博物之島 MUSEUMS

作者：戴映萱（倫敦大學金匠學院藝術策展碩士、藝術評論工作者） ＊本文圖像由倫敦大英博物館(British Museum)授權使用 倫敦大英博物館（The British Museum）於今年五月推出特展「晚清百態」（China's Hidden Century），這檔籌備五年的展覽是全球首個涵蓋整個19世紀中國的大型特展，開展後話題不斷。 展覽以〈大清萬年一統地理全圖〉揭開序幕，透過這幅由八個掛軸構成的巨大輿圖展示了大清帝國的曾經的日升，帶出接下來的日落。該展所聚焦的便是1796至1912年間──這一百餘年間，康雍乾所創造的大清帝國盛世步入內憂外患的動盪時代。不論是被西方列強的壓迫、民間起義，抑或面對如雨後春筍般發起的改革運動，皆讓大清國力遭受強烈打擊。   「晚清百態」圍繞在宮廷、軍事、藝術、民間生活和全球交流五大主題，圖為聚焦於軍事的展區。（© The Trustees of the British Museum） 慈禧太后的袍服，1880-1908年，美國紐約大都會博物館館藏。（© The Trustees of the British Museum） 展覽可見歷史教科書中耳熟能詳的名字，包括慈禧太后、晚清大將曾國藩和李鴻章，以及改革派的康有為與梁啟超。並透過這些晚清歷史人物使用的物件，帶領觀眾爬梳各個晚清歷史關鍵時刻。例如，聚焦在社會運動的展區，特別提及「太平天國」──由農民洪秀全起義創建的割據政權是清朝歷史上最大規模的內戰。太平天國雖有書面上的記載，卻鮮少有歷史物件留下。此展將罕見的幾件文物聚集，包括當時鑄造的錢幣，一件極其罕見的洪秀全所著的御馬襖，以及有五爪龍圖案的黃白絲繡兜帽和靴子，可見太平天國當時是如何「挪用」了其敵人清朝傳統上代表帝皇的圖騰與色彩。 內憂之外，西方列強勢力的逼近是長久以來被清朝視為「國恥」的部分。《南京條約》（Treaty of Nanking）〔註釋1〕從英國國家文獻館（The National Archives, UK）借展，是此展最大亮點之一，這份文件革命性地開啟了中國的門戶，決定了香港之後百年的命運。然而，在外來勢力與民間起義之下的晚清，難道真的是如此不堪嗎？   聚焦晚清民間社會的展區從食衣住行和娛樂中探索老百姓在動盪的時代是如何繼續生活並催化物質與視覺文化的創新。（© The Trustees of the British Museum） 大英博物館表示希望藉由此展探究晚清社會是如何在動盪之中催化物質與視覺文化的創新，這一點被體現在民間社會的食衣住行和娛樂的展區。例如，展區中的代表之作，一幀描繪商人陸禧甫的夫人李氏的畫像。在動盪的時代，庶民女子的文獻記載實屬不多，我們所幸透過這幀受西方攝影術影響的畫作略知她的生平。 佚名畫家，李夫人肖像，水墨設色紙本，中國，約 1876 年。陸鶴鳴先生捐贈，經加拿大多倫多皇家安大略博物館許可。（© ROM，© The Trustees of the British Museum) 大英博物館以李氏肖像做為展覽主視覺，為的是展現對女性的重視，除了大多數展品與女性有關，並以清末女性詩人秋瑾的故事為展覽劃下尾聲。然而，這亦為此展受到多數批判的部分：開展不久，詩人暨翻譯家王藝霖（Yilin Wang）指控大英博物館未經同意使用她所翻譯的秋瑾詩作。自此，對於此展的批評聲浪如雨後春筍般湧進，諷刺大英博物館是以帝國主義者的姿態在呈現晚清的面貌，不僅是秋瑾譯作之事，整個展覽的核心概念皆存在著一層層的問題。 作為全球首屈一指的博物館機構，大英博物館在策劃這檔展覽時是否將現今博物館必須身負的「去殖民化」責任拋出腦後？館方表明此展是呈現晚清在動盪時期仍具充沛的生命力，但關於晚清的「中外交流」展區卻顯得弔詭──這些珍奇文物來到英國這塊土地的故事是被忽略的。它們從何而來，又是如何被納入西方人的囊中？如同其弔詭的英文展名一般：隱秘的中國。似乎一切仍以西方人的獵奇心態在看待所謂的「東方」──既遙遠而神秘，唯有他們揭開面紗，才能被仔細探究。 〔註釋1〕1842年，清朝在對英國的第一次鴉片戰爭中戰敗，雙方因而簽訂《南京條約》（Treaty of Nanking）──這是清朝首個因戰敗而簽定的條約。 執行編輯：謝佳均

作者：蔡振家（國立台灣大學音樂學研究所副教授）、陳佳利（國立台北藝術大學博物館研究所教授） 音樂博物館作為承載集體記憶與認同，連結流行文化與科學，已越來越受到重視。2016年開幕的加拿大國家音樂中心(Studio Bell)，位於洛磯山附近卡加利市(Calgary)，是遊客搭機探訪落磯山必經之地。音樂中心建築內包含表演場地、錄音設施、廣播工作室，以及博物館。在博物館的常設展中，有兩個表彰重要音樂人的「名人堂」，讓藝術家發展多媒體作品的創意空間，還有讓觀眾演奏樂器的實踐空間。最特別的是位於三樓的展區，主題為「音樂的力量」，試圖將音樂的人文現象與自然科學作連結，以下介紹該樓層的三個展區：音樂與健康、聲音效果、嗓音。   「音樂與健康」展區的影片與展板（陳佳利 攝影）。 「音樂與健康」展區於2022年五月開幕，探索音樂如何促進身心健康。這是加拿大政府特別重視的學術領域，多年來投入了龐大的研究經費。該展區透過短片，讓四位專家講解音樂對於個人和群體的重要性。第一位專家是神經學家，介紹如何利用音樂改善帕金森症患者的運動功能和心理健康，並提到神經科學研究的成果。第二位是音樂治療師，強調歌唱和創作歌曲有助於情緒表達。第三位是音樂心理學家，指出神經科學家對「大腦如何處理音樂」的研究，可以改進音樂治療的實踐。第四位是加拿大的原住民音樂家，強調原住民透過歌曲來傳承本族文化，連結個人和周遭世界，並促進身心健康。 展板文字呼應上述短片的內容，讓人文和科學進行對話。例如，介紹了原住民祭典歌曲的療效之後，展板接著指出，音樂促進人際情感連結的原理涉及腦中的催產素，而當人們跟著音樂一起哼唱時，體內的壓力賀爾蒙濃度會下降。此外，展板還提到音樂治療在北美興起的歷史，包括第二次世界大戰之後，如何以音樂來紓解退伍軍人的心理創傷。   「聲音效果」展區的示範講解活動（陳佳利 攝影）。 展區「聲音效果」陳列了諸多樂器，特別是能發出各種音色的管風琴，它們都用於無聲電影時期的戲院之中。這些沉默的展品，在專人示範演奏時重新獲得生命，奏出一首又一首的電影配樂。演奏者還講解了管風琴所模仿的各種樂器音色，以及這些音色襯托電影場景氛圍的方式。   「嗓音」展區的影片與展板（陳佳利 攝影）。 展區「嗓音」介紹了人類的發聲器官、歌唱文化，以及相關的科技發展。該展區讓幾位來自不同領域的歌手，在短片中介紹他們的歌唱藝術。例如，來自印度的音樂家示範了傳統印度音階的裝飾唱法，Inuit原住民歌手解釋了傳統的喉音唱法如何轉化為beatboxing，非裔饒舌歌手則示範了各種唱念旋律和節奏。 整體而言，加拿大國家音樂中心的常設展除了表彰在地音樂人的成就，讓新秀藝術家和觀眾展現創意之外，最難得的是兼顧了音樂的科學面向，並且跟在地多元族群的觀點結合。這樣的跨領域、跨文化展示，值得我們借鏡。 執行編輯：謝佳均

作者：鄧皓勻（國立臺北藝術大學博物館研究所碩士） 「大人的寫寫字——無家者經驗書寫展覽」由人生百味〔註釋1〕和哥姐們所策劃，並於剝皮寮歷史街區展出〔註釋2〕，作為寫寫字工作坊長達6年的成果展。「哥姐們」為人生百味對參與寫寫字工作坊的無家者們的稱呼，工作坊於2018年發起，受移民工文學獎所啟發，期望「哥姐們」也能書寫自己的故事。比起追求辭藻或用字遣詞精確，寫寫字工作坊的最大目的是促使哥姐們「練習表達」。   「寫一典典」展區挑選了幾個和無家者議題相關的字詞，呈現教育部審譯與無家者的定義版本。（鄧皓勻 攝影） 「字裡人間」展區，呈現寫寫字工作坊參與哥姐們的名字與故事。（人生百味 提供） 讓無家者給予『家』不同的定義 展覽分為五個主題。「寫一典典」展區以字典為概念出發，選擇與無家者議題相關、又能與大眾共鳴的字詞，讓哥姐們書寫自己的定義。藉由字詞不同的定義，理解哥姐們的生命經驗。以「家」這個字為例，不同於教育部審譯家為「親人共同生活的場所」，在展覽中可見，寫寫字工作坊引申的定義之一為「一個回不去的地方，很像是一場永遠打不贏的仗」。同時能透過參與工作坊哥姐們的訪談語音，聽到字詞與他們的連結。在「字裡人間」展區中，參觀者可以透過哥姐們的筆跡與想法，認識哥姐們「無家者」以外的個人特質，並以更多元且立體的角度去理解這個「人」。   「字由字在」展區的藝術創作，以船乘載想說的話，黏土代表想表達話語的對象，象徵水流海洋的網子下，則藏著較為私密故事的紙條。（鄧皓勻 攝影） 與無家者生命經驗對話的N種方法 展覽也呈現寫寫字工作坊中多元的書寫形式，例如，「字由字在」展區展出以紙船、石頭以及黏土的創作，使哥姐們透過多元的媒材，書寫給家人、社工，甚至是曾遺失的行李。或是「其來有字」展區，呈現哥姐們的旅遊提案，以及製作過去一年代表字詞的手刻字橡皮章課程。透過種種活動發想，帶領哥姐們練習表達的途徑，也使參觀者理解哥姐們對於不同事物的想法。展覽尾聲「字由心證」，則邀請參觀者以便利貼分享，未來在面對無家者或是不同生命經驗的人時，自己所能採取的行動。   寫寫字工作坊透過多元的活動設計來練習書寫，上圖為活動之一旅遊行程提案。（鄧皓勻 攝影） 透過書寫發聲，搭起相互理解的橋樑 為什麼書寫？為什麼以「字」為媒介？寫寫字工作坊專案負責人昀庭在導覽時表示，文字可以被累積與看見，無家者作為社會邊緣的族群，他們的故事能隨著自己的書寫現身並存在。「大人的寫寫字」讓哥姐們為自己發聲，使得參觀者得以透過哥姐們的書寫成果重新認識他們，藉此消除大眾對「無家者」單一的認識與刻板印象，促進更多元的認識與交流，創造相互理解的橋樑。   〔註釋1〕人生百味於2014年創立，關注都市貧窮、無家者、街賣者與回收議題，持續透過「重建連結」與「深入理解的社會教育」等行動，提供多種讓大眾一起認識議題的管道。 〔註釋2〕「大人的寫寫字——無家者經驗書寫展覽」詳細資訊 展覽日期｜2023／11／3 ～ 11／19（週一休館） 時間｜週二～四 10:00-18:00、週五～日 10:00-20:30 地點｜台北市萬華區康定路173巷 剝皮寮歷史街區 173-13、173-15 執行編輯：謝佳均    

作者：謝宇婷（高雄市立美術館助理研究員） 斑斕的色彩、流淌的筆觸，藝術史上反覆探究的古典命題融合後疫情時代生活，英國藝術家Cecily Brown的繪畫讓觀者在作品前流連忘返。今年四月於紐約大都會博物館(the MET)開幕的展覽「死亡與少女(Death and the Maid)」（2023.4.4-12.3），展出著名英國女性藝術家Cecily Brown近三十年創作生涯的代表作，包含1998年至今的五十件畫作、素描與手稿。該展是她首次在紐約的博物館個展，可視為藝術生涯的里程碑。   展覽一側入口牆面，展出Cecily Brown的畫作「自拍照(Selfie)」（2020）。（謝宇婷 攝影） 1969年出生的Cecily Brown，畢業自英國藝術名校Slade School of Fine Art，但有別於揚棄繪畫、追求新媒體與觀念藝術的同輩YBA（Young British Artist），她於1994年搬到紐約，持續專注「當時被視為過時」的繪畫。以恣意色彩與大膽筆觸作為標誌性風格，Cecily Brown遊走於具象與抽象之間的表現主義[註釋2]，不停回應西方藝術史中歷久彌新的主題，特別是關於死亡、情慾與肉身等。如今，Cecily Brown是世上身價最高的女性藝術家之一，作品在拍賣場可達數百萬美元，也受到知名美術館典藏，如紐約古根漢美術館(Solomon R. Guggenheim Museum)、惠特尼美術館(Whitney Museum of American Art)、泰德現代美術館(Tate Modern)等。 本次「死亡與少女」個展由大都會博物館現當代繪畫部門策展人Ian Alteveer策劃，展名作為文藝復興與浪漫主義時期經常出現的主題[註釋3]，Cecily Brown卻將Maiden縮短為Maid，一方面是較為現代化；另一方面也回應藝術家過往從事家務清潔，以支付藝術學校學費的個人經歷。本次展出作品多啟迪自西方藝術史的經典之作，例如象徵死亡終將到來的靜物畫（memento mori，拉丁文的「勿忘你終有一死」；vanitas，虛空畫）、鏡像、死亡與少女等，絢爛色彩下暗指繁華終將落盡，死亡無可避免。   Cecily Brown, Untitled (Vanity), 2005.（攝影：謝宇婷） 展覽中最頻繁出現的元素，莫過於女性對鏡與骷髏頭的視覺錯視畫。1902年美國插畫家Charles Allen Gilbert發表「一切皆是虛無(All is Vanity)」於LIFE雜誌，就描繪一位坐在梳妝檯（vanity table，或單稱vanity）鏡前凝視自己美貌的女性，女人與鏡中的面容經由錯視，形成骷髏頭凹陷的眼窩。Cecily Brown反覆翻玩這個視覺幻象，將對鏡女子改成兩位相對的女子；或兩個女人祥和坐著、兩人中間夾著一隻狗，在看似祥和平靜的畫面中暗藏死亡的寓意。   1998年作品「鎮上唯一的遊戲( The Only Game in Town)」，藝術家則搬弄對鏡凝視的經典主題，同時加上「我妻子和我岳母(My Wife and My Mother-in-Law)」的視覺錯視諷刺。Cecily Brown在訪談中提到她對此主題的著迷，當人凝視鏡中，「世界映照在你面前，但你也得以看見另一個世界」[註釋4]。但藝術家沒有言明的是：為何這類繪畫總以女性作為主角？   Cecily Brown於2005年至2007年期間針對死亡骷髏頭與少女主題的素描水彩畫。（攝影：謝宇婷 回應疫情，藝術家於2020年的畫作「自拍照(Selfie)」更是描繪無數螢幕懸浮空中，螢幕前軟爛的粉色肉體，彷彿再也無力起身扮演「人設」的疲倦之人。鋪天蓋地的螢幕又如同鏡面，映照著無法前往的風景，以及人們渴望成為的形象。另一件2021年至2022年完成的近作「虛榮沉船(Vanity Shipwreck)」，致敬法國畫家Theodore Cericault(1791-1824)跟Eugene Delacroix(1798-1663)的著名船難畫，但迥異於前述兩位畫家描繪的集體災難，Cecily Brown畫中的裸女專注地凝視鏡子，看似對於她周圍的混亂置若罔聞，又或者她是這團風暴的起因？面對此起彼落的疫情，以及全球化年代紛湧而至的圖像與資訊爆炸，你我都彷彿身處混亂之中。   左：Cecily Brown, The Only Game in Town, 1998, Oil on Linen, Rubell Museum, Miami.(謝宇婷攝影) 右：「我妻子和我岳母」視覺錯視圖。 Cecily Brown, Vanity Shipwreck, 2021-22, Oil on linen. （攝影：謝宇婷） 雖然展覽本身規模不大，但作品的細節以及致敬的藝術史內涵相當豐厚，包含荷蘭靜物畫、法國新古典繪畫、吉布森女孩（Gibson Girl）等文化符碼，深刻討論「浮華」與「永恆」的命題[註釋5]。究竟，藝術是作為警醒人類生命有限的工具？或是能超越人類短暫的一生，成為永恆？在大都會博物館這座收藏人類歷代文明精華的寶庫思索此問題，也許再合適不過。 無論是先參觀大都會博物館的古典繪畫展區，或是看完Cecily Brown個展後再前往對照，都相當值得咀嚼玩味。特別是當代女性藝術家，如何翻轉過往男性藝術家的作品中的性別框架，還是再次服膺所謂正典（canon）？更是作為當代觀眾在欣賞作品時值得思索的課題。   註釋1：藝術家在訪談中提到，她不特別區分自己屬於具象或抽象繪畫，「人們常區別『抽象』跟『具象』，但事實上，你如何兼具兩者？」。 註釋2:維基百科Death and the Maiden條目中列出許多畫家針對該主題的創作。該主題也廣受其他領域創作者探究，浪漫主義作曲家舒伯特受德國詩人Matthias Claudius的詩作Der Tod und das Mädchen（德文的Death and the Madien）啟發，1817年譜寫同名歌曲，以少女跟死神的對話為歌詞，並在1824年譜寫同名的弦樂四重奏，又稱《第十四d小調弦樂四重奏》。1994年波蘭名導Roman Polanski的電影也以此為名，刻劃女性與其施暴者之間錯縱複雜的關係。 註釋3:原句「It’s the world reflected back at you, but you also feel like you’re seeing into another world.」。 註釋4：描摹照片與他人畫作是Cecily Brown內化藝術史的一種方式，她形容自己是「鳩佔鵲巢」的鳩（magpie），工作桌上隨時散落著無數當代雜誌畫報與古典繪畫圖像。

作者：王郁婷（德國萊比錫大學宗教學研究所研究生） 國與國間若爆發衝突，人們不僅為領土而戰，也得為國家故事的話語權而戰。「若我們失去文化，我們便失去了身份。」烏克蘭利沃夫市議會遺產保護辦公室(Lviv’s City Council Heritage Protection Office)負責人Lilya Onyshchenko說道[註1]。 博物館與文化機構對於保護國家身份不被抹殺、以及在戰後將其振興與重構，發揮著舉足輕重的影響力。2022年2月24日俄羅斯侵略烏克蘭至今，歐洲各地的博物館和畫廊紛紛發表聲明支持烏克蘭，並透過大量展覽與研究計畫，協助保存烏克蘭的遺產和文化。柏林博德博物館(Bode Museum)也與烏克蘭藝評家Olesia Sobkovych合作策畫了「永恆—烏克蘭當代戰時藝術(Timeless Contemporary Ukrainian Art in Times of War)」特展（2023.03.17-2024.03.17），邀請十位烏克蘭藝術家與博物館收藏的中世紀藝術品進行對話。   圖1：圖正中為德意志雕刻家Michael Erhart作品Virgin of Mercy（ca. 1480），圖左為烏克蘭藝術家Oleg Gryshchenko作品The Holy Virgin Cover of the Armed Forces of Ukraine（2022），圖右為烏克蘭藝術家Alla Sorochan作品Volunteer Movement（2015）。在哥薩克人的信仰中，瑪利亞是面對敵人時的保護者和調停者。到了十七世紀末十八世紀初，更形成了獨特的圖像學符號「The Holy Virgin’s Protection」。因此根據烏克蘭傳統，Virgin of Mercy雕像的構圖模式衍伸出了更深一層的民族認同含意，瑪利亞成為張開斗篷守護戰士們的聖人。（王郁婷 攝影）   從烏克蘭到柏林的策展脈絡 Olesia Sobkovych曾任職於烏克蘭國家歷史博物館(National Museum of the History of Ukraine in the Second World War, Kyiv)，2022年因戰爭被迫離開家鄉。以20世紀末至21世紀初烏克蘭當代藝術為專業的她，在恩斯特·馮·西門斯藝術基金會（Ernst von Siemens Kunststiftung）的資助下於博德博物館繼續研究。該博物館位於柏林博物館島，收藏了3至18世紀的雕塑和拜占庭帝國藝術品，其中多以基督宗教為主題。這些藏品乍看與當代烏克蘭藝術毫無相干，但許多表現形式和題材卻是當代烏克蘭藝術家創作的基礎及靈感來源。博物館雕塑收藏負責人Paul Hoffman表示：「在中世紀，藝術品常常喚起『恐懼、絕望、悲傷和死亡』，而這也是烏克蘭人民此刻在面對殘酷戰爭的感受。」   圖2：圖右為義大利雕刻家Tullio Lombardo作品Schield-Bearers（ca.1495），圖左為烏克蘭藝術家Matvei Vaisberg作品Thin Red Line, Part Three（2022）。跨越數世紀的兩組作品同樣以年輕戰士為題材，並承載著殘酷戰爭的歷史重量：Schield-Bearers在第二次世界大戰中被摧殘，展現了戰爭對文化遺產保存的災難性影響；Thin Red Line系列則以細碎的筆觸、古典戰士的構圖呈現烏克蘭士兵們在Mariupol的英勇抗敵。（王郁婷 攝影）   融入常設展，一場跨世紀的情感對話 俄羅斯軍隊自2014年以來多次入侵烏克蘭領土，本次展出十位烏克蘭畫家於2014年至2022年間的創作，其中蘊含的豐沛情感，反映出烏克蘭人徹底改變的生活和動蕩的精神世界。特展並非獨立展區，而是將烏克蘭藝術作品加入博德博物館常設展，巧妙融入各處展廳，並提供英文、德文、烏克蘭文的解說。例如，在掛滿聖母懷抱聖子主題的展廳裡，陡然出現一幅烏克蘭母親懷抱幼子的畫作，其親子之情、宗教性的神聖感受，讓參觀者更能強烈體會到跨越數世紀的情緒碰撞與共鳴。   圖3：圖中央雕像為德意志藝術家Hans Leinberger作品Man of Sorrows（ca. 1525），雕像右側小幅畫作為烏克蘭藝術家Sergii Radkevych作品Hrib Hospodnii（2022）。「永恆—烏克蘭當代戰時藝術」特展並非獨立展區，而是將烏克蘭藝術家們的作品融入博德博物館常設展中。（王郁婷 攝影）   烏克蘭或俄羅斯？博物館的文化反思使命 文化遺產代表著人民的身份認同，標誌著角色與地位，是人們在世界地圖上的路標。然而早在19世紀末，便有大量的烏克蘭文化遺產被送至現在俄羅斯聯邦境內，成為「偉大的俄羅斯文化」的一部分。隨著戰火蔓延，歐洲藝術界此刻迫切需要了解烏克蘭文化的身份，並重新省思「俄羅斯」與「烏克蘭」藝術的定義和界限。 2022年，倫敦國家美術館(National Gallery, London)已將Edgar Degas的畫作「俄羅斯舞者」系列更名為「烏克蘭舞者」。一如Olesia Sobkovych曾在採訪中所說：「我相信文化與藝術能幫助我們每個人找到自己的身份、理解自己的國家與這個世界的關係……這很重要，因為這展示了每種文化的獨特性、教導人們尊重這些文化，並鼓勵將不同文化間的相互影響視為彼此豐富的過程，而不是走向毀滅」[註2]。   註釋1：From Berlin to Tallinn, Ukrainian art is being amplified in exhibitions across Europe  註釋2：A conversation with Ukrainian art critic Olesia Sobkovych 執行編輯：郭冠廷

作者：楊蕬瑋（國立臺南藝術大學博物館學與古物維護研究所碩士、圖像設計及文字工作者） 你曾想過要移民嗎？什麼原因讓你決定走向移民呢？位於德國紐倫堡的日耳曼國家博物館(das Germanisches Nationalmuseum)當前特展「視野：移民歷史與未來(Horizons. Histories And Futures of Migration)」（2023.3.30-9.10），帶領觀眾踏上從石器時代到太空的未知旅程，探討移民的過去、現在和未來發展！ 特展共分為四大部分：「啟程(Setting off)」、「沿途(Routes)」、「抵達(Arrival)」以及「未來(Future)」。主視覺海報設計描繪了海上即將迎來風暴的模樣，遠方地平線上卻透著溫暖陽光，呈現移民生活雖然動盪而恐懼，移民者仍能透過音樂、藝術與文化邁往心之所向，藉著這股力量克服挑戰、療癒自我，最後發現希望並航向另一個遠方。 特展展場一隅。本次展覽彙集了不同時期的畫作、文物、影像與檔案等資料，呈現四個展區不同階段的移民歷程。（Photo: GNM, Felix Roeser） 博物館大廳後方展示藝術家Raffael Rheinsberg於1993-94年間柏林圍牆倒塌後的創作「首都(Hauptstadt)」，牆面裝置由282個原東柏林街道標誌組成。此為博物館為呼應特展的選件，另有12件作品分佈於其他展廳之中。（楊蕬瑋 攝影）   「若非因為更好的條件，沒有人會選擇移民。(No one emigrates without the promise of something better.)」 這句話出自作家Hans Magnus Enzensberger於1992年的作品《大遷徙(The Great Migration)》，也是整個展覽的主要脈絡。第一展區「啟程(Setting off)」探討著人們離開的種種理由，從文學作品、畫作以及常民收藏可以發現，有些離開是做好了萬全準備；有些則是倉皇逃生。展場中運用許多古今呼應的手法呈現展品，例如展牆並列展示了     1830年殖民地商品供應商的廣告牌，以及2019年德國傳統木匠進行學徒之旅的攝影[註釋1]，說明不論兩百年前或如今，都有因職業而前往異鄉的人。           左圖展品為1830年代殖民地商品供應商的廣告牌；右圖是Dominik和Benjamin Reding攝影系列Kluft+Haut (2019)中的研究對象之一：木匠Ｍarie-Odile，兩者皆為因職業而踏上移民旅程。（楊蕬瑋 攝影） 第二展區「沿途(Routes)」展示各種情境下的移民之旅。（楊蕬瑋 攝影）   家在何方？移民途中的磨難 特展第二、三「沿途(Routes)」、「抵達(Arrival)」展區則呈現了移民途中可能經歷的磨難，以及抵達後的身份認同掙扎。由希望計畫（Collective work of artists of the Hope Project Greece, 2019）製作的現代摩西作品，以聖經故事為創作靈感，描述希臘難民潮的問題與移民經歷，也讓觀眾能藉此思考2022年俄烏戰爭爆發後，大量烏克蘭難民來到德國的處境。 第三展區中有許多檔案資料、照片、書信等，尤其是二戰後德國人從鄰國被驅逐，返回德國難民營的影像，呈現目前德國家庭可能潛藏的家族歷史，讓筆者印象深刻；另外1960年代土耳其移工來到德國的檔案資料，描述了移工於德國社會的重要性與影響，也讓人反思臺灣移工議題與移民政策。 第三展區「抵達(Arrival)」，展示二戰後被驅逐的德國人重新回到母國，建立新生活的影像及相關檔案文件資料。（楊蕬瑋 攝影）   展場中也彙整與移民有關的圖冊與書籍，讓觀眾自由翻閱，透過多元經歷與表述，觀眾能了解不同時空背景下的移民故事。當展覽逐漸進入尾聲，策展人開始向觀眾提問，讓觀眾以留言方式作為串場，例如展場提供留言冊，讓觀眾寫下「自己出生何處？現在居住何處？最終要停留何處？」等提問。圓形閱讀區域旁的牆面上也讓觀眾以便條紙回答問題，其中一個問題是「『家』你會想到什麼？」，藉此讓觀眾反思自身的現況，與可能面對的未來。   圓形閱讀區中彙整了與移民有關的圖冊與書籍，供觀眾自由翻閱，營造提閱讀與反思的空間。（楊蕬瑋 攝影）   真正的移民時代，才剛剛開始！ 「What is worth more, art or life?（哪個更有價值？藝術還是生命？）」，這一年來，氣候正義團體「最後一代」不斷在歐洲知名博物館中訴求此議題。來到特展的最後一個展區「未來(Future)」，也從移民角度探討氣候變遷問題，當前的氣候危機已經迫使許多人離開家鄉，且情況在未來只會加劇。然而，在現實與想像中，未來的我們可能不再只是地球人，展覽最後運用了新的視野，展示太空科學和虛構的科幻故事，刺激觀眾的想像。 「What is worth more, protect it or leave it？（哪個更有價值？保護它還是離開它？)」，離開也許不是最好的答案，但也必然有更好的條件促使我們做出離開的選擇。所幸有博物館蒐藏前人足跡、紀錄每一段故事，當移民的課題來臨時我們將能以更多元的視野面對，不用感到孤單，而能勇敢前進。 第四展區「未來(Future)」將太空科學和虛構的科幻故事相應呈現，讓觀眾思考不同的可能性。（楊蕬瑋 攝影） 註釋1：德國傳統工匠在結束學徒生涯後，會踏上一段為期三年的旅程，精進技術累積經驗也向大師學習建立人脈，而他們稱這趟旅程為「Walz」。   執行編輯：郭冠廷

Reporters: Kuan-Ting, Kuo & Chia-Yu, Yeh（Editorial Office of Home and Abroad, Museum Island by Ministry of Culture） Translator: Chi-Yiu Billy, Cheung (Postgraduate, Graduate Institute of Museum Studies, TNUA) The National Museum of Prehistory (NMP) underwent nearly three years of architectural reconstruction and updates to its permanent exhibitions. On May 19, 2023, the reopening ceremony was held under the theme of "Encounters: Taiwan and the World." The renovation focused on the complete revamping of the "The Prehistory of Taiwan" and the "Austronesian Hall," as well as the addition of the interactive "Discovery Hall" for parent-child learning. With these significant changes, The NMP aims to locate itself as a hub for exploring Taiwan's history and Austronesian culture with these changes. The new permanent exhibition, " The Prehistory of Taiwan " utilizes set designs to simulate the lifestyle of prehistoric humans. (Provided by the National Museum of Prehistory) "Austronesian Hall" in the new permanent exhibition features the opening animation "Kita" which incorporates numerous creation myths of Austronesian cultures. The animation work titled "The Place Where the World Began" has been awarded the 2023 German iF Design Award. (Provided by the National Museum of Prehistory)   Renovations after 22 Years: Highlights and Details The Prehistory Museum's update this time actively implements the concept of accessibility. It includes multiple touchable navigation maps within the museum to provide guidance for diverse audiences. Display cabinets are also equipped with Braille and audio navigation symbols, allowing users to physically touch and scan for oral and visual descriptions of the artifacts. Additionally, the new permanent exhibition areas are accompanied by 3D-printed auxiliary objects corresponding to the displayed content. Visitors are more willingly to engage and experience the artifacts up close. This encourages visitors to engage with and closely experience the artifacts, gaining a deeper understanding of the intricate details through tactile exploration. Upon entering the new permanent exhibition halls, we can observe various art creations and multimedia interactive installations that respond to interdisciplinary themes. For instance, in "The Prehistory of Taiwan", the wooden sculpture artwork "Sea Breeze" by artist Han Xudong vividly portrays the fearless spirit of Austronesian people sailing with the wind, seeking new horizons. Through multimedia interactive games, visitors can experience how prehistoric humans used tools and gain an understanding of the functionality of prehistoric artifacts. In the “Austronesian Hall”, the artwork "Lies ‧ Cans" by Tao artist Flying Fish (Siyan Matnowa Misega) reflects the anger, helplessness, and relentless resistance of the Orchid Island community facing the nuclear waste and environmental justice issues. The artwork "Sea Breeze" vividly portrays the fearless spirit of Austronesian peoples as they set sail, seeking new horizons. (Photo by Chia-Yu, Yeh)   Response and Communication on Social Issues The new permanent exhibitions are also responding to contemporary museum trends by addressing societal issues. In particular, the Austronesian Hall delves into the contemporary challenges faced by Taiwan, Southeast Asia, and Pacific islands. Through the artwork "Sashimi" by Amis artist Chih-Ming, Fan, which is made from tuna cans, the exhibition conveys the issues of depleted marine resources and the drastic changes experienced by indigenous communities due to global capitalism and industrial development. It also highlights the haze and ecological imbalance caused by the palm oil industry in Southeast Asia, shedding light on the extensive environmental damage caused by multinational corporate products. The exhibition brings attention to the dark side of global development, including the Pacific garbage patch. The exhibition also addresses the looming crises of extreme climate events and rising sea levels. By showcasing a Godzilla monster model representing radioactive pollution, the exhibition reveals the suffering imposed on Austronesian communities, such as the nuclear waste storage in Orchid Island and nuclear testing conducted by Western countries in Pacific islands. This emphasizes the urgent need for discussions and changes regarding climate and environmental justice. The artwork "Sashimi" conveys the issues of depletion of marine resources and the drastic changes in the livelihood and industries of Austronesian communities due to global capitalism and industrial development. (Photo by Kuan-Ting, Kuo) The Godzilla monster is a product of radiation pollution. It reflects the suffering imposed on Austronesian communities by mainstream society. (Photo by Kuan-Ting, Kuo)   Furthermore, the exhibitions also shed light on overlooked labor rights issues faced by Taiwanese indigenous peoples and Austronesian communities through the use of construction site and deep-sea fishing boat settings. In the "Borders" section, an interactive map highlights the existence of the third gender in Polynesian traditional cultures, emphasizing the natural and longstanding presence of diverse gender identities within communities. In the sub-theme "Lost Mountain Communities" of the "The Prehistory of Taiwan", the importance of preserving cultural heritage was emphasized. Through interview footages with the elder in the community and the reconstruction of a large slate house from the "Gaotu Village" in Mudan Township, Pingtung County, the exhibition traces the migration and cultural practices of the indigenous people. The fragmented and uncertain memories of the interviewees reflect the urgent need for investigation and documentation to preserve the historical information of these mountain communities. By addressing these social issues and integrating artworks with the content, the museum hopes to inspire reflection and empower visitors to instigate positive changes. Through the use of construction site and offshore fishing vessel settings, "Austronesian Hall" highlights the often overlooked labor rights issues faced by Taiwan's indigenous peoples and Austronesian communities. (Photo by Kuan-Ting, Kuo) The sub-theme "Lost Mountain Communities" in "The Prehistory of Taiwan"。(Photo by Chia-Yu, Yeh)   The Exploration Hall: A New Base for Diverse Children's Learning! The Exploration Hall consists of two floors. On the first floor, the "Empathy: Stories on the Move" exhibition connects cases from the United States, Canada, and Taiwan, explore in-depth topics such as indigenous migration and assimilation policies through children's picture books. With parent-child guides and teacher’s facilitation, this exhibition facilitates children's understanding of universal human rights values. The second floor focuses on prehistoric culture and features the "Prehistoric Exploration Game Zone," including a large-scale pinball machine, maze adventures, and pottery puzzle. These themed activities provide multi-sensory and hands-on learning experiences. Additionally, the specially designated area for accessibility aligns with the museum's renovation philosophy, aiming to welcome a more diverse range of participants for learning experiences. Until the end of June this year, admission to the NMP is free. Are you interested in learning more about prehistory and Austronesian culture? You are all welcomed to visit and explore together! "Empathy: Stories on the Move" on the first floor of the Discovery Gallery explore in-depth topics such as indigenous migration and assimilation policies through children's picture books. (Provided by the National Museum of Prehistory)   The second floor of the Exploration Hall, centered around prehistoric culture, features the "Prehistoric Exploration Game Zone" that offers a multi-sensory and hands-on learning experience. (The upper photo is provided by the National Museum of Prehistory. The lower photo is taken by Kuan-Ting, Kuo)

Author: Chia-Yu, Yeh (Executive Column Editor, Museum Island by the Ministry of Culture) The Citizen Judges Act has been implemented since the 1st January this year, are you ready? The curtain of special exhibition We Are Citizens, Also Judges was raised in the Judicial Museum on 4th December, 2022. In the “We Are Citizens, Also Judges” exhibition, a simulated citizen judge court scene was set. Audiences were able to go through the trial and learn about the course of amendment and legislative history of the system. Such design of a complete and interactive trial experience is aimed to enhance the understanding of the new system.   Judges in the mirror: It could be any one of us! Stepping into the exhibition, the audiences will immediately see the reflection of themselves in six mirrors. The visual design symbolizes that everyone could be a citizen judge. As long as you are a Taiwanese, who is above 23 years old and lived in the court’s jurisdiction for at least four consecutive months, you are eligible to be a citizen judge, or be randomly selected by the city/county government. Six mirrors were set at the entrance of the exhibition, reflecting the audiences and symbolizing everyone could be a judge with the mirrors reflecting themselves. (Photo by Chia-Yu, Yeh)   The special exhibition was divided into two areas, Citizen Judge Online and CitizenJudge-ing. Citizen Judge Online simulated the citizen judge court scene, allowing the audiences to experience the trial proceedings with interactive games. However, instead of the solemnity in the real court, the exhibit was designed with a bright blue tone and wooden table to bring a cozy atmosphere. Such design reduced the sense of distance and tension between the audiences and the court, so that they could familiarize themselves with the Act in a much lighter mood. The audiences will experience complete trial proceedings in the interactive exhibit of Citizen Judge Online. Sitting on the Citizen Judge seat, the audiences could read the “Citizen Judge Online: Quick Guide of Trial” and get help from the interactive bot webpage through scanning a QR code. Six respective recordings of the prosecutor, defense attorneys, accused, victim, and witness were also provided to assist their adjudication. Bright blue tone and wooden tables were used to build a court scene with a lighter mood. (Photo by Chia-Yu, Yeh) Audiences can take a seat at the Judge seat and experience the trial interactively. (Authorized by Judicial Yuan)   Citizen Judge Online: Trial in game During the trial, participants have to vow with the oath of the Citizen Judge. Then, a trial introduction will be given through their phones to understand the provisions and criminal laws violated in the upcoming trial. After that, photos of evidence and six recordings will be given. The procedure is in consistence with the protocol in the Act that all evidence and facts of the offence will be submitted to the judges in the first trial. [1]   The “Citizen Judge Online '' interactive game operates by utilizing a smartphone, a quick guide of trial (an interactive manual) and the six recordings at the judge seat. (Photo by Chia-Yu, Yeh)   After the participants went through all the criminal records and recordings, they will have to make their adjudication immediately at the end of the trial. For instance, if the participant decided the accused should be charged as having committed “constructive robbery and serious injury”, a gavel sticker should be stuck to the assigned board. Such design allowed the audiences to see the adjudication under the diverse values. An adjudication has to be made at the end of the trial. If guilty, what crime should it be? Constructive Robbery? Constructive Robbery and Serious Injury? Or Constructive Robbery causing serious injury? After the judgment was made, a gavel sticker should be stuck on the three differently-designed board/poster to finish the trial. (Photo by Chia-Yu, Yeh)   The Long and Winding Reformation: CitizenJudge-ing In CitizenJudge-ing, the 36-year-long legislative history and efforts made by many for Citizen Judges Act were presented. The exhibition displays a chronology highlighting countless hard work. For example, in 1987, the premier of Judicial Yuan went abroad to study the lay judge system and jury system. By 2020, the Citizen Judges Act had passed the Third Reading in the Legislative Yuan, and finally, the citizen judge courtroom and system was fully established in all the courts in 2022. Adjacent to the chronology, there is an electronic countdown of the implementation, reminding the audience that we all could be a citizen judge in the upcoming future.   Upon reading this, have you acquired more about the Citizen Judges Act? The exhibition familiarizes the audience with the proceedings of trial, through an engaging and interactive experience. However, qualification and protective measures for the Citizen Judges could be explained in greater detail. Introducing the pretested court simulation cases held by Judicial Yuan could provide a more comprehensive explanation. Furthermore, looking at the Japan Lay Judge System, which is similar to the act in Taiwan and has been implemented for over ten years, could also inspire a further contemplation of the actual significance and risks of such legal reformation. CitizenJudge-ing present a chronology of the key event of Citizen Judges Act, with an electric countdown of the implementation. (Authorized by Judicial Yuan)   Executive Editor: Kuan-Ting, Kuo [1]: According to Article 264 of the Code of Criminal Procedure, a public prosecution shall be initiated by a public prosecutor by filing an indictment with a competent court, plus, the record and exhibits shall be sent therewith to the court. However, as there is a gap of the knowledge of law between a citizen judge and professional judge, if the evidence, records and petitions were previewed, the accused might be pre-judged as guilty. Hence, according to Article 43 of the Citizen Judge Act, the prosecutor must not submit the filing of evidence to the court in the initiation of the prosecution. All evidence and relevant facts must be directly presented on court. (Dong, 2023)

特約記者：戴映萱（倫敦大學金匠學院藝術策展碩士、藝術評論工作者） ＊本文圖像由英國維多利亞和阿爾伯特博物館(Victoria and Albert Museum, V&A)授權使用 英國維多利亞和阿爾伯特博物館（Victoria and Albert Museum，簡稱V&A）以其豐富多元的典藏聲名遠揚，近十年更以「快速回應蒐藏(Rapid Response Collecting)」備受關注──該館自2014年開始，致力蒐藏能紀錄社會即時思潮的相關物件，奠定了各國博物館這類典藏品的基礎。而早在近兩世紀前，V&A就已是蒐藏「時代的即時反應」之先驅，這可追溯到館方對攝影的關注。 1839年，達蓋爾(Louis J M Daguerre)發明了「銀版攝影法(Daguerreotype)」，從此人類的現代生活便開始產生劇烈的變化。V&A從1852年開館之際，就開始蒐藏攝影作品與其器材，至今典藏逾一百萬件相關物品，如此可觀的攝影典藏因而造就了館方規劃多年的「攝影中心(Photography Centre)」。該中心最早於2018年開幕，當時僅有三間展廳，2023年5月才正式開放了新增的四個空間，現共有七間攝影展廳，帶來更為全面的攝影史回顧。 V&A攝影中心最早於2018年開幕，但當時僅有三個展廳，完整的攝影中心於今年5月開幕，帶來更全面的攝影史回顧。(Credit: V&A Museum, © Thomas Adank) 攝影書的重要性是V&A新攝影中心特別強調的部分，故將其中一個新空間打造成一間藏有逾兩萬卷的閱覽室，提供觀眾恣意地閱覽各類攝影書。(Credit: V&A Museum, © Thomas Adank)   銜接攝影技術的出現，最早的攝影書於1843年發表。自此之後，書一直是分享攝影作品非常重要的發表形式。V&A攝影中心因而將其中一個新空間，打造成藏有逾兩萬卷攝影書籍的閱覽室，觀眾能漫遊其中、恣意閱覽攝影書，陶醉屬於自己和攝影作品的親密時刻。 展示廳「相機之內（Inside the Camera）」則聚焦在攝影術的歷史演變，展出多台具里程碑的經典相機，包括：英國維多利亞時代（1830至1900年代）的「觀景相機（view camera）」和第一代蘋果iPhone手機。該展廳更從技術角度出發，探索照相機從內到外的奧妙，其中一個設有相機暗箱的互動性房間，展示了所有相機工作原理的光學現象。 「相機之內」展廳聚焦在攝影術的歷史演變與發展，多台具里程碑的相機為展出亮點 。(Credit: V&A Museum, © Thomas Adank)   以「能量：典藏的火花（Energy: Sparks from the Collection）」為主題的展廳則爬梳1840年代至今的攝影創作，審視了攝影中的多種能量。包括：如何創作出影像的過程；以及置身於相機前的對象物，是如何與攝影之眼及攝影者之間產生「化學效應」。展出的藝術家包括以「決定性瞬間」為攝影主軸的著名攝影師布列松（Henri Cartier-Bresson）、超現實攝影大師Man Ray、富含社會批判性的英國攝影藝術家Jo Spence等名家作品，展示了各種形式的能量，如何激發攝影者的多元想像力。 V&A攝影中心同時展出新近館藏，包括多位受到藝壇矚目的當代攝影藝術家，Liz Johnson Artur的攝影文獻計畫「黑色氣球檔案（Black Balloon Archive）」便是展品亮點之一。這項計畫起始於1992年，Artur捕捉了世界各地的黑人社群及其日常，足跡跨越歐洲、美洲、非洲和加勒比海地區，試圖從中探索自我和族群對身份認同的試問。本計畫的製作長達三十年，Artur從未公開發表過這批相片，直到2016年出版了攝影集，這系列作品才正式問世。V&A攝影中心展出的攝影作品，主要捕捉東倫敦夜店「PDA（Please Don’t Ask）」中的常客，這家夜店歡迎LGPTQIA+和有色族群，前來的客人通常都會精心打扮，以大膽的時尚造型自由奔放地表達自我。 Liz Johnson Artur的攝影文獻計畫「黑色氣球檔案(Black Balloon Archive)」是「攝影現在式」展出亮點之一。(Credit: V&A Museum, © Liz Johnson Artur) 「元媒體藝廊」將焦點放在數位藝術，圖為英國藝術家Jake Elwes為攝影中心開幕所製作的錄像裝置〈The Zizi Show〉。（圖片提供：V&A Museum，© Thomas Adank）   科技日新月異，數位技術的發明不斷挑戰攝影定義，讓「元媒體藝廊（The Meta Media Gallery）」顯得更為重要。為了這次攝影中心擴大開幕，V&A委託英國藝術家Jake Elwes製作新作錄像裝置〈The Zizi Show〉，探討人工智慧（Artificial Intelligence (AI)）對於LGPTQIA+族群自動性地偏見，延伸討論科技發展可能對於人性和多元性的抹煞。 V&A新興攝影中心成立的重要性，在於激起我們重新思考這項當代人早習以為常的技術。攝影術的發明，曾經被視為對繪畫最大的威脅。然而，它非但沒有終結繪畫，反而解放了繪畫。數位技術的崛起亦是如此，它為攝影增添了另一分支，解放了攝影，並持續開啟攝影可能性的多元討論。   執行編輯：郭冠廷

作者：莊婷雅（維多利亞與亞伯特博物館觀眾服務組員、萊斯特大學藝術博物館與美術館學碩士） 身處快時尚消費文化，品牌在帶動時尚流行的同時，也衍伸出超越想像的能源與資源消耗，而消費習慣亦改變現代人們與衣物的關係，我們不再需要縫補來維持衣服的使用性，卻更強調設計感與自我品味的表現。但，這真的是好事嗎？ 丹麥哥本哈根當代藝術館(Copenhagen Contemporary)特展「美麗的修補—藝術與時尚的縫補創作(Beautiful Repair Mending in Art and Fashion)」（2023.2.1–9.3），集結15位來自丹麥、瑞典、芬蘭等藝術家與設計師，以永續為主軸，透過創意讓針線縫補與二手布料在藝術與時尚設計上展現更多可能性。 以造船廠工業倉庫空間改建的哥本哈根當代藝術館。（莊婷雅 攝影） 「美麗的修補—藝術與時尚的縫補創作」特展空間。（Installation view Beautiful Repair, Copenhagen Contemporary (2023). Photo: David Stjernholm.）   2016年成立的哥本哈根當代藝術館，座落於丹麥首都東邊的赫夫斯倫(Refshaleøen)島，這個距離哥本哈根市中心僅5公里的小島，自1872年至1996年為丹麥最大造船廠所在地，擁有大量的工業遺址，歷經幾年的封島、重整與改造，哥本哈根當代藝術館以廢棄的造船工業廠房為基地，活用佔地7,000平方公尺的面積，成為北歐最大的當代藝術中心之一。哥本哈根當代藝術館利用廣大展覽場地的優勢，推出許多大型藝術裝置展覽，邀請觀眾走進作品中，包含：藝術家Francis Alÿs代表比利時參展2022年威尼斯雙年展的作品「兒童遊戲(Children’s Games)」；光與空間藝術運動(Light & Space movement)先驅Doug Wheeler 長達20公尺的沈浸式裝置，以及將網球場帶進展場的北歐雙人組Elmgreen & Dragset。 本次「美麗的修補」特展位於五大展廳中的第四號展廳，從衣物出發，做為人類的第二層肌膚，衣物常常被賦予許多含義、述說著不同的故事。瑞典時尚設計師Minna Palmqvist以軋布機輾壓、重塑襯衫與布塊，並繡上許多「壓力之下(Under Pressure)」字樣，講述女性隱藏於衣物後方的無形壓力：為追求社會規範的「完美身形」，在快時尚衣物尺寸之中選擇的壓力，或社會加諸的種種女性責任。設計師藉由簡單的縫補技巧，將無形壓力與實體衣物互相縫合，反思當代社會中的女性角色。 中央展區的「無人花園(No Man's Garden)」系列男裝，是芬蘭新銳設計師Elina Heilanen的作品。她以滯銷布料和手工植物染技術製造大理石紋，建構出堆疊布料、過大尺寸與束繩編織為基底的時裝。此系列的束繩設計巧思使衣物能不斷被調整，大面積的布塊則容易修改剪裁，以符合不同身型的使用者，種種設計均讓衣物的生命更貼近永續使用。 瑞典時尚設計師Minna Palmqvist作品「壓力之下（Under Pressure）」。（Minna Palmqvist, Under Pressure Shirt N °3/6 (2019). Installation view Beautiful Repair, Copenhagen Contemporary (2023). Photo: David Stjernholm.） 芬蘭新銳設計師Elina Heilanen「無人花園(No Man's Garden)」系列男裝。（莊婷雅 攝影）   展場後方的繽紛線軸牆面，更是十分吸睛。棉線溫和的線條綿延、連接至長桌上的個人日常衣物，臺灣藝術家李明維的「補裳計畫」邀請觀眾攜帶一件需要修補的衣物至展場，親自交給長桌對面的志工「補裳人」，修補破損過程中，開啟觀眾與補裳人的對話交流與經驗分享，觀眾從而成為「補裳計畫」的一部份，體會在縫與補之間串連起的情感。 其中，補裳人不僅單純修復破損之處，而是以創意裝飾多樣的造型與鮮明顏色，在惜物精神之餘，計畫展現縫補可以寫下更多故事，且延續衣物生命、保留人與物品的關係，從而串連人與人的信任感。計畫中，觀眾提供的物品將暫時保存於展覽，待展期尾聲藝術家將邀請觀眾取回衣物。   藝術家李明維「補裳計畫（Mending Project）」互動作品。（Lee Mingwei, The Mending Project (2009). Installation view Beautiful Repair, Copenhagen Contemporary (2023). Photo: David Stjernholm.）   最後，展覽設置手作區，邀請觀眾利用館方提供的碎布與材料，以簡單的工具創作自己的作品，表達個人的聲音和創意。一針一線之間，有些觀眾俐落手持針線一邊閒話家常、有些人在熟悉針線過程中，互相分享創作，一旁志工更主動而友善的與觀眾討論展覽想法。本次特展集結許多能讓觀眾參與的作品，不僅加長觀展時間，也讓觀眾印象深刻，透過衣物與針線縫補，探究更大層面的環保，包含人與人、人與物質以及人與地球資源之間的關係，面對地球危機，時尚設計應扮演兼具環保與創意的推手，共同為永續經營努力。 展覽內的手作區，邀請觀眾利用碎布與簡單材料創作。（莊婷雅 攝影） 執行編輯：郭冠廷