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藝術與時尚聯袂演繹的未盡之夢:東京都現代美術館「Christian Dior:夢之設計師」
藝術與時尚聯袂演繹的未盡之夢:東京都現代美術館「Christian Dior:夢之設計師」
作者/攝影:李亦晟(藝術文字工作者) 近期於東京都現代美術館盛大開幕的「Christian Dior:夢之設計師」(2022.12.21—2023.5.28),曾先後巡展至法國巴黎裝飾藝術博物館、英國倫敦V&A博物館、中國上海龍美術館(西岸館)等地。展覽除了回顧Dior如何成為二戰後新時尚的代名詞之外,也述說品牌創辦人Christian Dior對藝術與美的追求。包含極具代表性的New Look腰線設計及Dior花園的花卉元素皆出自其手,但較不為人知的是——Christian Dior本人實際上也相當著迷於前衛派的藝術風格,甚至還經營過一家畫廊,曾為Alberto Giacometti和Salvador Dalí舉辦個展。 1959年,Christian Dior為明仁皇太子的未婚妻美智子皇太子妃親自設計三套西式結婚禮服,圖為手稿。(李亦晟 攝影) 「Dior and Japan」展區陳列了John Galliano以葛飾北齋浮世繪《神奈川沖浪裏》為設計靈感的高級訂製服,也包含其他設計師以日本為靈感的作品。(李亦晟 攝影)   延續創辦人對藝術的重視,本展並非採取傳統式的套裝展覽,而是因地制宜與在地文化脈絡進行對話。例如「Dior and Japan」展區,陳列了一件在1953年被Dior先生命名為「日本花園」(Jardin Japonais)、以櫻花與鳥為題的禮服,其更於2017年春夏系列由Maria Grazia Chiuri重新演繹;及另一件John Galliano以葛飾北齋浮世繪《神奈川沖浪裏》為設計靈感的高級訂製服。展場中,建築師重松象平透過阿波和紙,結合青森睡魔祭(ねぶた)與障子(しょうじ)等日式藝術/建築所使用的糊紙技法,呈現出極具日式美學的空間,另一方面,此種策展手法也可做為影像投影的底襯來製造視覺上的流動感,並藉由質樸的寧靜之美協調不同時期與風格的設計語彙。 建築師重松象平打造出從地板延伸至到天花板的大斜坡,配合頂部的鏡面創造出超乎日常的視覺透視效果與多層次美學。(李亦晟 攝影)   攝影師高木由利子富有詩意的作品,也是特展的亮點之一。她在巴黎逗留數週期間拍攝近120件Dior時裝,捕捉品牌獨有的戲劇性剪裁與廓形。慣以各種方式探索人與衣服之間關係的高木由利子說:「聽說Dior先生喜歡花,所以我想到了使用西洋的束花與日本的切花,創造出在靜態之中又富有動感的影像」。「Dior’s Legacy」展區參考日式室內裝飾中常用的襖(ふすま)與垂簾(すだれ),將攝影作品放大輸出作為隔板、展示高木拍攝的歷任設計師作品。在一個空間內切割出多個單元卻又相互連貫,創造出一種複合的空間敘事,讓觀眾可以從視覺上理解Dior品牌從創辦人到繼任者所傳承的連續性。   日本巡展主視覺由攝影師高木由利子所拍攝,以富含詩意的照片在侘寂的氛圍中呈顯Dior歷任設計師的創作思維。(李亦晟 攝影)   展覽特別搭配了東京都現代美術館典藏的7位藝術家、共16件作品一同展出。從戰前到今日,反映時代面貌的藝術品,也在展場各處與時尚設計互相呼應。「Stars In Dior」展區展出Grace Kelly、戴安娜王妃和Jennifer Lawrence在奧斯卡頒獎典禮上曾穿過的晚禮服,後方則展示著名藝術家Andy Warhol的三幅《瑪麗蓮.夢露》絹印版畫,並以點點光源呼應好萊塢的星光絢爛。 而以日本花園為靈感的展間,則擺放設計師從花卉擷取靈感所創作的禮服。剪紙藝術家柴田あゆみ將無數紫藤花飾紙懸掛在天花板上,搭配漂浮在鏡面的展示台上、好似層疊花瓣般搖曳生姿的裙襬,營造鏡花水月般的效果。牆上,田淵安一的油彩畫作《眠花組曲》、手塚愛子解構織品纖維又再編織而成的當代藝術作品《Mutterkuchen - 01(你有可歸之處嗎?若有的話,是巧合嗎?還是必然?》與其他畫作,使出現在洋裝與晚禮服上的立體花朵、刺繡及印花細節,伴隨柔美而鮮活的意象一同綻放於展間之中。   美術館從珍貴館藏中精選與展覽相關的作品,交織出藝術與時尚相會、如夢似幻般的場景。(李亦晟 攝影)   本次展覽通過策展人、建築師、攝影師和學藝員[註1]的不同詮釋,重新演繹Christian Dior的精神,在回首75年「歷史」同時,也勾勒出時尚設計師和藝術家那永不止息、勇於追夢的「未來」。時裝的本質做為一種藝術形式,與日式美學觀點中複雜的精神性與極簡內涵相交,創造出文化之間的獨特聯繫。本次巡展也不僅止於機構單向借展的關係,而是試圖在兩地之間覓尋一種共時性的可能與想望,期待日後抵臺的國際展覽也能以對話作為基礎,體現博物館的在地化價值與文化交流的重要理念。   本次展覽通過策展人、建築師、攝影師和學藝員的不同詮釋,重新演繹Christian Dior的精神,在回首75年「歷史」同時,也勾勒出時尚設計師和藝術家那永不止息、勇於追夢的「未來」。(李亦晟 攝影)   執行編輯:郭冠廷 註釋1:日本《博物館法》中的第四條第三及四項提及:「博物館應任用具有專業的職員為學藝員(学芸員),其為進行博物館資料的收集、保管、展示、調查研究及其他相關事項的專業職務」。與臺灣較不同之處在於:學藝員應在大學或取得相關學分,並通過文部科學省的資格認定測驗,方能取得學藝員之資格。
2023/02/07
如何地方?何以社群?內惟藝術中心展示的「內惟」敘事
如何地方?何以社群?內惟藝術中心展示的「內惟」敘事
作者:謝宇婷(高雄市立美術館助理研究員) 高雄市立美術館園區西側,由16個四邊形組成的「內惟藝術中心」,於2022年11月啟動試營運。 在此之前,「內惟」可能是個讓人陌生的名稱,甚至很多高雄人都不知曉。內惟人也較常以「鼓山區」或是「美術館附近」代指此地。鐵路尚未地下化前,縱貫鐵路劃分出老內惟聚落與新開發的美術館特區,內惟人甚至用「跨過結界」來形容跨越鐵軌進入市區的動作。 內惟日治時期老地圖,呈現內惟與鄰近地區的關係。(內惟藝術中心 提供) 當代的內惟地圖,馬卡道路貫穿期間,呈現當地地理特色。(內惟藝術中心 提供)   事實上,「內惟」源自「內圍社」,稱呼早期平埔族以竹籬圍欄而成的區域,是一個依傍壽山、泉水發展已久的老聚落,保留許多歷史痕跡。內惟藝術中心的成立,除了作為融合電影院、展廳、餐飲與文物修復空間的多功能藝文空間,也創造探詢內惟脈絡、與在地社群互動的契機。 目前內惟藝術中心展出數件作品,企圖與在地文史及當地社群對話,讓來訪觀眾更加瞭解內惟。泰國印度裔藝術家阿運.若望恰庫(Navin Rawanchaikul)的委託創作《內惟戲院》(Neiwei Rama)系列,即為一例。 阿運·若望恰庫《內惟戲院》系列中的畫作《昔日邊界內》。(圖片提供:Navin Rawanchaikul and StudiOK)   阿運以他擅長的電影看板繪畫風格,在作品《昔日邊界內》(Once Within Borders)串聯內惟與泰北兩地的故事。因為疫情阻隔,藝術家自2019年底走訪內惟後僅能遠端創作,於是他追溯臺灣與泰國之間的歷史淵源,前往泰北邊境訪查19世紀起往來邊界的滇緬社群,以及國共內戰後的國民黨軍隊後代。因此作品畫面右側為內惟故事,左側則是泰北。「昔日邊界內」的概念不只呼應內惟地名的由來、過去鐵路將內惟一分為二的歷史,也指出社群如何於邊界上跨越遷徙。搭配該作品的紀錄影像,配音特別邀請內惟居民朗讀藝術家給內惟的信,象徵兩地之間的互動,展場也納入內惟社群的訪談影片《內惟群像》,由居民訴說屬於內惟的經驗與記憶。 阿運·若望恰庫《內惟戲院》與走路草農_藝團《兩個太陽》相對展出。(鄭景陽 攝影,圖片提供:內惟藝術中心) 不願被遺忘的故事!異域故事館常設展為孤軍發聲   對應《內惟戲院》,作品《兩個太陽》由高雄藝術團體「走路草農/藝團」創作,以日治時期左營桃子園因興建軍港而遷村至內惟與新庄仔兩地的歷史進行發想,再度回應了社群在邊界內外流動、遷徙的命題。《兩個太陽》以圓形金屬鏡面折射到牆面的兩個圓形太陽,呼應兩地皆有的太陽星君信仰;《菱角?芋頭?蒸餾水!》則結合芋葉、菱角造型的金工雕塑,與高雄蒸餾水工廠使用過的玻璃瓶,讓人遙想不復存在的內惟埤塘光景。此外,錄像《從桃子園到桃子園》引用高美館近期典藏的《桃子園早春》,於昭和十二年(1937年)由日本藝術家田中善之助繪製,將當代水田景色填入畫作的輪廓中,想像軍事管制前的桃子園。 如果說前兩組作品探討內惟社群的流變,涂維政與羅懿君則從考古與歷史的角度,出發探討內惟過去文明發展的痕跡。涂維政作品《內惟埤考掘》虛構了一位日治時期的植物學家——木木邦生,以未來考古學的角度想像內惟。在高雄市歷史博物館規劃的「歷史解惟」展間,除了從馬卡道人與海盜的傳說,到日治時期的高雄溫泉、水泥、合板、磚窯等產業,講述內惟的前世今生,還邀請羅懿君創作《內惟考古的極限運動》,將內惟考古出土的文物現場轉化為攀岩場,以身體感知環境的變化。 羅懿君作品《內惟考古的極限運動》,將內惟考古出土的文物現場轉化為攀岩場,以身體感知環境的變化。(謝宇婷 攝影) 涂維政《內惟埤考掘》虛構了一位日治時期的植物學家,以未來考古學的角度想像內惟。(鄭景陽 攝影,圖片提供:內惟藝術中心)   以「內惟」為名的藝術中心,或許指向藝文機構與地方交往的新可能:不只是透過短期的藝術節慶,而是更長遠的爬梳與展示,建構出屬於地方的論述。期許未來內惟藝術中心能持續此方向,深入並拓展藝術與在地社群的關係。   執行編輯:郭冠廷
2023/01/31
回家,要一個世紀:奧克蘭博物館歸還瓦魯孟古族文物
回家,要一個世紀:奧克蘭博物館歸還瓦魯孟古族文物
作者:莊婷雅(維多利亞與亞伯特博物館觀眾服務組員、萊斯特大學藝術博物館與美術館學碩士) 2022年11月14日週一早晨,位於紐西蘭的奧克蘭戰爭紀念博物館(Auckland War Memorial Museum Tāmaki Paenga Hira,以下簡稱奧克蘭博物館),以隆重莊嚴的毛利迎賓儀式(pōwhiri),迎來澳洲原住民瓦魯孟古(Warumungu)族人、以及澳洲原住民與托雷斯海峽島民研究中心(Australian Institute of Aboriginal and Torres Strait Islander Studies, AIATSIS)代表,正式將四件奧克蘭博物館典藏文物交還部落。 本次歸還的四件文物分別為:扁斧(palya/kupija)、斧頭(ngurrulumuru)以及兩個迴力鏢(wartilykirri),由知名英國人類學家Walter Baldwin Spencer與Francis Gillen於1900年初期研究瓦魯孟古族時蒐集而得(AIATSIS, 2022)[註1],奧克蘭博物館並沒有明確紀錄這些文物如何進入該館典藏系統。在離開故鄉長達120年後,於部落和館方共識下,四件文物重返瓦魯孟古族位於澳洲北領地州自治區(Northern Territory)內的坦南特溪小鎮(Tennant Creek),為博物館藏品檢視與部落文化維護寫下新的篇章。當月17日,紐西蘭南島的奧塔哥博物館(Tūhura Otago Museum)也在AIATSIS研究中心協助下,完成瓦魯孟古文物返還手續 [註2]。 本次歸還的四件文物分別為扁斧(palya/kupija)、斧頭(ngurrulumuru)以及兩個迴力鏢(wartilykirri)。(Photo by Richard Ng, courtesy of Auckland Museum)   奧克蘭博物館在去殖民的當代實踐 奧克蘭博物館座落於紐西蘭北島最大城市奧克蘭,為紐西蘭最早成立的博物館,目前擁有約四百萬件館藏,是紐西蘭規模最大的博物館之一。自1852年建館以來,館方除了不斷擴充藏品數量,更企圖呈現紐西蘭和大洋洲周邊島嶼獨特的自然歷史、軍事與戰爭事件,近40年來館方也持續加強原住民族文化研究,致力保存紐西蘭毛利文化和大洋洲島嶼文化。 奧克蘭博物館主建築外觀 ,建築設計強調第一次世界大戰紐西蘭參戰的紀念意義。(© Auckland War Memorial Museum - Tāmaki Paenga Hira)   立基長期與當地部落的合作經驗,促使奧克蘭博物館修正過去單純典藏與展示的概念。於2020年12月舉辦「去殖民化與原住民化博物館(Ngā Kākano: Decolonising and Indigenising Museums)」論壇,邀請學者與博物館從業人員探討如何將殖民時期納入的典藏,以更符合當代多元文化和去殖民的角度,講述博物館藏品的故事,同時強調,博物館不僅希望將展覽空間去殖民,更期待訴說「文化如何走向今日(Torika Tokalau, 2020)」,作為多元對話的開端。 奧克蘭博物館舉辦「去殖民化與原住民化博物館(Ngā Kākano: Decolonising and Indigenising Museums)」論壇會議。(截圖自Auckland War Memorial Museum YouTube video ‘Ngā Kākano: Decolonising and Indigenising Museums’)   一起讓文物回家! 文物歸還典禮上,瓦魯孟古族代表Jimmy Frank深刻表示「部落『長期以文物與自我認同共存的精神,至今仍是族人傳承文化的核心價值』」,與毛利文化類似,瓦魯孟古族同樣十分重視傳承文物與技法給下一代,這顯示了文物與族人的深厚連結和重要性,因為兩族群擁有相似的文化內涵與價值,Jimmy Frank也特別感謝奧克蘭博物館以毛利文化背景為出發點,照顧這些瓦魯孟古族文物,讓它們得以安好回到故鄉。 奧克蘭博物館典藏組長David Reeves(RNZ, 2022)認為:「當館方面對文物歸還議題時,首要思考的出發點,是以紐西蘭作為Aotearoa(毛利語譯為「長白雲之鄉」,泛指紐西蘭)的身份與部落展開開放式對話,並認同過往的博物館蒐集文物的方法,無法在當代被採用。(We like to think in Aotearoa we are leading the edge in some ways. I think the first thing is an attitude towards openness, we can acknowledge that some of the collecting practices in the past aren't what we would support these days.)」,奧克蘭博物館館長則強調,文物歸還明確體現館方核心價值與正在努力的方向——重新連結族人後裔,與其寶貴的文物。 瓦魯孟古族代表(Jimmy Frank,左一)與奧克蘭博物館典藏組長(David Reeves,左三)於文物歸還典禮中正式交接四件部落文物。(Photo by Richard Ng, courtesy of Auckland Museum)   未來四件瓦魯孟古族文物將由位於坦南特溪鎮上的寧卡努努藝術文化中心(Nyinkka Nyunyu Art and Culture Centre)保存並展出,為部落未來世代講述遺失的歷史,並延續部落知識傳播。此次跳脫殖民統治範疇的文物歸還,把焦點還給部落、使文物重生,過程中多了部落的支持、肯定與神聖祝福,也為博物館文物歸還議題寫下暖心的一頁。   執行編輯:郭冠廷 註釋1:Spencer團隊在澳洲中部共蒐集超過6000件文物,現今已分散世界各地。 註釋2:奧塔哥博物館共歸還六件瓦魯孟古族典藏物件。
2023/01/30
沒有月經與陰道,哪來80億人類:博物館為女性生理平權吶喊!
沒有月經與陰道,哪來80億人類:博物館為女性生理平權吶喊!
作者:張慈安(國立歷史博物館典藏組研究助理) 世界上有一半的人擁有月經,作為自然生理現象,月經卻長期飽受禁忌污名;陰道與陰唇等女性生殖器官,更被大眾噤聲和忌諱。究竟,當代的博物館如何破除迷思、推動女性生理平權?   臺灣小紅厝,呈現你我的月經日常 全球第一個月經博物館在2022年6月30日正式開幕,座落臺北市大同區,小紅厝月經博物館由非營利組織「小紅帽WITH RED」(社團法人全球小紅帽協會)創辦,致力實現「月經平權」的社會倡議。館內不僅展示生理、心理、藝術與社會的月經議題,也不定期舉辦各式活動,透過交流與溝通,讓月經不再被刻意隱蔽,而是積極正面的生命能量! 月經博物館入口處有可愛的血滴娃娃。(張慈安 攝影)   月經博物館建築改造自老透天厝,面積小巧,以紅與白作為博物館整體的色彩基調。門口板凳上,面帶微笑的可愛血滴造型娃娃,歡迎大家來一探究竟。走入館內,1樓「月經聚落」展示館所的成立使命、月經生理知識及特展內容,紅色的大樹後面是一整面彩繪各式外陰部的洗手台創作《生來綻放》,呈現女性天生百態的外陰部模樣。館內也有免費提供女性生理用品的友善廁所,搭配「月經行動」計畫說明,包含:協助弱勢青少女個案服務、打造校園及公共場域月經友善空間的「幫你留一份」及「月經友善地圖」等,讓觀眾瞭解正確的生理知識之外,共同促進「月經平權」社會。 「月經聚落」展場。(張慈安 攝影) 由小紅帽團隊繪製各式各種的外陰部創作《生來綻放》,呈現女性自然生理結構。(張慈安 攝影)   爬上樓梯,觀眾可進入2樓展區「我們都曾住過的子宮」。經由月經現象牆的引導,探索兩個社會議題:一是因經濟拮据,導致無法取得適當生理用品,造成身心負面影響的「月經貧窮」;其二為因月經負面刻版印象,造成社會對女性不平等待遇的「月經汙名化」。搭配月經教材和用品展示、不同世代的月經經驗分享,加強大眾對「月經」及相關社會現象的認識與正向態度,整體而言,月經博物館十分適合三五好友結伴參觀,也是家庭親子活動的好選項。 「我們都曾住過的子宮」展場。(張慈安 攝影)   英國陰道博物館,打破女性生理迷思 無獨有偶,位於英國倫敦的「陰道博物館(Vagina Museum)」,也以女性生理為主題。該館由Florence Schechter女士於2019年成立,常設展「陰道始末(From A to V)」透過解剖學、健康、外陰多樣性及行動主義四大主題,讓觀眾理解「陰道」和女性生殖生理的自然現象,破除迷思與誤解。當前特展「月經簡史(Periods: A Brief History)」,則探索歷史上關於「月經」的文化信仰,這些信仰又如何影響了我們的生活。藉由展覽,希望人人能以健康自信的態度面對與討論相關議題,共同實現平等的多元社會。 英國陰道博物館入口處。(Credit: Vagina Museum) 陰道博物館舊址時特展「Muff Busters:Vagina Myths and How To Fight Them」的模型展品,以沾血的月亮杯與衛生棉條說明月經並不骯髒,它就只是個非常正常的生理現象!該展品在新址也有展出,但展場規劃有所調整。(Credit: Vagina Museum) 陰道博物館參觀指南-YouTube影片   不論月經博物館或陰道博物館,皆透過正視女性自然生理結構,爭取同樣身為「人」的平等對待,期待你我的持續努力,真正落實平權社會。   執行編輯:郭冠廷
2023/01/20
是創新還是噱頭?從圖坦卡門的兩個特展看沉浸式展覽在美現況
是創新還是噱頭?從圖坦卡門的兩個特展看沉浸式展覽在美現況
作者:劉曉樺(自由作者/國立臺北藝術大學博物館研究所碩士) 你看過沉浸式展覽嗎?走入挑高空曠的展間,被巨大投影與聲光效果環繞,感受身臨其境的超然體驗,是近年風靡歐美與亞洲的展覽形式,且已發展出各類主題。如今,在埃及最年輕的法老——圖坦卡門陵墓出土百年之後,美國有兩個相關主題的沉浸式展覽應運而生。   死後世界的奇幻大片!身臨其境圖坦王(Immersive King Tut)特展 「身臨其境圖坦王(Immersive King Tut)」特展由加拿大燈塔身臨其境公司(Lighthouse Immersive)推出,在美加地區十四個城市展出,展覽主題圍繞著死後世界。一開始的展廳是全景式投影的埃及陵墓造景,動態光影營造出虛擬現實的錯覺。接著,觀眾可進入偌大的主展間,隨意落座,傾聽太陽神述說圖坦卡門如何作為最年輕的法老,在英年早逝後經歷的死後奇幻世界,時間大約半小時,其中古埃及的經典圖騰、文物、建築伴隨著上天下地的情景變化,由四面八方的投影相互呼應,其聲光效果比阿凡達3D電影更為強烈。可惜整個展覽僅有純故事的光影饗宴,並無深入解說或延伸資訊的設計,少了寓教於樂的充實感。 「身臨其境圖坦王(Immersive King Tut)」特展沉浸式投影中的古埃及圖樣。(劉曉樺 攝影)   跨越時空的埃及體驗?超越圖坦王(Beyond King Tut)特展 另一沉浸式特展為「超越圖坦王(Beyond King Tut)」,由國家地理雜誌(National Geographic)和Paquin Entertainment Group合作於美加地區五大城市展出,展示內容較為多元,從圖坦卡門陵墓被發現時的考古紀錄開始,接著介紹陵墓中的經典文物,展覽中除了巨大投影效果外,觀眾可以經由精巧仿製的陵墓展品,感受身處考古現場的氛圍。 National Geographic immerses viewers into the world of King Tut | Open Studio-YouTube影片 其中,展覽特別將圖坦卡門隨身攜帶的桌遊放大再現,讓觀眾在體驗古埃及桌遊的同時,瞭解圖坦卡門9歲成為國王但依舊不變的童心。最後展廳中央放置古埃及人通往死後世界的冥船,四周高聳的投影,加上錯落懸掛的展版,一同訴說古埃及對死後世界的想像與文化。 「超越圖坦王(Beyond King Tut)」特展展場。(Credit: Beyond King) 「超越圖坦王(Beyond King Tut)」特展展場中包含圖坦卡門隨身攜帶的桌遊放大模型,讓觀眾在體驗古埃及桌遊。(Credit: Beyond King)   沉浸式展覽在美旋風 在「身臨其境圖坦王」特展之前,燈塔身臨其境公司邀請2019年於巴黎吸引超過兩百萬名觀眾的「梵谷‧星夜(Van Gogh, Starry Night)」特展策展人,2020年在美加地區推出「身臨其境梵谷(Immersive Van Gogh)」特展,此展伴隨Netflix熱播影集順勢引起許多美國民眾的興趣[註1],當時全球以梵谷為題的沉浸式特展就多達五個。至今,燈塔身臨其境公司推出的特展已吸引四百萬名以上觀眾,近期更配合冬季節慶,推出第三個胡桃鉗故事主題特展。而另一家公司Paquin Entertainment Group的沉浸式特展主題同樣多元,包括梵谷、莫內、恐龍,和漫威復仇者聯盟等。 Immersive Van Gogh art exhibit coming to Phoenix | FOX 10 News-YouTube影片   如何寓教於樂?沉浸式展覽的未來挑戰 綜觀前述兩檔圖坦卡門特展,可以發現沉浸式展覽是一種中性媒介,能單純強調特殊的感官娛樂體驗;也能加入展覽理念和教育元素,成為欣賞與學習的新興管道。當大眾願意支付高額門票體驗沉浸式展覽,如何在感官刺激後,讓他們回味無窮?甚至產生探訪實際文物、或進一步搜尋學習資源的動力?若能藉此培養博物館的未來觀眾,未嘗不是一種新途徑;然而,沉浸式展覽若一味追求渲染風潮,博物館潛在觀眾也會伴隨空洞影片與稍縱即逝的驚奇,消耗殆盡。   執行編輯:郭冠廷 註釋1:Netflix影集「艾蜜莉在巴黎(Emily in Paris)」於 2020年底熱播,在第一季第五集劇中,三位主角一起參觀了當時在法國巴黎蔚為風潮的「梵谷‧星夜(Van Gogh, Starry Night)」沉浸式特展,讓大眾為之著迷。
2023/01/19
地方記憶的串聯與交織:新竹市美術館《敘事竹塹攝影史詩》特展
地方記憶的串聯與交織:新竹市美術館《敘事竹塹攝影史詩》特展
作者:黃小聞(國立臺灣藝術大學藝術管理與文化政策研究所碩士生) 新竹市美術館《敘事竹塹攝影史詩》特展於2022年12月9日正式開幕(展期至2023年2月28日),展示的攝影作品環扣桃竹苗地區的生活寫真與在地敘事。策展論述沿用法國思想家羅蘭‧巴特(Roland Barthes, 1915-1980)講述傳統攝影的「此曾在」(法ça a été,英That has been)觀點,希望藉由歷史影像中的「刺點」(punctum),產生跨時空的記憶共振。此展分為「信仰與生活篇」及「生存與環境篇」,重現不同時代中桃竹苗先民打拼的生活寫照。 新竹市美術館的前身為日治時期的「街役場」,功能相當於現在的鄉鎮公所。(圖片來源:新竹市役所 | 新竹市役所,維基百科)   新竹市美術館前身為建立於1920年代日治時期的「街役場」,功能相當於鄉鎮公所;1930年代因人口成長升格為新竹市,爾後改名為「市役所」。2001年,因其保有日本傳統建築的屋頂與裝飾,及西方近代建築風格的屋身,登錄為縣(市)定古蹟,並由新竹市文化局管理營運。 在歷經整修及規劃後,2016年轉型為新竹市美術館,以展示當代藝術為館舍宗旨,為新竹市區注入藝文氣息。值得關注的是,新竹市美術館在空間意象上從原先以治理為目的的官方辦公空間,轉化為當代藝術對話及串連在地記憶的展示空間,充分展現了文化資產轉化為博物館的多元樣貌與地方實踐的精神。 攝影師葉裁的作品《賣麵女孩-內灣車站》,影像呈現早期內灣車站的景象,提著麵碗叫賣的女孩是當時通勤族的共同回憶。(黃小聞 攝影) 攝影師張乾榮的作品《牧童掌牛系列》,影像中邊務農邊讀書的牧童,顯現出早期農家子弟的生活型態。(黃小聞 攝影)   展覽中跨時空的攝影作品,串連起觀者(viewer)的記憶與話題。新竹市美術館因臨近新竹市護城河親水公園,假日可看見許多家庭到此參觀展覽,相較於當代藝術創作,攝影作品似乎更能吸引在地居民前來參觀,或許是因爲以生活為題的歷史影像更容易與觀者產生共鳴。在觀展的過程中,許多民眾透過作品喚起了兒時記憶,因而與同行者創造了許多話題,一次次的對話,也加深了與「新竹」二字的連結。例如攝影師葉裁的作品《賣麵女孩-內灣車站》,便勾勒出早期內灣車站通勤族的記憶,叫賣麵條的女孩身影彷彿歷歷在目,相比與現今台鐵車站內的連鎖賣店,呈現截然不同的人文地景。張乾榮的作品《牧童掌牛系列》則呈現出早期務農子弟的學習日常,坐在牛背上的牧童一手扶著牛背一手拿著書冊的認真模樣,給予在科技時代成長的觀者另一種生活的想像,重新反思教育學習的可貴。 參觀的民眾,藉由歷史影像開啟話題,透過生命經驗的傳承與分享,共構出新竹在地的集體記憶。(黃小聞 攝影)   誠如羅蘭‧巴特所說,雖攝影作品中的場景已不復存在,但藉由附加在影像畫面中的「刺點」觸發觀者的生命經驗,使其能從一幀幀的歷史黑白影像中,找到與自身的關聯性。而觀者在彼此交流生命經驗的過程中,也同時共構出世代間的集體記憶,使年輕的世代透過生活記憶的傳承,凝聚同屬於「新竹」這片土地的人文關懷與地方感。   執行編輯:郭冠廷
2023/01/16
耳朵的藝文之旅!博物館Podcast以聲音傳播知識與藝術
耳朵的藝文之旅!博物館Podcast以聲音傳播知識與藝術
作者:藍敏菁(社團法人中華民國畫廊協會附屬台北藝術產經研究室編審、國立臺灣藝術大學藝術管理與文化政策研究所博士生) 博物館界鼓勵發展數位創新技術,並非COVID-19疫情後的趨勢。早在1990年,美國博物館聯盟(The American Alliance of Museums,簡稱AAM)旗下的媒體與科技委員會(Media & Technology Committee)便設置繆思獎(Muse Awards),旨在鼓勵博物館專業人員發展創新科技,提升博物館的公眾服務力並促進觀眾參與博物館。 我們現在熟悉的「Podcast」也於2008年增設獎項[註1],美國一些著名的博物館都得過繆思獎的Podcast項目,而其中最大贏家,是舊金山現代藝術博物館(San Francisco Museum of Modern Art,簡稱SFMOMA)——於2017至2019、2021年屢屢獲獎,尤其2021年Podcast節目《觀察者的分享:藝術家基佛》(The Beholder's Share——Anselm Kiefer)採用詩、文學與藝術的對話,贏得評審青睞,榮獲金獎。   SFMOMA 2021年Podcast節目《觀察者的分享:藝術家基佛》(The Beholder's Share——Anselm Kiefer)採用詩、文學與藝術的對話,贏得評審青睞,榮獲金獎。(螢幕截圖自Soundcloud)   Podcast金獎得主的秘密? 早在2006年,SFMOMA便將Podcast視為吸引觀眾的重要媒介,期許促進藝術家發聲,並提供藝術愛好者一個認識藝術家的多元管道,探索現代和當代藝術背後的靈感和故事。2016年新版Podcast開播前,館方更事先進行了嚴謹的研究調查,明確風格定位。 在內容上,SFMOMA Podcast目前共有7季,每季節目均聚焦一個特定主題。例如第一季聘請兼具作家與視覺藝術家的獨立策展人Ross Simonini為主持人,他從Bruce Nauman的作品《原材料》(Raw Material)發現符合SFMOMAPodcast的核心價值——那些未經提煉的「原始材料」,正適合用來發掘藝術家的思想與創作歷程,與藝術愛好者互動與溝通,因此,《原材料(Raw Material)》也成為SFMOMA Podcast的頻道名稱。 而第二季與第六季Podcast的副標題「混音帶(Mixtape)」,代表該季會收錄其他頻道的節目內容。如第六季《觀察者的分享》特別邀請寂寞調色盤(Lonely Palette)Podcast的製作人Tamar Avishai負責編輯與製作,她便挑選與收錄了以設計和建築為主題的電台節目99% Invisible、J·保羅·蓋蒂博物館 (J. Paul Getty Museum)的Recording Artists,以及紐約現代藝術博物館 (Museum of Modern Art)的The Way I See It等多元節目。在Avishai挑選的節目當中,會邀請現場觀眾分享他們對藝術品的感受與理解,特別是2020年全球Covid-19大流行期間,博物館被迫關閉,這一系列主題讓聽眾產生了特別的共鳴。(Hub & Spoke, 2022) 若我們仔細聆聽獲得金獎的Podcast節目《觀察者的分享:藝術家基佛》,製作人暨主持人Avishai從SFMOMA所收藏的Kiefer 兩幅巨大混合媒材畫作《MARGARETHE》(1981年)和《SULAMITH》(1983年)獲得靈感,透過猶太大屠殺的歷史視角,來詮釋歌德的《浮士德(FAUST)》和理解希伯來聖經的《雅歌》,並且與羅馬尼亞裔的德國詩人和猶太大屠殺倖存者Paul Celan在1947年撰寫的詩歌〈死亡賦格(Todesfuge, “Death Fugue”)〉進行對話,把詩歌、藝術創作與文學作品帶入了另一個更高層次的賞析。對此,評審評價:「這一節目將Podcast推向了一個全新的境界,它本身就是一件藝術品」(AAM 2022)。 Anselm Kiefer於1981年的作品《MARGARETHE》,其中使用了稻草,藝術家曾表示他偏好在作品中實現流動性和可塑性,儘管這對作品的維護「可能是一個大挑戰」。(Credit: The Doris and Donald Fisher Collection at the San Francisco Museum of Modern Art © Anselm Kiefer) Anselm Kiefer《SULAMITH》,1983。(Credit: The Doris and Donald Fisher Collection at the San Francisco Museum of Modern Art © Anselm Kiefer)   吸取經驗,我們如何做得更好?國內博物館Podcast盤點 我國博物館在2020年因疫情也開始製作Podcast節目,各博物館與美術館採用策略與關注焦點不同。如淡水古蹟博物館的《淡博名利》,請到廣播金鐘獎得主吳宇軒化身為節目記者「名利」,採用流行影視常用的「時間穿越」概念,讓「名利」回到160年前的淡水,進行實況報導,所用材料來自「淡水開港相關展示史料蒐集」調查報告。 淡水古蹟博物館《淡博名利》Podcast系列。(螢幕截圖自Apple Podcast)   國立歷史博物館Podcast則從「看」《歷史文物》季刊,延伸到「聽」文物的傳播方式,希望打造聽的行動博物館;而國立故宮博物院《宮說宮有理》與台北當代藝術館《MoCA on Air》,都經過市場調查鎖定目標觀眾,再進行節目製作與主題。 台北當代藝術館《MoCA on Air》Podcast系列經過市場調查鎖定目標觀眾,再進行節目製作與主題。(螢幕截圖自Apple Podcast)   有些館舍更另闢蹊徑,打造與眾不同的聽覺饗宴,如嘉義市美術館第二季《移動的廣波》將Podcast定調為「聲音策展」,作為博物館展覽之外的延伸,特別採用計程車司機聽廣播的概念,讓觀眾可以善用通勤或工作時間,以聽覺「思考藝術」;此外,國立臺灣博物館第一季《臺博館說給你聽》採用劇場式的人物出場,透過守護精靈創造沉浸式臨場感,讓人耳目一新。 從錄音機到PODCAST! 博物館語音導覽的進程與製作經驗談   聆聽平權的未來 如今,國外博物館製作Podcast時,往往會留意聽障者的文化參與權,因此附有完整的文字稿,如美國網站林肯總統小屋(President Lincoln’s Cottage)製作的《Q & Abe podcast》,或大英博物館(The British Museum)podcast;對比國內博物館Podcast大多為重點摘要節目內容,顯示在文化平權的細節,值得國內博物館在未來參考。   執行編輯:郭冠廷 註釋1: 2011到2017年之間,Podcast與語音導覽合併為一個獎項,直到2018年,Podcast從語音導覽獨立出來,成為繆思獎的獨立獎項,也代表Podcast的重要性。
2023/01/13
你準備好坐上法官席位了嗎?司法博物館「我是國民,也是法官-國民法官制度特展」
你準備好坐上法官席位了嗎?司法博物館「我是國民,也是法官-國民法官制度特展」
作者:葉家妤(文化部博物之島專欄執行編輯) 今(2023)年1月1日開始實施《國民法官法》,你準備好了嗎? 司法博物館(國定古蹟臺灣臺南地方法院)於2022年12月4日開幕「我是國民,也是法官-國民法官制度特展」,展場中特別規劃了國民法官法庭場景,並設計完整的法庭審理過程互動體驗,讓觀眾能認識國民法官的審理流程及制度沿革,促進對新制度的理解。   鏡子前的你我,都有可能是國民法官 步入展區,六大面不同形狀的鏡子映射出每位觀眾的模樣,主視覺意象以此暗喻「人人都有可能成為國民法官」——只要年滿23歲、具有中華民國國籍,且於「地方法院管轄區域」連續居住滿4個月以上,以及符合其他國民法官制度,皆有機會被地方政府抽選為國民法官。 「國民法官」展於入口的主視覺意象,6塊鏡子映照每一位觀眾,代表「人人都有可能成為國民法官」。(葉家妤 攝影)   本特展分為「國民法官Online」與「國民法官ing」兩個展區。前者仿造了國民法官法庭場景,搭配互動遊戲,讓觀眾體驗未來審理過程,然而不同於真實法庭的肅穆氛圍,展覽以明亮的藍色調與原木桌進行設計,使空間溫和許多,讓觀眾拉近與法庭的距離、減少壓力和緊張,較輕鬆地接觸國民法官制度。 在「國民法官Online」互動體驗中,觀眾需坐在國民法官席位,透過手機掃描QRcode開啟互動機器人對話網頁,搭配席位上每位參與者皆有的「國民法官Online審判速成指南」,以及六份檢查官、辯護人、被告、被害人、證人的詰問音檔,體驗完整審判過程。 展覽以明亮的藍色調與原木桌,打造輕鬆氣氛的國民法官法庭場景。(葉家妤 攝影) 觀眾可以入座法官席位,以互動設計體驗審理過程。(司法院 授權)   國民法官Online!以遊戲熟悉審判流程 審判過程中,參與者需先宣誓國民法官誓詞,接著點選手機畫面上的「審前說明」聆聽法令解釋,以理解接下來欲審判案件的罪行法條內容。之後,參與者會觀看證物照片與聆聽六份交互詰問音檔,這也呼應《國民法官法》中,證據、事實與結辯皆會在法庭初次向法官們展現的規定[註1]。   「國民法官Online」互動遊戲需搭配手機、審判速成指南(互動說明書),及法官席位上的六份錄音檔進行。(葉家妤 攝影)   待參與者閱覽被告前案紀錄,並透過手機聽取檢察官辯護人辯論、被害人及被告表述音檔後,在開庭尾聲,參與者需立即判決被告是否有罪與判定罪行為何。如筆者認為遊戲裡的被告應為「準強盜重傷罪」,因此隨著遊戲設定,取下一枚法槌貼紙,貼到三種不同罪行的輸出設計上,而由此也可看見其他觀眾因社會價值觀不同,產生的各種審判結果。 在遊戲的尾聲,參與者需判斷被告是否有罪,而若有罪,其罪行應為「準強盜罪」、「準強盜重傷罪」或「準強盜致重傷罪」何者?落定判決後,將法槌貼紙貼上法官席位對面的罪行對應輸出設計裡,完成審判程序。(葉家妤 攝影)   漫長的制度之路:國民法官ing 第二個「國民法官ing」展區,則呈現《國民法官法》歷經36年才真正實施的漫長過程。展場中的年代表,從1987年司法院院長赴各國考察參審與陪審制度談起,到2020年立法院三讀通過《國民法官法》、2022年各法庭設置完成國民法官法庭,呈現無數人為新制度的殫精竭慮。而年表旁的新法案實施倒數電子看板,更一再提醒觀眾——今後你我皆有可能坐上國民法官席位。   讀到這裡,你對於《國民法官法》瞭解多少了呢?本展雖積極透過輕鬆有趣的互動體驗,使觀眾在短時間內體驗國民法官審理案件的流程,促進陌生新制度的理解,然而展覽若能再深入解釋國民法官的選任制度及權利保障,並透過司法院先前已舉行多次的國民法官模擬法庭,及與該法案相似、且已實施超過十年的日本裁判員制度經驗,向大眾解釋此重大法律變革的實質意義與風險,應更能幫助觀眾做好準備。 「國民法官ing」展區呈現關於《國民法官法》的重要事件年代表,並倒數法案上路的天數。(司法院 授權)   執行編輯:郭冠廷 註釋1:根據《刑事訴訟法》第264條,檢察官應向管轄法院呈上起訴書,並應將卷宗及證物一併送交法院。但由於職業法官與國民法官法律知識程度有差距,若國民法官事前閱覽檢察官提供之包含證據、筆錄與訴狀的卷證,可能會有預斷被告是有罪的情形發生,因此《國民法官法》第43條說明,檢察官起訴時不得將卷證送交法院,所有證據與相關事實的呈現都會在法庭上直接展示。(董容慈,2020)
2023/01/09
舞動社群參與之力!國立臺灣博物館與東南亞移民工的「百年對話」
舞動社群參與之力!國立臺灣博物館與東南亞移民工的「百年對話」
作者:鄧皓勻(國立臺北藝術大學博物館研究所碩士生) *感謝國立臺灣博物館「百年對話」策展人袁緒文提供部分圖像與資訊 「社群參與」已成為今日博物館定義的重要價值之一。除了創造參與和發聲的平台,博物館與社群之間,還有什麼相互影響的可能呢? 博物館新定義結果出爐:走向未來的起點 國立臺灣博物館(以下簡稱臺博館)「百年對話:跨國移動者與藏品的相遇」特展(2022.9.27—2023.6.18),以館內日本時代採集的南洋類藏品為媒介,特別和在臺的東南亞社群合作,共同進行本展的藏品研究與詮釋,呈現當代博物館社群參與的成果。 「百年對話」始於門口兩側相對的燈箱:右側為東南亞移民工,左側則引用了臺博館首任館長川上瀧彌至南洋考察時的一段話。據袁緒文策展人表示,此處展示設計是希望藉由百年前的博物學者在南洋考察時的感受,與當代東南亞移民工在臺灣展現多元文化的樣態,映照出:「東南亞是藝術豐富多元的世界」。(袁緒文 攝影/授權) 展場中除了臺博館藏品之外,也包含在臺東南亞社群分享和提供的展品,從中感受他們在臺推廣母國文化的活力。(袁緒文 攝影/授權)   「百年對話」的四大路徑 百年對話展場主要分為四區:「旅行椰蔭之地」、「信仰同來 藝術同在」、「季風帶的風土民情」和「移動與相遇」。走入「旅行椰蔭之地」,跟隨日本時代臺博館首任館長川上瀧彌的腳步,一窺他於東南亞地區考察的移動路徑與成果,展場中陳列他蒐集的文物、標本和《椰子的葉蔭》一書,而臺博館與東南亞的「百年對話」也自此展開。 接續「信仰同來 藝術同在」與「季風帶的風土民情」展區,則分別以信仰和食衣住行的角度,呈現東南亞地區的傀儡、匕首、面具、模型、器具、服飾等藏品,刻畫當地人、環境與藝術交織的豐富樣貌。展覽尾聲以「移動與相遇」作為總結,設計便利貼留言區,觀眾可以在分享心得之餘,透過東南亞移民工在臺博館的活動照片,彼此看見、理解、進而有機會擁有不同的視野。 「旅行椰蔭之地」展區,說明臺博館南洋類藏品的來源以及如何成為展覽的基礎。(鄧皓勻 攝影) 「信仰同來 藝術同在」展區,展示自日本時代採集而來的舞劇面具館藏,對應當代東南亞社群於臺博館展演的照片。(鄧皓勻 攝影)   深化社群參與的影響力 開啟百年對話的社群,以在臺東南亞移民工為主。展覽中,展板除了策展團隊所研究生產的知識外,亦包含東南亞移民工對於藏品的想法,或是他們所提供的相關展品。他們的參與,不僅分享自身對於藏品的認識,更促進了博物館與專業社群的聯繫,有助於典藏研究的知識累積。 Let’s take action!當博物館與公民一齊行動 例如策展團隊針對館藏的克力士匕首(Kris/Keris),訪談來自印尼爪哇的收藏家、新住民和在臺舞蹈家,延伸出匕首於當地脈絡的文化價值,甚至在不同身份與情境使用下的多元意義。另外,館藏的木質平面傀儡,則透過印尼移工的人際網絡,連結到家鄉少數傳承技藝的操偶師,協助策展團隊指認各個傀儡的角色與故事,讓展覽內容更加豐富。 克力士匕首為印尼爪哇男性的必備刀具,一般用於宗教儀式、慶典或舞蹈飾物,對爪哇人具有特殊意義,2005年聯合國教科文組織(UNESCO)將克力士匕首列為世界非物質文化遺產。(國立臺灣博物館 授權) 即使同樣來自印尼爪哇,不同身份與情境之下對克力士匕首仍有不同的認知,展現了社群與藏品的多元和多義性。(展覽影片〈當代印尼社群與館藏克力士匕首〉截圖)   臺博館自2007年持續辦理與在臺東南亞移民/工相關活動,多年來的互動經驗,擁有一定程度的資源與開放性,讓移民/工共同參與博物館的知識詮釋過程,協助具有歷史價值的館藏加入當代意義。博物館和社群參與合作的力量,在面向公眾的同時,也具有為社群或博物館自身帶來影響的可能。   執行編輯:郭冠廷
2023/01/06
失智者的音樂饗宴!國家交響樂團與臺北市立聯合醫院推出「音樂會處方箋」
失智者的音樂饗宴!國家交響樂團與臺北市立聯合醫院推出「音樂會處方箋」
作者:蕭茜鴻(國立臺灣藝術大學藝術管理與文化政策研究所碩士) *本文部分圖片由國家交響樂團授權使用 一場音樂會,也能成為失智者的處方箋?「社交處方箋」[註1]作為失智症患者之非藥物治療方式已於國外行之有年,目前我國藝文場館及醫療院所也紛紛合作,投入社交處方箋的熱潮,藉由醫護人員轉介與開立處方箋,鼓勵失智者及照顧者進行社交,以促進社會健康及福祉發展。 臺北市立聯合醫院(下簡稱北市聯醫)作為我國推動社交處方箋計畫的第一響,除辦理「博物館處方箋」[註2]外,2019年底更開始與國家交響樂團(下簡稱NSO)合作,於國家音樂廳辦理「音樂會處方箋」,一個月一次,至今(2022年11月)共舉辦19場,並計畫持續舉行。音樂會處方箋透過跨領域間的協作,揉合醫療單位以健康療癒需求為導向,以及藝文單位以藝文療育為主軸的特質,成為失智者和照顧者在長期作戰的路途上的新選擇。 《音樂的魔法共遊》音樂會活動照片。(國家交響樂團 提供) 高齡者的療癒之旅!國立臺灣博物館推「博物館處方箋」實務手冊   音樂會處方箋,是什麼? 音樂會處方箋的運作流程,主要可以分為四個步驟: (1)首先,由醫院開立音樂會處方箋給予失智者。 (2)其次,失智者及照顧者參與專為其辦理的音樂會前導聆講座。 (3)然後,拿取音樂會票卷前往國家音樂廳欣賞音樂會。 (4)最後,失智者及照顧者於會後填答線上問卷,給予回饋及建議。 值得注意的是,除了讓失智症、照顧者與大眾共同參與音樂會,協助失智者與社會產生連結、實踐處方箋之「社交」目的,進而達到「賦權」失智者的終極目標,NSO也看見失智者的特質,在音樂會前一至二天,特別辦理程度相對簡易的「音樂會前導聆」,為失智者的文化參與帶來助力。   怎麼聽,如何聽?音樂會前導聆的重要性 在會前導聆中,導聆老師將事先準備重複率頻繁的樂曲片段,帶著參與者一起聆聽。也會尋找貼近日常生活的各種聲音,如:廣告使用的相關音樂,或直接親自彈奏該旋律,引導參與者聯想與回憶。經過導聆,參與者在音樂會當下容易更有共鳴與印象,且瞭解聆聽重點,進而能深入享受音樂會的演出,為音樂會處方箋發揮了畫龍點睛的作用。 專為失智者及照顧者辦理的音樂會前導聆。(蕭茜鴻 攝影) 導聆老師以貼近日常生活的音樂片段,引導參與者聯想與回憶。(蕭茜鴻 攝影)   「其實是在推動失智友善社區」社交處方箋作為運轉齒輪! 「你要說我是不是在做社交處方?其實不是,我其實是在推動友善社區」 -北市聯醫失智症中心劉建良主任 辦理音樂會處方箋是以兩個機構各自的專業領域出發,一方面將文化平權意識具體延伸,更將社交處方箋作為打造失智友善社區的媒介,使兩者相輔相成。每次音樂會結束後,執行機構也透過座談會、線上問卷與團體焦點訪談等方式,了解參與者的需求和反饋,成為處方箋執行、調整的參考依據。   反饋與未來課題 經研究顯示,音樂會處方箋的參與者均獲得正面感受,音樂會靜態活動使失智者能避免行走較長時間導致雙腳不適之外,也能使其獲得舒適安靜的空間、增進與家屬的關係,更重要的是減緩心情起伏,而熟悉的音樂曲目,能引發失智者的記憶共鳴。另一方面,照顧者更是音樂會處方箋的最大受益對象,參與過程中,舒緩了長期的照顧壓力並助益心情,提供照顧者寶貴的喘息時光。 2022年3月《音樂的魔法共遊》有別以往音樂會,由主持人生動活潑的帶領,及管樂團演出臺灣民謠、吉卜力組曲等家喻戶曉的經典歌曲,邀請觀眾共度美好樂夜。(國家交響樂團 提供)   目前我國的社交處方箋尚處萌芽階段,未來,如何明確訂定社交處方箋的開立準則、評量參與影響成效,並讓失智者、照顧者於相關規範中舒適聆聽音樂會,同時又不會影響一般觀眾之權益,以達充分落實文化平權的目的,是藝文場館與醫療院所下一步需要共同努力的工作重點。   執行編輯:郭冠廷 註釋1:社交處方箋是由家庭醫生、醫療保健從業人員開立處方箋給予具有一種或多種長期慢性症狀及有多種複雜社會需求,影響到其生理、心理健康或情緒的人,藉由媒合者轉介並連結社區非醫療資源的服務,以改善及保障人們的健康及福祉。(Social Prescribing Network, 2016) 註釋2:博物館處方箋是指以博物館或是美術館為基礎的社交處方箋,舉辦不同的活動,如:2019年臺北市立聯合醫院與國立臺灣博物館共同推出「失智友善博物館處方箋」辦理十週高齡教育活動、提供導覽服務,博物館以基於社區、低成本和非臨床的活動形式,提供失智長者公共衛生服務。
2022/12/30