博物之島 MUSEUMS

作者：戴映萱（倫敦大學金匠學院藝術策展碩士、藝術評論工作者） 被視為全球藝術權威的威尼斯藝術雙年展（Venice Biennale）即將在明年邁入第61屆，總策展人為科約·庫奧（Koyo Kouoh），其身為首位非裔女性策展人的身分成為鎂光燈的焦點。庫奧是當代非洲藝術重要推手，她在南非所任職的Zeitz非洲當代藝術館（Zeitz Museum of Contemporary Art Africa, Zeitz MOCAA）也受到國際的高度注目。   Zeitz非洲當代藝術館的首席策展人科約·庫奧為2026年威尼斯藝術雙年展的總策展人。庫奧於2025年5月10日驟然離世，享年57歲。威尼斯雙年展於媒體聲明中表示，原定於5 月 20 日發布的第 61 屆展覽標題和主題，仍會按照原定計劃公布。聲明中同時哀悼庫厄的離世，肯定庫奧對藝術的熱忱、對學術的嚴謹，以及對下屆雙年展概念及發展的願景。（Credit: Mirjam Kluka）   座落於南非開普敦維多利亞＆阿爾弗雷德碼頭（V&A Waterfront）的Zeitz MOCAA於2017年成立，是全非洲規模最大的「非洲藝術」美術館。其館舍前身為一座用來儲藏當地所產玉米的舊糧倉，亦為國家保護的重要歷史建築。最終由英國建築設計鬼才托馬斯·海澤維克（Thomas Heatherwick）操刀，他受到其曾作為玉米儲倉的歷史啟發，在美術館內部設計了一座拱形中庭，並於其中開鑿出形似玉米的「洞口」，如同紀念碑般環繞整面牆體。觀眾步入其中，宛如置身在巨大的細胞壁內，切身感受到歷史的痕跡，同時也能觀看新穎的藝術創作，此空間也成為館內展示藝術家委託創作的重要展廳，讓過去與未來在此交匯。 Zeitz MOCAA改建耗時四年，內部的流線造型靈感源自玉米，設計兼顧創意與歷史內涵。（Photo by Wianelle Briers） Zeitz MOCAA的成立，源自當地政府意識到糧倉作為歷史地標的價值，多年來持續討論其再利用的可能性。最後決定將其轉型為美術館，但首要的挑戰在於缺乏館藏。恰逢創辦人兼運動品牌Puma前總裁約亨·蔡茨 (Jochen Zeitz)身懷在非洲打造首個專門收藏非洲及其海外離散社群藝術館舍的願景，這一理念促成了2015年館藏的建立，該館便以蔡茨命名，正式開啟Zeitz MOCAA的旅程。 該館館藏多聚焦移民、人權、種族與記憶等議題，其中不乏知名藝術家，如以黑白人像攝影為名的南非藝術家扎內爾·穆霍里（Zanele Muholi）、辛巴威藝術家庫扎內·丘萊（Kudzanai Chiurai）、奈及利亞藝術家奥托邦·恩坎加（Otobong Nkanga）等，皆對於建構當代非洲藝術脈絡具有深遠的貢獻。   除了永久收藏外，Zeitz MOCAA亦設有攝影、表演藝術和影像中心。不僅面向具備專業藝術知識的觀眾開放，館方同時期望能打開南非大眾對藝術的視野。除了設有對非洲公民免費入場的策略，也積極投入教育推廣，開館一年後即開始拓展其藝術教育中心，並設有藝術策展和服裝設計培訓計畫，逐步完善美術館的多重角色。自開幕以來，Zeitz MOCAA舉辦了多項致力於推廣非洲藝術的展覽，包含2019年的奥托邦·恩坎加個展「十字路口的行為」（Acts at the Crossroads），該展探討人與大自然的相互牽引；瑪麗·埃文斯（Mary Evans）的個展「鍍金」（GILT），則關注開普敦文化遺址的歷史與心理地理學（psychogeography）。   Zeitz非洲當代藝術館的典藏展「Sala」展覽現場。（Courtesy of Zeitz MOCAA. Photography by Dillon Marsh）   2023年推出的「當我們看到我們：繪畫中一個世紀的黑人形象」（When We See Us: A Century of Black Figuration in Painting）是其近年該館最具代表性的展覽之一，並於隔年巴塞爾藝博會期間巡迴展至巴塞爾美術館（Kunstmuseum Basel）展出。展覽聚焦於藝術家如何透過「具象繪畫」（Figurative Painting）【註釋1】展現黑人形象，匯集了近百年來全球非裔藝術家的藝術作品，並與當今活躍的黑人思想家、作家和詩人對話，共同探討他們如何想像、定位、歌頌和主張非洲和非洲離散社群的生命經驗。具象繪畫不僅是一種創作形式，更具有政治意涵。歷史上非裔社群往往被排除於主流藝術史的敘述之外，透過具象繪畫，藝術家得以重塑黑人形象、開啟自我書寫，並回應種族、性別、階級等議題。 因此，在過去十年間，黑人藝術家的具象繪畫獲得前所未有的關注，此展將這些藝術實踐加以串聯，深入過去缺乏系統性整理的創作譜系，探索非洲藝術的歷史背景和全球網絡。不僅揭示源自非洲和黑人經驗的現代性視角，更強調了藝術家與作品間跨越地理、世代和觀念背景的聯繫，進而體現策展人庫奧所提出的「平行美學」（parallel aesthetics）概念——強調來自非洲及其離散社群的藝術表現，並非以西方藝術為中心的「延伸」，而是自成體系、並行發展的美學系統。   由庫奧策劃的群展「當我們看到我們：繪畫中一個世紀的黑人形象」展覽現場。（Courtesy of Zeitz MOCAA. Photography by Dillon Marsh） Zeitz MOCAA向全世界展現了非洲藝術的獨特視角與創造力，正如庫奧所言：「非洲一直是，並將持續成為藝術和美學領域中難以置信的創意催化劑。將非洲藝術家與遍佈各地的非洲離散群體藝術家的創作實踐相結合，是連結過去和現在對話〔的重要方法〕。」於此，「非洲藝術」不再是被凝視的對象，而是召喚自身故事的語者。 【註釋1】指以可辨識的形象或現實人物、場景為對象的繪畫形式，與抽象藝術相對。藝術家透過主觀表現，重構身體、情緒與文化符號，以傳遞情感、觀點或社會評論。   ❚ 執行編輯：謝佳均

作者：黃星達（中華民國博物館學會秘書長、國立政治大學傳播學院博士） 博物館不僅保存過去，在回應快速變化的社會需求與全球挑戰之際，也持續重新想像其未來角色與行動方式。2025年「國際博物館日」以「在快速變遷的社會中展望博物館的未來」（The Future of Museums in Rapidly Changing Communities）為主題，延續杜拜大會所提出的關鍵對話，聚焦三大子題方向：「無形文化資產」、「青年力量」與「新興科技」。 亦呼應聯合國永續發展目標（SDGs），涵蓋促進在地經濟與教育機會（SDG 8）、以科技推動創新與普及性（SDG 9），以及推動社會包容、文化資產保存與城市永續發展（SDG 11）。藉此探索博物館如何於當代社會、科技與環境的變革中，與不同社群一同探索創新的對話與永續的未來方向。 本次國際博物館日主視覺設計以「The Future is Fluid」為理念，以不規則的線條象徵博物館具備靈活轉型與調適能力。ICOM官網同步釋出多樣化社群素材，並開放公眾自由勾勒線條，傳達博物館作為轉型推動者的能動性與無限可能。   各地行動！518多元特色活動 今年國際博物館日適逢週日，多所博物館透過免費參觀、導覽活動等方式，鼓勵大眾以行動響應文化參與。如於4月底開幕的新北市美術館自開館以來至6月30日免費參觀，並於週末規劃建築光雕、音樂表演等活動。 中台世界博物館於5月13日至18日免費開放參觀，並以「展件修復、造像比例、傳統服飾文化」為核心，邀請青少年參與思考與創作，展現新世代對文化的創新詮釋，促進跨世代對話與文化傳承。   中台世界博物館「博物策動」系列活動。（中台世界博物館 提供） 而史博館則以國寶青銅器「獸形器座」為主題，推出「VR酷獸奇航」體驗活動，採用虛擬實境體感蛋椅技術，結合科技推廣文化資產，於5月17日至6月8日推出，體現新興科技與文化教育的融合。   史博館「VR酷獸奇航」體驗活動。（國立歷史博物館 提供） 新北市立淡水古蹟博物館則呼應2025年雙北世界壯年運動會，推出「百年老派運動會」系列活動，結合淡水海關碼頭、滬尾小學校等地百年運動故事，活化在地無形文化資產，展現文化認同與社會時事的深層連結。 2025臺南博物館節（5月17日至6月01日）以「與博物館一起永續發展」為主軸，串連地方館舍推出系列活動，如「博物館POWER－博物館逛大街」，集結各館舍於市中心設置小型攤車與展示箱，向大眾介紹館藏亮點與教育資源，並設計「博物館Bingo連線」互動遊戲，鼓勵民眾主動探索與連結當地博物館網絡，透過參與重新想像公共空間中的知識流動與文化實踐。 此外，ICOM官網也推出互動地圖，鼓勵世界各地博物館參與登錄活動。今年518主題設計具高度包容性與開放性，正反映當代博物館在面對多元社會與快速變遷的彈性、創新與前瞻精神。隨著疫情後社會結構變動，國內博物館展現出更迅速的反應能力與變革想望，體現出在變遷社會中的韌性與想像。 邀請大家持續關注2025年國際博物館日相關活動，把握機會參與，從中感受博物館在文化保存、教育創新與社會參與上的多元實踐。   2025年518國際博物館日全臺館所推廣及優免活動一覽     ❚ 執行編輯：謝佳均

作者：呂怡屏（國立臺灣歷史博物館研究組助理研究員） 提到日本愛知縣名古屋市附近的豐田市，臺灣人第一個聯想到的可能是豐田汽車。隨之而來的好奇是：「豐田」究竟是企業取自地方之名，還是地方因企業而得名？   豐田市的前世今生，地方與產業的互動關係 現在的豐田市以汽車製造相關產業聞名，但在更早之前，這片區域曾以養蠶和製絲業帶動地方發展。在《古事記》【註釋1】中，此地便被紀錄為「許呂母」（ころも, koromo），後以「挙母」表記，並於1951年由町升格為市，稱為挙母市。 1930年代蠶絲需求下降，豐田自動織機製作所增設了汽車製造部門與工廠。伴隨戰後豐田汽車工廠擴建和產業發展，在地方工商會的要求下，1959年挙母市改名為豐田市。 豐田市居民的組成隨著時間不斷變化。自1951年到2005年間，經歷數次行政區合併，居民包含原挙母市的居民、戰後因汽車工業發達而移居的外來人口，以及在行政區劃調整過程中逐步納入的鄰近地區居民。 副館長高橋健太郎指出，在時代和產業轉變之下，如今豐田市民是由擁有各自地方歷史背景的人群所組成的「市民共同體」。他們如何認識當前所居住的地方，又如何建構對地方的認同，成為思索豐田市作為一個「Community」的重要課題，也是館員在構思博物館內涵與定位時面對的核心關鍵。   豐田市博物館入口，該館建築由日本知名建築師坂茂設計。（呂怡屏 攝影）   累積居民生活記憶的博物館 設立豐田市博物館（TOYOTA CITY MUSEUM）的討論始自2015年，當時豐田市生涯學習審議會提出在舊豐田東高中設立歷史繼承據點，隔年正式決定籌備博物館。該館整合豐田市鄉土資料館與豐田市近代產業與生活發現館的內容，並於2024年4月開館。 然而，市博物館又是如何詮釋這座名為「豐田」的城市呢？館方將自身定位為「持續與市民一起建構的博物館」，並將這個概念融入藏品的蒐集和常設展內容中。 展覽由「豐田物語」展開，以開放式典藏庫為意象，打造四面環繞的巨型玻璃展示牆，展出文物種類跨越人文與自然，時間尺度從地質年代延伸至近代生活，讓豐田市的多樣性一齊展現於觀者眼前。 展場入口的一側，由館員從豐田市鄉土資料館的收藏中，配合四季或節日挑選文物不定期進行部分換展。入口正對面內側的牆面，則展示開館三年間陸續辦理的市民活動成果，如「自然標本採集計畫」與參與者一起收集的自然史相關標本，包含昆蟲、動植物、岩石等類型。館方希望市民透過探索當地的自然環境，促進他們對自身「community」的理解，並藉此深化市民和豐田市間的聯繫與共感。   展場入口側的巨型玻璃展牆，以四季、節慶為題，更新局部展示內容。（呂怡屏 攝影）   展場入口對面側的展牆，陳列自然史相關標本，也包含教育活動成果。（呂怡屏 攝影） 第二展區「豐田記憶之旅」，館方邀請市民以手寫的方式，分享關於飲食、祭典、河邊生活等主題的豐田市或原居地生活記憶，並將記憶文件化後展出。透過「手寫回憶」，不僅累積老市民或新市民的人生歷程，也為未來建構以市民觀點為主體的地方歷史累積基礎資料。而館方推動的「記憶收集計畫」也持續向市民徵集故事，並匯集成「我們的記憶檔案」供大眾瀏覽。 相較於鄰近地區，豐田市擁有舊石器時代的考古遺址，能串起無文字到有文字記錄的地方發展脈絡，因此第二展區的另一區塊「地方歷史」採編年順序呈現。同時，展覽也向觀者提問：「你從這個展櫃裡的物件，聯想到什麼樣的故事？」以增加觀展過程的思考互動。 第三展區「豐田探險實驗室」，以縮尺模型為媒介，使觀者得以環繞式綜覽豐田市從山地到平原、橫跨1000公尺高度差的自然環境樣貌，以及人類利用自然資源的方式。   館方設置五感體驗的裝置，以視覺、觸覺、嗅覺帶領觀者感受豐田市的多元面貌。（呂怡屏 攝影） 第四展區為「豐田的故事」，則聚焦於近代各時期居民運用自然資源發展出的養蠶業、棉線紡織業與礦石產業，以及帶動產業轉型與區域人口組成變化的汽車製造業。展覽以產業演變作為敘事主軸，串聯名為「豐田」的地區發展故事。   運用水利紡織棉線的機具。（呂怡屏 攝影） 數位裝置「豐田記憶庫」呈現在地回憶。（呂怡屏 攝影） 展覽尾聲，「豐田環形坡道」邀請觀眾沿著環繞展場設計的坡道一路向上。坡道外側的玻璃窗可眺望豐田市的山景與街景，內側則可回顧展示內容，期待觀眾發現新的視角與體會。   以記憶為基礎，共創未來的地方故事 在多元人群匯合的背景下，豐田市博物館不僅是保存地方文化、展現當地自然與人文的場所，也是帶動居民與學生活動的發電機。館方運用「物件」、「景色」、「事件」等具體錨點，結合教育活動計畫，推動市民參與和館校學習活動，共同創造交織著人與生活地域的記憶，累積屬於居民與地方的「未來歷史」。   【註釋1】成書於西元712年，是日本現存最古老的歷史文獻，由太安萬侶奉命編纂，內容記錄日本的神話傳說、天皇家族的起源，以及早期國家的歷史。   ❚ 執行編輯：謝佳均

作者：林琮穎（老派博粉的謬思藝享謬思設計師） 位於澳洲布里斯本市區河畔的昆士蘭美術館與現代藝術館（Queensland Art Gallery | Gallery of Modern Art），在展出「第11屆亞太當代藝術三年展」（The 11th Asia Pacific Triennial of Contemporary Art）期間，特別於兒童藝術中心及主展場等場域打造「亞太三年兒童展」（Asia Pacific Triennial Kids，展期至2025年7月13日）。兒童展的7個藝術計畫以想像、互動、創作等元素為基礎，引發兒童主動參與藝術創作，認識亞太地區多元的文化樣貌，並且串聯觀眾自身經驗及主展場的作品。   昆士蘭美術館與現代藝術館位於布里斯本南岸藝術和文化區中心地帶，兩館周遭還有昆士蘭博物館、圖書館、表演藝術中心。（林琮穎　攝影）   「互動」中感受藝術家眼中的世界 展場入口，一面巨大的銀幕立刻吸引觀眾目光。互動裝置《如果種子選擇生長的地方》（If the Seeds Chose Where to Grow）由印度藝術家Rithika Merchant所創作，畫面描繪一片奇異的世界，棲息著融合人與動物特徵的生物，觀眾可拿取繪有角色的積木置於檯面，對應角色即會出現在畫面上活動，讓人能自由構築、想像這片奇幻大地的模樣。   《如果種子選擇生長的地方》裝置，畫面出現的奇異動物並未特別強調其性別或種族，引導觀眾自由連結與想像。（林琮穎　攝影） 接著，紐西蘭藝術家 Brett Graham將毛利文化融入作品《摩擦》（Wakuwaku），鼓勵觀眾將紙張覆蓋在刻有傳統紋樣的斜檯上，使用蠟筆「摩擦」，拓印屬於自己的圖樣，引導觀者感受其背後的文化脈絡。   作品《摩擦》所提供的紙張樣式或斜檯上的紋樣，皆與紐西蘭及毛利文化緊密連結，前者有代表紐西蘭原生種的扇尾鶲，以及象徵毛利文化韌性的戰鬥機；後者則是從海洋、花卉、蕨類等自然元素發展而來，同時設有解說紋樣意涵的影片。（林琮穎　攝影） 東帝汶藝術家Etson Caminha則利用廚房常見的鍋碗瓢盆作為樂器，歡迎觀眾加入他的音樂世界。作品《我廚房的聲音》（My Kitchen Sounds）（線上版體驗），他預先錄製了自己的歌聲、樂器演奏、廚房器皿製造出的聲響等，讓觀眾能自由疊加、混合多種音訊，打造獨一無二的演奏組合，從中體驗日常物件所蘊藏的節奏與想像。   《我廚房的聲音》互動裝置，鼓勵觀眾發揮創意打造廚房樂曲。（林琮穎　攝影）   從創作中展現自己的內心世界 你心裡有什麼想要的東西？你希望以後的世界是什麼樣子？馬來西亞藝術家Harold 'Egn' Eswar的作品《想要的怪獸》（Monster of Wants）以及柬埔寨藝術家Yim Maline的《夢想未來》（A Dream for the Future）皆鼓勵觀眾透過繪畫表達自己的想法。在創作與欣賞他人作品的過程中，一方面反思現狀與未竟的渴望，另一方面引發人們思考欲望的本質。   《想要的怪獸》引導觀眾畫下代表渴求事物的「怪獸形象」。（林琮穎　攝影）   兒藝中心旁的「兒童藝術盒子」（Art Box for Kids）空間展出《夢想未來》，藝術家邀請柬埔寨暹粒的兒童創作一系列畫作，表達他們對柬埔寨未來的想像，現場也歡迎觀眾透過繪畫分享自己對未來的期待。（林琮穎　攝影） 沙烏地阿拉伯藝術家Dana Awartani則從伊斯蘭文化中的馬賽克磁磚（Zellij）汲取靈感，創作出《從不同中找到一樣》（Unity Within Multiplicity）。現場提供四種幾何圖紙，邀請觀眾共同創作，並將作品掛上牆面，拼湊出一幅大型的幾何圖形牆面。這件作品藉由參與式創作，帶領觀眾認識神聖幾何圖形（sacred geometry）所象徵的秩序與和諧，也隱喻萬物基礎與跨文化的連結。   Dana Awartani將阿拉伯文化中常見的建築元素轉化為《從不同中找到一樣》。（林琮穎　攝影） 馬來西亞藝術家Okui Lala則聚焦布里斯本，延續對移民與身分認同的關注，在作品《你有試著聽見布里斯本的聲音嗎》（Have You Ever Tried to Listen to the Sound of Brisbane）與西區公立學校（West End State School）學生共同參與創作與演出，以多語言合唱「布里斯本之聲」，唱出他們與這座城市的連結。同時，也請來3組來自不同語言背景的家庭，分享使用母語和英語的日常經驗。試圖探問語言轉換與翻譯過程中，哪些意義被改變，又有哪些在無形中悄然佚失。   《你有試著聽見布里斯本的聲音嗎》引導兒童、親子觀眾思索自己與這座城市間的連繫。（林琮穎　攝影） 整體而言，亞太三年兒童展透過繪畫創作、互動操作等途徑，讓兒童成為藝術創作的夥伴。在過程中，他們不僅能認識他人眼中的世界，也能連結自身的經驗與想像，與藝術家、其他觀眾共同創作出跨越文化與語言的藝術體驗。   參與兒童主題創作的藝術家，同時也是本屆三年展的參展者。主展場的部分作品旁，會以兒童展吉祥物Mahu標註，設置提供兒童閱讀的說明牌，讓兒童也能理解藝術家創作理念。（林琮穎　攝影）   ❚ 執行編輯：謝佳均

作者：王欣翮（倫敦大學亞非學院藝術史與考古學系碩士） 在森美術館20週年大展「我們的生態：生活在地球上」進行之際，美術館內部悄悄地提出另一個對於藝術與人類生活的思考取徑。在後疫情時代，人們的活動日益頻繁地穿梭於虛擬與真實世界之間，而遊戲引擎與 AI 技術的創新，不僅介入我們線上與線下的生活，也逐漸滲入藝術家的創作實踐。 森美術館循此現象出發，策劃「機器之愛：電子遊戲、人工智慧與當代藝術」特展（MACHINE LOVE: Video Game, AI and Contemporary Art，展期至2025年06月08日）。展覽由館長片岡真実、館內策展人Martin Germann與矢作学共同策劃，匯集了12位／組藝術家與團隊，呈現運用遊戲引擎、AI 技術、虛擬實境、機器學習等科技創作的藝術作品。 觀眾進到展場時，會先看到一整面由關鍵字構成的牆面，包含愛情（Love）、推想文學 (Speculative fiction)、技術圈（Technosphere）、MAD動畫（MAD videos）等。這些關鍵詞不僅貫穿展覽中的藝術品，也頻繁出現在說明文字中。館方將其設置在展覽開端，便是為了協助觀眾建立基本概念。此一設計，也成為「機器之愛」獨樹一格的展覽敘事特色。 有別於多數展覽結構慣以子題或章節鋪排敘事，「機器之愛」則以關鍵字的形式標註在不同藝術家的作品說明中。如在「遊戲引擎」這個標籤之下，即囊括了陸揚、佐藤瞭太郎、Jakob Kudsk Steensen等；而機器學習（Machine Learning）和LLM（Large Language Model／大型語言模型）則僅見Diemut一人以此為方法進行創作。這些關鍵詞不僅成為觀眾觀展時的索引，也彷彿是社群媒體上的「主題標籤」（hashtag），串起觀眾數位經驗的共鳴。 然而，這並非意味著展覽缺乏結構，實則可以發現作品分別由數位世界的「生命」、「精神」和「地景」三大主題作為伏流，雖未言明，但是隱隱約約地藏在策展脈絡之中。數位世界的「生命」以Beeple的錄像裝置 《HUMAN ONE》揭開序幕，延伸至佐藤瞭太郎透過重製虛擬遊戲角色，仿擬人們日常自拍、遊玩、購物的歡樂影像與錄像；Diemut以AI語言模型為起點，探問人與機器之間的界線與依存；Kim Ayoung則以首爾外送員為主角，發展出融合電動遊戲與充滿囈語和反思的錄像作品，對應著窗外的城市景色，揭示當今高科技社會下零工經濟迫使勞動被異化的處境。 而「精神」方面，陸揚和Jacolby Satterwhite分別以巨大的沉浸式錄像作品，探索佛教與靈性世界的理解與想像。兩人分別從自身文化背景出發，結合科技和流行文化，打造出屬於數位時代的信仰美學。   Beeple《HUMAN ONE》，2021年。（竹久直樹 攝影／森美術館 提供）   Jacolby Satterwhite，《慈悲祈禱》（A Metta Prayer），2023年。作品藉由佛教的多元包容性，融合了舞蹈、錄像、扮裝和音樂等方式創作，試圖翻轉電玩暴力與混亂元素，並對美國社會的主流價值提出質疑與反思。（竹久直樹 攝影／森美術館 提供）   Kim Ayoung，《外送舞者的領域》（Delivery Dancer's Sphere），2022年。（竹久直樹 攝影／森美術館 提供） 「地景」則是由許家維《矽晶小夜曲》（Silicon Serenade）上溯AI運算核心——半導體原料「矽」和自然資源間的關係作為起點，延伸自藤倉麻子對於東京郊區和西亞沙漠的比較，揭開了城市空間的隱形法則，並試圖提供一個新的景觀模型、Jakob Kudsk Steensen以3D掃描與田野調查重構美國死亡谷公園（Death Valley National Park）而模擬出的虛擬生態系統，以及Adrián Villar Rojas開發的 「時間引擎」（Time Engine）軟體，將模擬地球特定時刻的景觀製成雕塑。「地景」不單指涉地貌，也擴及生物景觀。如Anicka Yi以機器學習模擬與繪製而成的神秘海洋世界，並創作出與之相應的生物雕塑和繪畫，與大數據共製出對於物種和生命演化的想像。   許家維，《矽晶小夜曲》，2024年。作品從台灣半導體業不可或缺的材料「矽」可從沙灘中提取為啟發，以遊戲引擎搭建虛擬沙灘場景，結合實拍實驗室場景與AI生成音樂。（竹久直樹 攝影／森美術館 提供）   藤倉麻子作品對照東京郊區與西亞沙漠的景觀演變。（竹久直樹 攝影／森美術館 提供） 「機器之愛」透過藝術家各自的創作，描繪出當代藝術與機器共作而生的創作思考和未來形貌；同時，這些對未來的思辨也映照出他們對時下社會與科技關係的提問和反思。展覽最後由Kate Crawford與Vladan Joler合作的巨大圖譜《計算帝國：自 1500 年以來的科技與權力譜系》（Calculating Empires: A Genealogy of Technology and Power Since 1500）結尾，長達24公尺的圖表，描繪了從西元1500年至今科技與權力如何交織，提醒觀眾科技變遷所引發的社會變化與權力角力，並非今日才開始。我們亦應藉此重新思考，如何在變局不斷發生的當下，與這些複雜關係共處。   Kate Crawford與Vladan Joler，《計算帝國：自 1500 年以來的科技與權力譜系》，2023年。（竹久直樹 攝影／森美術館 提供）   ❚ 執行編輯：謝佳均  

作者：劉曉樺（國立臺北藝術大學博物館研究所碩士、博物之島特約記者） 在資訊爆炸與節奏緊湊的當代生活中，「速食式」吸收資訊早已成為習慣，也悄悄改變了我們的感知模式。「慢藝術日」（Slow Art Day）活動創始人菲爾・特里（Phyl Terry）認為，只要放慢步調，專注觀察與反思眼前的藝術作品，即使缺乏藝術專業背景，也能深刻體驗藝術帶來的啟發與感動。 2017年，芝加哥藝術學院的一項研究指出，觀眾欣賞一件藝術品的平均時間為28.63秒，與2002年大都會藝術博物館的研究結果27.2秒相差無幾。主要的變化在於，當代觀眾多了拍攝藝術品的行為。觀展習慣的改變也凸顯了「慢藝術日」的價值——在節奏飛快的日常裡，為觀眾創造與作品深度互動的可能，並提醒我們重新思考觀看的意義：不只是時長問題，更關乎我們如何與藝術建立理解與連結。   「慢藝術日」的誕生與發展 這項活動的構想，源自於特里的一次親身經歷。原本對藝術興趣不大的他，參觀博物館多半是應妻子邀請。2008年6月，他決定改變以往匆匆瀏覽的習慣，嘗試以更慢、更專注的方式欣賞漢斯‧霍夫曼（Hans Hofmann）的《幻想曲》（Fantasia）。這次長達1小時的觀賞過程帶來前所未有的深刻體驗。翌年，他邀請數位受試者進行兩次實驗，並發現當觀眾放慢腳步、專注觀看少數作品時，才有機會將個人經驗／視角與作品連結，進而開啟較深層的感受與內在對話。他遂與一群志工開始推動「慢藝術日」，並逐步吸引更多博物館的關注與參與。 「慢藝術日」自2010年起成為年度活動，每年4月舉辦，鼓勵觀眾透過延長欣賞時間深入體驗藝術。目前，此活動已發展為具全球規模的藝術參與活動，在七大洲（包括南極洲）吸引超過700家機構參與，並累積舉辦逾1,500場專屬活動。今年，亞洲地區也有新加坡國家美術館（National Gallery Singapore）與韓國首爾藝術中心（Arts Center Seoul DOAM）等機構共襄盛舉。 在北卡羅萊納州藝術博物館參與慢藝術活動的觀眾正在討論畫作。（Courtesy of the North Carolina Museum of Art）   「慢藝術」如何實踐？觀看的節奏、方法與應用 「慢藝術」活動形式相當靈活，由博物館挑選作品和設計流程，能依照各館特色展現其典藏亮點。活動建議選出五件作品，引導觀眾花5至10分鐘仔細觀察每件作品，最後參與討論與分享。而活動倡導者之一的哈佛大學藝術史教授珍妮佛‧羅伯茲（Jennifer Roberts）給學生的觀看訣竅，即是想像自己「如同初次造訪地球的外星人，對地球的藝術知識一無所知」的心態，拋開對藝術知識的既定框架，將觀看還給純粹的感知與發現。 在博物館的實踐上，各大博物館也開始將「慢藝術」的理念融入展覽與教育活動之中。例如，美國北卡羅來納州藝術博物館（North Carolina Museum of Art），雖近年未正式登錄參與「慢藝術日」，但早期曾積極響應，並進一步將此方法擴展為「正念博物館」（Mindful Museum）專案，不僅提供現場引導活動，也提供線上活動指引與影音資源，鼓勵觀眾無論身在何處，都能嘗試與藝術建立連結。該館建議的慢藝術實踐方式如下：   選擇一件作品——可以是自己感興趣的，甚至是不太喜歡的作品。 放鬆心情（可深呼吸幾次），專注於當下。 設定至少兩分鐘的計時器，靜靜觀察作品，試著從不同角度或距離欣賞，避免過度分析。 反思這段體驗，若有疑問或好奇之處，可回家進一步研究，看看對作品的理解是否有所改變。 可透過以下提問加深與作品的連結： 作品的顏色、形狀、質感帶來哪些感受？ 哪個部分特別吸引自己？為什麼？ 如果能觸摸這件作品，會帶來哪些不同的感官體驗？ 作品是否引發某種情緒、記憶或故事？ 作品的哪些細節讓人感到好奇？對藝術家有什麼疑問？ 嘗試延長欣賞時間，探索對作品的印象有何變化？   此外，其他可嘗試的方法包括「透過藝術進行探究──三種基本步驟」（Inquiry through Art – Three Basic Moves）與「正念時刻：5-4-3-2-1基礎策略」（Mindful Moment: 5-4-3-2-1 Grounding Strategy）。   多人進行的慢藝術活動，可以互相交流觀察心得。（Courtesy of the North Carolina Museum of Art）   北卡羅萊納州藝術博物館每月兩次的正念博物館專案，除了慢藝術欣賞活動外，還有在作品旁進行的團體瑜珈。（Courtesy of the North Carolina Museum of Art）   「慢藝術」讓觀展體驗回到感知作品的起點 在緩慢成為奢侈的時代中，「慢藝術」概念不僅重塑了觀看的節奏，也促使博物館重新思考與觀眾互動的方式，朝向更具包容特質、容納多元感知與觀點的場域發展。當藝術欣賞不再只是館方單向的知識傳遞、界定作品的意義，而是讓觀眾依循自身感受與經驗，主動連結、詮釋作品，這種體驗模式無疑擴展了藝術參與的可能性，使藝術作品不僅是蘊含豐富知識的解讀對象，也成為引發個人化情感、對話與共鳴的起點。   ❚ 執行編輯：謝佳均

作者：黃星達（中華民國博物館學會秘書長、國立政治大學傳播學院博士） 國際博物館協會（ICOM）自 1948 年起定期舉辦大會，以促進國際博物館間的交流與合作。第 27 屆「杜拜大會」預計於 2025 年 11 月 11 日至 17 日在杜拜世界貿易中心（Dubai World Trade Centre, DWTC）舉行。 本屆主題為「在快速變遷的社會中展望博物館的未來」（The Future of Museums in Rapidly Changing Communities）【註釋1】，旨在回應當前社會與文化領域面臨的多重挑戰，並邀請全球博物館從業者共同思考：在轉型與不確定性與日俱增的時代，博物館應如何重新定位其功能與價值，調整角色與策略，以因應社會快速變遷與未來發展的需求。   位於市中心的杜拜世界貿易中心，鄰近地鐵站，是中東地區重要的國際會展與文化交流樞紐之一。（© Tara-ghrbb）   無形文化、青年參與與科技創新引領博物館前行 杜拜大會是自1946 年ICOM成立以來，首次於中東地區舉行，亦象徵其國際交流拓展至非洲與南亞等相鄰區域，具有重要的歷史與地緣意義。本屆大會將採實體與線上並行的混合形式，鼓勵全球博物館專業人士參與，共同回應瞬息萬變的社會環境。大會主軸聚焦三項核心議題，分別為： 「無形文化遺產的保存」（Safeguarding of Intangible Heritage）：本議題強調，在面對科技發展與人口結構改變等挑戰下，博物館所扮演的文化保存與傳承的重要角色。博物館應與在地社群協作，推動無形文化資產的活化與再生。大會預計邀請來自全球的專家學者與實務工作者，探討無形文化資產如何成為文化認同與創造力的驅動力，並思考創新策略，以確保其得以傳承至下一世代。 「青年力量」（Youth Power）：著眼於青年在博物館未來發展中的關鍵角色，特別是在青年人口快速增長的中東、非洲與南亞地區。大會將深入探討博物館如何成為青年參與公共事務與創意實踐的平台，鼓勵其參與博物館治理、政策制定與社會倡議，進一步促進跨世代間的對話與合作，形塑具包容性與延續性的文化空間。 「新興科技的崛起」（Rise of New Technologies）：本議題延續 2022 年布拉格大會所開啟的相關討論，聚焦博物館如何有效運用數位科技，提升文化資產保存、觀眾互動與營運效能。本次大會將探討博物館在數位轉型浪潮中，如何持續維護其文化價值與社會意義，同時靈活運用技術回應不同社群的需求，打造更具韌性與回應力的博物館經營模式。   專業委員會擴增與全球徵文開展 此次大會期間，ICOM 所屬的專業委員會已擴增至 35 個，其中 2023 年新增「社會博物館學」（SOMUS）與「永續發展」（SUSTAIN）兩項委員會，2025 年則再新增「典藏庫房管理」（STORAGE）委員會。另一方面，ICOM 倫理委員會（ETHCOM）也於 2025 年發佈《ICOM 倫理守則修訂草案》第二版，以回應博物館專業倫理在當代情境下的變化與挑戰。 在策略面上，ICOM 於 《2022–2028 年戰略計畫》中強調博物館在全球去殖民化進程中的關鍵角色，並設立「去殖民化工作小組」（Working Group on Decolonisation），系統性地探討歷史脈絡、倫理原則與方法論等層面，以協助博物館推動公平正義與社會包容，並深化與在地社群的互動連結。這些制度變革與核心議題，預期將在杜拜大會中持續深入討論。 隨著大會腳步將近，目前已有多個 ICOM 專業委員會啟動學術徵文活動。其中，國際博物館學委員會（ICOFOM）、人才培訓委員會（ICTOP）與典藏委員會（COMCOL）已於 3 月 15 日完成聯合徵稿。國際紀念與人權博物館委員會（ICMEMOHRI ）和國際音樂博物館與音樂收藏委員會 （ICMUSIC ）現正聯合徵稿中(至4月22日)，主題為「透過音樂和表演展現記憶與抵抗的風景」，其他委員會的徵稿資訊亦將陸續釋出。   博物館學會理事長洪世佑於2024年會員大會中表示，將號召全臺博物館從業人員參與杜拜大會，並規劃設立臺灣展區，展示國內博物館的多元實踐。（中華民國博物館學會 提供）   【註釋1】關於大會主題「The Future of Museums in Rapidly Changing Communities」的中文譯法，ICOM 官網採用「在快速變遷社會中的博物館未來」，中華民國博物館學會則為突顯博物館的能動性與前瞻性，翻譯為「在快速變遷的社會中『展望』博物館的未來」。   ❚ 執行編輯：謝佳均

作者：張致堯（國立臺北藝術大學博物館研究所碩士） 英國倫敦設計博物館（Design Museum）於2024年10月25日至2025年5月26日推出「提姆・波頓的世界」（The World of Tim Burton）展覽，這場展覽不僅是波頓五十年創作生涯的回顧，也是其全球巡迴展覽的最終站。從經典電影《剪刀手愛德華》（Edward Scissorhands）到近年大受歡迎的劇集《星期三》（Wednesday），波頓怪誕、黑暗卻充滿童趣的獨特風格不僅風靡影視界，也在視覺藝術與設計領域佔有一席之地。設計博物館不僅透過展覽回顧其經典作品，更透過創新的展示手法與沉浸式設計，帶領觀眾進入波頓式的異想世界。   現實與夢境交錯：從手稿到實物的靈光乍現 館方以「設計」為核心，將展覽定位為波頓創作過程的解剖圖。展覽不僅展示成品，更追溯這些作品從概念到實現的演化軌跡。例如，觀眾可以看到《剪刀手愛德華》中強尼・戴普（Johnny Depp）穿著的剪刀手道具，旁邊搭配波頓的手繪草圖，草圖上註解著「有機且邪惡」（organic and sinister）的設計要求。這種並置手法揭示了波頓如何以手繪作為起點，將內心的怪誕幻想轉化為具體的電影元素。 展覽也呈現了波頓與設計師合作的過程和方式。從《蝙蝠俠歸來》（Batman Returns）中蜜雪兒・菲佛（Michelle Pfeiffer）的貓女服裝，到《巧克力冒險工廠》（Charlie and the Chocolate Factory）的翁帕倫帕人（Oompa-Loompas）模型，這些展品不僅是電影道具，更是波頓與服裝設計師、佈景師共同打造的藝術品。展覽特別設置了一個再現波頓私人工作室的角落，桌上堆滿水彩畫、塗鴉筆記與《科學怪人》（Frankenstein）的咖啡杯，呈現他手作與設計並行的創作方式，讓觀眾理解他如何將設計視為構築世界觀的工具，而非單純的視覺裝飾。   展覽再現了波頓私人工作室的角落，桌上堆滿水彩畫和塗鴉筆記，並在展間內展示不同作品的手稿，呈現他手作與設計並行的創作方式。（Design Museum 提供）   沉浸式電影場景，走進波頓美學的設計奇想 波頓電影的特色之一，在於其獨特的色彩配搭以及場景氣氛。策展團隊透過動態燈光、投影技術與多層次裝置，以電影片場為設計靈感，營造出專屬於每部電影的獨特展覽空間，加上原稿、道具、戲服以及設計概念的解説，幫助觀眾深入理解其作品背後的巧思。 展覽涵蓋逾18部精選作品，包括1988年的《陰間大法師》（Beetlejuice）、1992年的《蝙蝠俠大顯神威》（Batman Returns）、1990年的《剪刀手愛德華》(Edward Scissorhands) 及2005年的《巧克力冒險工廠》（Charlie and the Chocolate Factory）等。亦首度展出《星期三》（Wednesday）的設計概念及戲服，這部作品作為波頓近期最受關注的代表作之一，不僅延續他一貫的怪誕風格，也代表他首次將電影語言帶入影集形式，嘗試以更貼近當代觀眾的觀影習慣呈現他的創作世界。使影迷可以一窺波頓如何將腦海中的奇幻想像轉化為視覺敘事，見證其從靈感發想到作品成形的過程。   展覽透過電影概念設計、服裝、道具與沉浸式燈光效果等多層次視覺體驗，營造出波頓式的奇幻氣氛。（Design Museum  提供）   看見怪誕中的人性、孤獨與現實 展覽更深入探討波頓美學背後的人性與孤獨。波頓的角色往往是社會邊緣人，並以浮誇的造型現身，訴說著孤獨靈魂渴望被理解的心聲。如《剪刀手愛德華》外型奇特、內心敏感的少年，或《聖誕夜驚魂》（The Nightmare Before Christmas）造型華麗、卻感到空虛迷惘的骷髏王傑克（Jack Skellington），這些角色在展覽中以素描、模型與服裝的形式呈現，透過幕後視角認識他們的誕生與蛻變。 展覽尾聲的影片放映區，以波頓童年常去的電影院為靈感，播放他與合作者的訪談，揭示這些角色的靈感源自於其成長經歷。他曾說：「最超現實的事物往往是真實發生的。」這句話也成為了展覽的主軸，提醒觀眾波頓的怪誕並非純粹幻想，而是對現實的另類反射。使觀眾意識到，波頓電影的魅力不止於風格化的視覺語言，更在於他如何以奇幻為名，道出那些對人性、孤獨與現實的深刻凝視。   展覽中展出了波頓筆下角色的模型，讓觀眾從模型的神態動作中感受怪誕背後不被理解的孤獨。（Design Museum 提供）   怪誕與奇幻的美學盛宴 作為世界巡迴的最後一站，設計博物館將「提姆波頓的世界」化為一場視覺與感官的饗宴，深入探索這位導演如何透過設計語言構築異想世界，一步步揭開這位大師的創作脈絡。無論是影迷、設計師還是藝術愛好者，都能從中獲得靈感，重新思考影像敘事與美學設計的關係。   ❚ 執行編輯：謝佳均

作者：郭庭耘（國立臺北藝術大學博物館研究所碩士生） 提到「移工」，我們會聯想到什麼呢？是刻板印象中小吃攤裡辛勤勞動的身影，還是火車站旁林立的東南亞商店？移工，是台灣各項產業運作不可或缺的勞動力。根據勞動部2025年的統計資料，在台移工人數已突破82萬人次，儼然成為台灣族群圖像不可忽視的一部分。然而，在工作現場之外，移工究竟擁有怎樣的生活樣貌與自我表達？ 「週末」意味著在日復一日的勞動循環中，得以稍作喘息的片刻。臺南市美術館「SUNDAY：臺灣移工當代藝術」特展（展期至2025年4月13日）便以「星期日」為題，匯集來自印尼、越南、菲律賓、泰國與臺灣的31組移工與藝術家創作，並將作品錯落於三個子題——「漂移之味」、「逃逸之方」以及「艷陽下南風吹」中呈現。   「SUNDAY：臺灣移工當代藝術」特展以「星期日」為主軸，帶領觀眾探索移工的日常與生命經驗。（臺南市美術館 提供） 跨國移動不只是身體的位移，地理的距離也放大了對家鄉的思念與牽掛。「漂移之味」展區聚焦在離鄉背井的苦澀。例如，菲律賓藝術家Alfredo & Isabel Aquilizan的作品《末班航機》與《地址：另一個國家計畫》，前者搜集各國移工的回收拖鞋，製作成巨大的翅膀，後者則以菲律賓移工的共同經驗——「Balikbayan」海運紙箱為靈感，呈現遷徙既乘載對新生活的期盼，同時也伴隨著對原有生活的取捨與離鄉的酸楚。而台灣藝術家侯淑姿的系列作品《望向彼方－亞洲新娘之歌》拍下跨國新娘在原鄉的家族，與移工在台灣拍攝的生活片刻並置展出，交織出故鄉與異地間的情感聯繫與視覺對話。   「漂移之味」展區中，Alfredo & Isabel Aquilizan以「Balikbayan」紙箱為靈感製作《地址：另一個國家計畫》。Balikbayan是 62 X 62 X 62公分的海運紙箱，在離家工作前，菲律賓移工都會以此寄送個人物品至海外，是跨國移動獨特的經驗。（臺南市美術館 提供）   「漂移之味」展區，展出在台移工記錄日常的攝影作品，左至右分別為Thanawat Thanaphatthadasakul《泰國人的飲食文化》、Dioreena Badel《調味料》、Marino D. Camello《母親》。（臺南市美術館 提供） 「逃逸之方」展區試圖探討移工在台灣生活的多元面向，並進一步對當代台灣的勞動環境提出深刻的叩問。如Trần Duy Hưng（陳維興）以繪畫記錄自身從工傷意外及不公待遇，到成為「失聯移工」的心路歷程，展現移工視角下對制度壓迫的切身經驗與反思。 展間亦呈現台灣藝術家黃子明和張良一的攝影作品，黃子明以鏡頭捕捉1990年代初期台灣開放第一批外籍移工的日常場景，從節慶歡聚到街頭衝突，勾勒出移工生活的多重樣貌；張良一則透過高山農業的影像，探討移工選擇逃逸的背景與動機。與之對照的，還有One Forty（社團法人台灣四十分之一移工教育文化協會）的「Voice of Migrants」攝影計畫，從移工自身視角出發，以影像作為倡議手段，呈現移工在台灣的真實生活經驗。   因工傷意外斷指而被老闆拋棄，Trần Duy Hưng（陳維興）從此展開逃跑生活，繪畫成為其生活紀錄與心情抒發的管道。作品於「逃逸之方」展區呈現，以移工切身經驗為主體，引發對制度壓迫的反思（臺南市美術館 提供） 此外，橫置於展間，一座以陳舊漁船為意象的複合空間。是藝術家組合SILATURAHMI的裝置作品《魷釣船：漁場》及《SILATURAHMI：東港鹽埔2023-2024》。藝術家實地隨遠洋漁船出海，將親身經歷與觀察轉化為作品，該作品濃縮了船上勞動的見聞與身體感受：悶熱窄小的船艙、簡陋的睡袋與床板，揭示遠洋漁工艱困的生活條件，也提醒觀眾正視海上勞動權益與漁工處境。   藝術團體SILATURAHMI（盧昱瑞、吳庭寬、藍雨楨）的作品《魷釣船：漁場》、《SILATURAHMI：東港鹽埔2023-2024》。藝術家以影像紀錄隨船捕釣魷魚，與來自印尼、菲律賓、越南、中國等跨國漁工在海上度過六個月的生活，在「逃逸之方」展區中重現船上狹窄的空間，（臺南市美術館 提供） 展覽收尾於「艷陽下南風吹」展區，回望跨國遷徙不僅牽涉勞動結構的改變，更擴及婚姻、產業、人權等議題的深層思辨。本區以具象徵性與戲劇張力的作品，呈現隱於其中的矛盾與弔詭，進而引導觀眾重新思考這些衝突背後的制度性問題。 如尹子潔的錄像作品《泊洋》，以1968年「大力水手事件」【註釋1】為靈感——作家柏楊因刊載「大力水手」漫畫而遭判刑，事件反映出當時社會對言論自由的壓迫。作品中藝術家化身漫畫中的角色「奧莉薇」，透過戲謔與擬仿的方式，重新演繹這起荒謬的誤會，並與過去展開對話，帶領觀眾重新思考當代人權處境與表達自由的邊界。 步出展場，耳邊傳來廣播的聲響，由藝術團體「太認真」製作的《Kelapa椰子電臺》邀請觀眾坐在花圃，在陽光與椰蔭下，收聽穿插台語、印尼語的廣播節目，捕捉生活中的東南亞文化記憶，並思考多元文化如何在公共空間中並存與交會，提醒我們移工的故事不只存在於展場裡，更流動於生活與公共空間之中，等待被聽見、被理解。   藝術團體太認真（郭柏俞、佘文瑛）作品《Kelapa椰子電臺》，喇叭取代了樹上的椰子，放送台灣在地印尼樂團New Ramesta所演奏的爪哇民謠《Prau Layar》，以及婚姻來台多年的劉麗娜，以台語解說椰子俗諺的廣播節目，打開文化之間的對話。（臺南市美術館 提供） 有別於過往以社會、經濟議題為主軸的討論，「SUNDAY：臺灣移工當代藝術」以藝術創作為媒介，從移工鮮爲人知的心靈世界切入，帶領觀眾看見他們被忽略的情感表達與多元特質，進一步反思他們在當代社會中的處境與價值。 【註釋1】1968 年，《自由中國》雜誌在《中國學生周報》刊登一則以「大力水手」（Popeye）卡通人物為主角的政治諷刺漫畫，時任《學生周報》總編輯的柏楊因此被控影射時政、侮辱元首，遭當局以《懲治叛亂條例》逮捕並判刑。此事件被視為白色恐怖時期侵犯言論自由的代表案例之一。   ❚ 執行編輯：謝佳均

作者：謝佳均（文化部博物之島國內外資訊專區執行編輯） 在古希臘神話中，眾神的憤怒如雷霆萬鈞，既帶來毀滅與改變，也重新攪動每個角色命運。「憤怒」是一種強大的情緒，它可以引發災難，也可以激發創造與新生。位於雅典菲洛帕波斯山丘（Philopappos Hill）下，鄰近古代遺跡高地阿克羅波利斯（Acropolis）的情感博物館（Emotions Museum），透過展覽「在憤怒的宮殿裡！」讓觀眾理解憤怒，並學習與其共處。   坐落於住宅區中的情感博物館。（謝佳均 攝影） 自2006年成立以來，情感博物館長期致力於陪伴兒童與青少年探索與理解內在情緒。博物館堅信：覺察情緒並無標準答案，並鼓勵觀眾以自己的步調，發現情感表達的多元方法。2018年，推出展覽「在憤怒的宮殿裡！」（In Anger’s Palace!），並以童話故事為藍本，創造22位宮殿家庭成員，透過每個角色面對憤怒與衝突的故事情境，將具有災難性且強烈的負面情緒轉化為驅動「創造」的力量。 展覽主要分為三個展區，並依照各個展示裝置分為18個子題。每個精緻的裝置皆由館員親手製作，包含木工和手繪，結合空間的灰綠色調，營造出溫暖而療癒的氛圍。 宮殿成員肖像，每個角色都擁有獨特的性格特徵。（謝佳均 攝影） 然而，為什麼我們需要認識「憤怒」呢？因為它不僅是破壞與傷害的代名詞，更是理解自己、與他人建立連結的起點。展覽運用遊戲裝置，引導觀眾認識觸發「憤怒」的原因、反應與應對的方法。例如，宛如娃娃屋的「憤怒的宮殿場景」，邀請觀眾找出宮殿成員生氣的緣由，並為每個人選擇一個舒緩情緒的房間，思考可以透過哪些行動抒發「憤怒」。 而「走上衝突之路」則邀請親子共同參與，透過類似大富翁遊戲的設計，隨機提供可能引發「衝突」的情境，讓觀眾透過討論為需要釐清情緒的Amersouda公主做出選擇，並在一次次擲骰、討論與選擇中，共同練習面對衝突。   「憤怒的宮殿場景」裝置，邀請觀眾為各個角色的憤怒情緒尋找發洩的方法，包括健身房、摔東西區，以及整潔的書房等。（謝佳均 攝影） 另一方面，展覽也關注人際關係和刻板印象可能帶來的負面影響，並鼓勵觀眾放下外在框架，傾聽自己內在的真實聲音。如「監禁標籤」裝置，讓觀眾找尋對應角色特質的監獄門框，引導觀眾思索他人賦予的「標籤」如何成為限制個人發展的枷鎖。就像擅長廚藝的宮殿廚師，為了維持料理的完美，可能錯失享受恣意烹飪的樂趣。   「監禁標籤」裝置，邀請觀眾思索刻板印象對我們造成的影響，並試想可能擺脫束縛的行動。（謝佳均 攝影）   「友誼之謎」拼圖帶領觀眾探索建立或破壞友誼的行為。（謝佳均 攝影） 值得關注的是，除了遊戲互動，館方也鼓勵觀眾傾聽負面情緒向我們傳達的信號，釋放內心深處的煩憂與雜念。例如，展區中的「憤怒計數器」邀請觀眾以軟木塞投票選出時常引發自己憤怒的情境。「憤怒測量儀」則幫助觀眾按不同等級與程度排序自己的憤怒指數。 展覽指出「憤怒」通常是由其他情緒引起的第二情緒，並以「憤怒的大鍋！」引導觀眾辨識引發憤怒的其他情緒，如失望、悲傷與焦慮等。展區中可透過書寫或繪畫紀錄自己的內心絮語，並將之投入鍋中。館員會將這些思緒壓入鍋底，象徵情緒的沉澱，而鍋上沒有鍋蓋則象徵不壓抑自己的情感。不僅讓觀眾學會辨認情緒的根源，還鼓勵他們釋放內心的負面感受，以更溫和、坦然的方式擁抱自己的情感。   「憤怒計數器」邀請觀眾投票選出引發自己憤怒的情境。（謝佳均 攝影） 圖中展示的「憤怒的大鍋！」裝置邀請觀眾將情緒丟入鍋中，而鍋底的木材則標示著引發憤怒的其他情緒。（謝佳均 攝影） 此外，館內地下一樓專為學齡前兒童設計的展區，透過多元的感官體驗，激發幼兒對情緒表達的興趣。例如，展覽以多樣的材質製作觸摸裝置，包含菜瓜布、砂紙、毛毯等，邀請幼童透過觸摸思考生氣的「觸感」；或拿起聽筒，聆聽裝置中的各類聲音，試著想像「憤怒」會是何種聲響。並在感官的引導下，一點一滴拼湊出憤怒的形狀。   展覽運用肉桂、檸檬草、橘子等氣味展示，帶領觀眾透過聞嗅想像：若是憤怒有氣味，聞起來會是哪種味道？（謝佳均 攝影） 「我的存在，是為了讓你看見那些不願意面對的事物，好讓你找到真正想要的〔選擇〕。而每一次，選擇走進哪扇門，都由你決定⋯⋯。——憤怒」——譯自《在憤怒的宮殿裡展覽手冊》 如同館方化身為「憤怒」的角色，以溫柔而堅定的口吻提醒觀眾：情緒與感受沒有對錯，憤怒固然可能引發災難，卻也能成為轉化與創造的契機——最重要的是，我們能在情緒之中，照見更真實的自己。   ❚ 執行編輯：黃淥／謝佳均