(magpie),工作桌上隨時散落著無數當代雜誌畫報與古典繪畫圖像。
2023/11/09
為國家故事的話語權而戰!烏克蘭戰爭藝術特展
為國家故事的話語權而戰!烏克蘭戰爭藝術特展
作者:王郁婷(德國萊比錫大學宗教學研究所研究生) 國與國間若爆發衝突,人們不僅為領土而戰,也得為國家故事的話語權而戰。「若我們失去文化,我們便失去了身份。」烏克蘭利沃夫市議會遺產保護辦公室(Lviv’s City Council Heritage Protection Office)負責人Lilya Onyshchenko說道[註1]。 博物館與文化機構對於保護國家身份不被抹殺、以及在戰後將其振興與重構,發揮著舉足輕重的影響力。2022年2月24日俄羅斯侵略烏克蘭至今,歐洲各地的博物館和畫廊紛紛發表聲明支持烏克蘭,並透過大量展覽與研究計畫,協助保存烏克蘭的遺產和文化。柏林博德博物館(Bode Museum)也與烏克蘭藝評家Olesia Sobkovych合作策畫了「永恆—烏克蘭當代戰時藝術(Timeless Contemporary Ukrainian Art in Times of War)」特展(2023.03.17-2024.03.17),邀請十位烏克蘭藝術家與博物館收藏的中世紀藝術品進行對話。   圖1:圖正中為德意志雕刻家Michael Erhart作品Virgin of Mercy(ca. 1480),圖左為烏克蘭藝術家Oleg Gryshchenko作品The Holy Virgin Cover of the Armed Forces of Ukraine(2022),圖右為烏克蘭藝術家Alla Sorochan作品Volunteer Movement(2015)。在哥薩克人的信仰中,瑪利亞是面對敵人時的保護者和調停者。到了十七世紀末十八世紀初,更形成了獨特的圖像學符號「The Holy Virgin’s Protection」。因此根據烏克蘭傳統,Virgin of Mercy雕像的構圖模式衍伸出了更深一層的民族認同含意,瑪利亞成為張開斗篷守護戰士們的聖人。(王郁婷 攝影)   從烏克蘭到柏林的策展脈絡 Olesia Sobkovych曾任職於烏克蘭國家歷史博物館(National Museum of the History of Ukraine in the Second World War, Kyiv),2022年因戰爭被迫離開家鄉。以20世紀末至21世紀初烏克蘭當代藝術為專業的她,在恩斯特·馮·西門斯藝術基金會(Ernst von Siemens Kunststiftung)的資助下於博德博物館繼續研究。該博物館位於柏林博物館島,收藏了3至18世紀的雕塑和拜占庭帝國藝術品,其中多以基督宗教為主題。這些藏品乍看與當代烏克蘭藝術毫無相干,但許多表現形式和題材卻是當代烏克蘭藝術家創作的基礎及靈感來源。博物館雕塑收藏負責人Paul Hoffman表示:「在中世紀,藝術品常常喚起『恐懼、絕望、悲傷和死亡』,而這也是烏克蘭人民此刻在面對殘酷戰爭的感受。」   圖2:圖右為義大利雕刻家Tullio Lombardo作品Schield-Bearers(ca.1495),圖左為烏克蘭藝術家Matvei Vaisberg作品Thin Red Line, Part Three(2022)。跨越數世紀的兩組作品同樣以年輕戰士為題材,並承載著殘酷戰爭的歷史重量:Schield-Bearers在第二次世界大戰中被摧殘,展現了戰爭對文化遺產保存的災難性影響;Thin Red Line系列則以細碎的筆觸、古典戰士的構圖呈現烏克蘭士兵們在Mariupol的英勇抗敵。(王郁婷 攝影)   融入常設展,一場跨世紀的情感對話 俄羅斯軍隊自2014年以來多次入侵烏克蘭領土,本次展出十位烏克蘭畫家於2014年至2022年間的創作,其中蘊含的豐沛情感,反映出烏克蘭人徹底改變的生活和動蕩的精神世界。特展並非獨立展區,而是將烏克蘭藝術作品加入博德博物館常設展,巧妙融入各處展廳,並提供英文、德文、烏克蘭文的解說。例如,在掛滿聖母懷抱聖子主題的展廳裡,陡然出現一幅烏克蘭母親懷抱幼子的畫作,其親子之情、宗教性的神聖感受,讓參觀者更能強烈體會到跨越數世紀的情緒碰撞與共鳴。   圖3:圖中央雕像為德意志藝術家Hans Leinberger作品Man of Sorrows(ca. 1525),雕像右側小幅畫作為烏克蘭藝術家Sergii Radkevych作品Hrib Hospodnii(2022)。「永恆—烏克蘭當代戰時藝術」特展並非獨立展區,而是將烏克蘭藝術家們的作品融入博德博物館常設展中。(王郁婷 攝影)   烏克蘭或俄羅斯?博物館的文化反思使命 文化遺產代表著人民的身份認同,標誌著角色與地位,是人們在世界地圖上的路標。然而早在19世紀末,便有大量的烏克蘭文化遺產被送至現在俄羅斯聯邦境內,成為「偉大的俄羅斯文化」的一部分。隨著戰火蔓延,歐洲藝術界此刻迫切需要了解烏克蘭文化的身份,並重新省思「俄羅斯」與「烏克蘭」藝術的定義和界限。 2022年,倫敦國家美術館(National Gallery, London)已將Edgar Degas的畫作「俄羅斯舞者」系列更名為「烏克蘭舞者」。一如Olesia Sobkovych曾在採訪中所說:「我相信文化與藝術能幫助我們每個人找到自己的身份、理解自己的國家與這個世界的關係……這很重要,因為這展示了每種文化的獨特性、教導人們尊重這些文化,並鼓勵將不同文化間的相互影響視為彼此豐富的過程,而不是走向毀滅」[註2]。   註釋1:From Berlin to Tallinn, Ukrainian art is being amplified in exhibitions across Europe  註釋2:A conversation with Ukrainian art critic Olesia Sobkovych 執行編輯:郭冠廷
2023/11/03
人類終將離開地球?日耳曼國家博物館「移民歷史與未來」特展
人類終將離開地球?日耳曼國家博物館「移民歷史與未來」特展
作者:楊蕬瑋(國立臺南藝術大學博物館學與古物維護研究所碩士、圖像設計及文字工作者) 你曾想過要移民嗎?什麼原因讓你決定走向移民呢?位於德國紐倫堡的日耳曼國家博物館(das Germanisches Nationalmuseum)當前特展「視野:移民歷史與未來(Horizons. Histories And Futures of Migration)」(2023.3.30-9.10),帶領觀眾踏上從石器時代到太空的未知旅程,探討移民的過去、現在和未來發展! 特展共分為四大部分:「啟程(Setting off)」、「沿途(Routes)」、「抵達(Arrival)」以及「未來(Future)」。主視覺海報設計描繪了海上即將迎來風暴的模樣,遠方地平線上卻透著溫暖陽光,呈現移民生活雖然動盪而恐懼,移民者仍能透過音樂、藝術與文化邁往心之所向,藉著這股力量克服挑戰、療癒自我,最後發現希望並航向另一個遠方。 特展展場一隅。本次展覽彙集了不同時期的畫作、文物、影像與檔案等資料,呈現四個展區不同階段的移民歷程。(Photo: GNM, Felix Roeser) 博物館大廳後方展示藝術家Raffael Rheinsberg於1993-94年間柏林圍牆倒塌後的創作「首都(Hauptstadt)」,牆面裝置由282個原東柏林街道標誌組成。此為博物館為呼應特展的選件,另有12件作品分佈於其他展廳之中。(楊蕬瑋 攝影)   「若非因為更好的條件,沒有人會選擇移民。(No one emigrates without the promise of something better.)」 這句話出自作家Hans Magnus Enzensberger於1992年的作品《大遷徙(The Great Migration)》,也是整個展覽的主要脈絡。第一展區「啟程(Setting off)」探討著人們離開的種種理由,從文學作品、畫作以及常民收藏可以發現,有些離開是做好了萬全準備;有些則是倉皇逃生。展場中運用許多古今呼應的手法呈現展品,例如展牆並列展示了     1830年殖民地商品供應商的廣告牌,以及2019年德國傳統木匠進行學徒之旅的攝影[註釋1],說明不論兩百年前或如今,都有因職業而前往異鄉的人。           左圖展品為1830年代殖民地商品供應商的廣告牌;右圖是Dominik和Benjamin Reding攝影系列Kluft+Haut (2019)中的研究對象之一:木匠Marie-Odile,兩者皆為因職業而踏上移民旅程。(楊蕬瑋 攝影) 第二展區「沿途(Routes)」展示各種情境下的移民之旅。(楊蕬瑋 攝影)   家在何方?移民途中的磨難 特展第二、三「沿途(Routes)」、「抵達(Arrival)」展區則呈現了移民途中可能經歷的磨難,以及抵達後的身份認同掙扎。由希望計畫(Collective work of artists of the Hope Project Greece, 2019)製作的現代摩西作品,以聖經故事為創作靈感,描述希臘難民潮的問題與移民經歷,也讓觀眾能藉此思考2022年俄烏戰爭爆發後,大量烏克蘭難民來到德國的處境。 第三展區中有許多檔案資料、照片、書信等,尤其是二戰後德國人從鄰國被驅逐,返回德國難民營的影像,呈現目前德國家庭可能潛藏的家族歷史,讓筆者印象深刻;另外1960年代土耳其移工來到德國的檔案資料,描述了移工於德國社會的重要性與影響,也讓人反思臺灣移工議題與移民政策。 第三展區「抵達(Arrival)」,展示二戰後被驅逐的德國人重新回到母國,建立新生活的影像及相關檔案文件資料。(楊蕬瑋 攝影)   展場中也彙整與移民有關的圖冊與書籍,讓觀眾自由翻閱,透過多元經歷與表述,觀眾能了解不同時空背景下的移民故事。當展覽逐漸進入尾聲,策展人開始向觀眾提問,讓觀眾以留言方式作為串場,例如展場提供留言冊,讓觀眾寫下「自己出生何處?現在居住何處?最終要停留何處?」等提問。圓形閱讀區域旁的牆面上也讓觀眾以便條紙回答問題,其中一個問題是「『家』你會想到什麼?」,藉此讓觀眾反思自身的現況,與可能面對的未來。   圓形閱讀區中彙整了與移民有關的圖冊與書籍,供觀眾自由翻閱,營造提閱讀與反思的空間。(楊蕬瑋 攝影)   真正的移民時代,才剛剛開始! 「What is worth more, art or life?(哪個更有價值?藝術還是生命?)」,這一年來,氣候正義團體「最後一代」不斷在歐洲知名博物館中訴求此議題。來到特展的最後一個展區「未來(Future)」,也從移民角度探討氣候變遷問題,當前的氣候危機已經迫使許多人離開家鄉,且情況在未來只會加劇。然而,在現實與想像中,未來的我們可能不再只是地球人,展覽最後運用了新的視野,展示太空科學和虛構的科幻故事,刺激觀眾的想像。 「What is worth more, protect it or leave it?(哪個更有價值?保護它還是離開它?)」,離開也許不是最好的答案,但也必然有更好的條件促使我們做出離開的選擇。所幸有博物館蒐藏前人足跡、紀錄每一段故事,當移民的課題來臨時我們將能以更多元的視野面對,不用感到孤單,而能勇敢前進。 第四展區「未來(Future)」將太空科學和虛構的科幻故事相應呈現,讓觀眾思考不同的可能性。(楊蕬瑋 攝影) 註釋1:德國傳統工匠在結束學徒生涯後,會踏上一段為期三年的旅程,精進技術累積經驗也向大師學習建立人脈,而他們稱這趟旅程為「Walz」。   執行編輯:郭冠廷
2023/10/31