博物之島 MUSEUMS

特約記者：戴映萱（倫敦大學金匠學院藝術策展碩士、藝文工作者） ＊本文圖片由倫敦設計博物館（the Design Museum）授權使用 她，艾達（Ai-Da），可作畫、可表演，創作了一幅幅自畫像。這名世界上第一位機器人藝術家，是用人工智能（AI）運算法設計而成。她的藝術作品目前正於倫敦設計博物館（the Design Museum）展出中，更在六月以駐村藝術家的身分遠赴康沃爾（Cornwel）進行短期創作計畫。 艾達創作了一系列的自畫像，這組作品目前正於倫敦設計博物館展出。（Courtesy of David Parry_PA Wire）   艾達誕生於2019年，在經營畫廊的艾丹・梅勒（Aidan Meller）帶領下，一群來自英國各地的工程師和設計師，共同創造出艾達。艾達的名字源自艾達・勒芙蕾斯（Ada Lovelace）—英國19世紀女性數學家、史上最早的程式設計師。如此命名，除了向這名傳奇數學家致敬，更有向世人宣告艾達身為一名機器人，卻能結合熱情、表達力和想像力的特殊意義。 艾達及其藝術作品的存在，促使我們思考數位科技發展對人類創造力的衝擊。從此觀點出發，倫敦設計博物館的展覽《艾達：機器人肖像》（Ai-Da: Portrait of the Robot, 2021.5.18-2021.8.29）關注此新興科技的出現，進而對人類身分和創造力本質提出質疑。藝術創作的初衷是藝術家的情感表達，作為人，藝術家將自己的精神注入，徒手繪製或捏造出生命的形狀。這些藝術作品以文化評論家班雅明（Walter Benjamin）的說法解釋：充滿靈光（aura）。反觀之，機器人的創作來自程式演算法，以設定好的模式製作作品。以艾達的創作為例，她的自畫像雖具所有藝術創作的形式與結構，卻是一幅沒有「自我」的自畫像。 《艾達：機器人肖像》於倫敦設計博物館的展出現場（Courtesy of David Parry_PA Wire）   機器人製作的藝術品是否真的可以稱為「藝術」？事實上，藝術家貼近科技，以機器輔佐創作早非新鮮事，如在第58屆威尼斯雙年展（The Venice Biennale）上，中國藝術家孫原、彭禹的作品《難自禁》（Can’t Help Myself）便是一件由工業機器人在現場作畫的裝置作品，當時受到廣大矚目。兩位藝術家「指導」工業機器人進行誇張的表演動作，在玻璃展示櫃中以某種人類舞動的優雅姿態，揮灑顏料，創作出一件抽象藝術。艾達的狀況則不同，她不需接受藝術訓練，在她「出生」前就已被設定好創造思維。然而，這也延伸出另一個問題：艾達的想像與視覺傳達能力是由一群人類所設計，雖然AI擁有非人為干涉的自我運算能力，但是我們能稱艾達為藝術家嗎？ 艾達所繪製的自畫像草圖之一（Courtesy of David Parry_PA Wire）   倫敦設計博物館館長普里亞・坎昌達尼（Priya Khanchandani）表示，艾達的存在與所造成的不安是可預知的，「她的存在，在某種程度上是錯誤的，我們知道這一點。」展覽的目的並非為了推銷機器人，而是作為一個提出問題的平台。儘管艾達的存在充滿爭議性，卻也促使我們重新關注人與機器之間的模糊界線，並鼓勵我們更謹慎地思考，在科技加速發展下，未來所能做出的選擇。

作者：黃千惠（輔仁大學博物館學研究所） 「紋身是一種神奇、浪漫、令人興奮且經常被人誤解的藝術形式。」 —《紋身—英國紋身藝術巡迴展》策展人Matt Lodder   長期關注博物館社會參與實踐的「博物館改變生命獎」（Museums Change Lives Awards），在2020年公佈的入圍名單中有個值得討論的遺珠—英國康瓦耳國家海洋博物館（National Maritime Museum Cornwall）策劃的巡迴展《紋身—英國紋身藝術巡迴展》（Tattoo: British Tattoo Art Revealed）。該展以紋身的去污名化為目標，邀請地理文化背景與紋身相關的館舍參展，展示超過400件文物及原創作品，同時與地方社區合作蒐集個人生命故事，讓觀眾與紋身議題產生連結，更讓我們看見去污名化展示的多元可能性。   破除污名化—每個紋身都有不凡的意義 本展以英國紋身藝術史的發展脈絡為主軸，搭配相應的歷史物件，從被污名化的起源談起，挑戰大眾的普遍認知，再藉由17世紀盛行的朝聖紋身與18世紀興起的水手紋身，揭開紋身的百年歷史。其中，策展人不僅對紋身的歷史背景有詳細的描述，更透過圖案的象徵意義，讓觀眾了解紋身在每個人的生命中都有著不凡的意義。以水手紋身為例，燕子象徵歸巢、返鄉，羅盤象徵不會迷失方向，豬和雞能保佑海上航行平安。事實上，過去的紋身者以富裕且受過良好教育的上層階級為主，挑戰了當代對紋身者多為下層階級的印象。 水手紋身中有一個左腳豬頭、右腳公雞的圖案，此概念源自過去船難發生時，裝載雞和豬的木箱會漂浮在水面上，於是水手相信紋上此圖案就能防止沉船或溺水。此圖案還流傳著一句諺語：「刺豬在膝上，安全行海上；刺雞在右側，百戰必百勝。」（Pig on the knee, safety at sea. A cock on the right, never lose a fight.）（Photo credit: Tony Alter, flickr）   接著，透過集中營、死亡、罪犯、黑幫等關鍵字，向觀眾說明戰爭、媒體何以導致紋身的污名化，提醒觀眾污名化的過程是複雜且需要被關注的。同時，特別展示英國布里斯托爾（Bristol）紋身俱樂部等重要紋身藝術家的作品，強調紋身在當代藝術史中佔有一席之地。   獨樹一幟的女性紋身藝術家 此展同時將性別議題納入討論，展示英國首位女性紋身藝術家Jessie Knight的創作工具、作品及照片，訴說那些鮮少人知的故事。Jessie從18歲開始接管父親的紋身店，至今開設多家工作室，培育另一名女性紋身藝術家Winnie Ayres，甚至在1955年全英冠軍紋身藝術家比賽中獲得第二名殊榮。聯合策展人Derryth Ridge認為：「Jessie保留了該行業的悠久歷史，她的故事非常吸引人，她在一個男性主導的世界裡工作，有著堅定的決心，她是一位真正的先驅。」 透過與Jessie Knight家人合作，展示了許多未曾公開的照片及創作。（Photo credit: Derryth Ridge, Co-curator and Tour Manager of Tattoo -British Tattoo Art Revealed）   百手齊發！來找紋身靈感吧！英國頂尖紋身師向你提案 當代紋身藝術的百花齊放，徹底展現在裝置藝術〈百隻手〉（THE 100 HANDS），100位英國頂尖紋身藝術家所繪製的矽膠手臂排列於牆面上，向觀眾展現英國當代紋身藝術的精湛技藝，同時邀請大家來此尋找下一個紋身靈感。   分享你的紋身故事，原來紋身是生命的一環 最後，觀眾並非僅能從歷史層面了解紋身，還能訴說自己的紋身故事。此展於巡迴過程中開放民眾以文字、照片、影像等形式分享個人的紋身故事，並於官網、社群媒體公開，藉由觀看一則則觸動人心的故事，重新認識人之所以紋身的原因。   紋身議題在台灣，議題還需持續發酵 透過以上案例，反思紋身議題在台灣的狀況，從主流論壇及新聞報導對相關議題的討論可發現，大家對紋身的負面印象往往比正面評價來得多。而博物館在此前提下，如何打破既定印象以去污名化，絕對不是幾個短期的特展就能完成任務，或許與相關產業及地方民眾的長期合作，更能幫助議題持續發酵。

作者：湯貴姍（輔仁大學博物館學研究所） 策展人Ariana Curtis曾在2018年的TED演說中提問：「什麼樣的東西值得放入博物館？」長久以來答案都直指「非凡之物」，這些東西屬於創造歷史的人，故事鼓舞人心，但影響終究有限。因此，Curtis認為博物館應擁有改變的能力，思考如何恰當地呈現歷史，博物館也應該推崇日常經驗，而不僅是非凡的人事物。   被遺忘在傳統歷史中的內容 常民博物館（Museum of Ordinary People，簡稱MOOP）是以記錄日常經驗為核心的博物館，2017年開始活動於英格蘭東薩克斯郡布萊頓鎮（Brighton）一帶。MOOP以「快閃博物館」模式營運，善於即時回應社會議題、與眾人對話，提醒人們保留並書寫傳統歷史中易被遺忘的內容—「生活日常」。每次展覽由館方擇定主題，可能是遷徙、失去、健康、愛、成癮、家庭關係、沉默、政治不公等，通過公開呼籲向參與者徵集信件、物品、日誌等物件，再進一步引導並挖掘「人」與「物」背後的故事，最終將它們轉化為實體展覽或線上檔案。所有參與者的貢獻在此能同樣被重視，每個人都能擁有表達自己的平等機會。 2019年推出的「旅行日誌」計畫，MOOP會郵寄日誌給參與者，邀請你書寫自己的故事，可搭配照片剪貼、塗鴉或使用任何媒材來表達想法。日誌會在眾多參與者手中轉寄，成為「行動的迷你博物館」。（Photo credit: Museum of Ordinary People）   重拾你我書寫歷史的權利 2020年3月起，因應疫情之下社會瀰漫的不安與動盪，MOOP發起「此時此刻」（These Times）計畫。有別於以往的實體展示，該計畫擴大串連社群媒體，號召參與者以書寫、收集、攝影等方式進行觀察與紀錄，並以社群標籤（#hashtag）或Email（museumofordinarypeople@gmail.com）分享自身在疫情下的生活。計畫發布的24小時內便收到上百封遍及世界各地的Email回覆，MOOP更將其整理並分享於官網部落格與社群平台。 這不僅體現了博物館社會參與實踐的力量，MOOP創始人Malone更言明：「此時此刻」計畫實際欲揭示的是，透過記錄當代日常生活的實踐，告訴參與者與社會大眾，紀錄與論述的領導權操之在己，而不是讓大型機構來指導你該如何書寫歷史。 「此時此刻」計畫持續徵集中，歡迎進入BLOG閱讀疫情期間許多人的生命故事。（Photo credit: Museum of Ordinary People）   一起探索平凡生活中的魔法 MOOP是一個顛覆博物館常態的存在，沒有固定的場館，是以建立世代對話為目標的快閃博物館；沒有知名的收藏，而是致力於日常文化的發掘與紀錄。此舉不僅是當代蒐藏的典型表現，更呼應快速回應蒐藏（rapid response collecting）理念。更重要的是，作為一個博物館組織，MOOP相信藝術實踐擁有療癒和修復的能力，期望提供常民記錄自身歷史的管道，實踐博物館對社會環境所產生的積極影響。

特約記者：戴映萱（倫敦大學金匠學院藝術策展碩士、藝文工作者） ＊本文圖片由倫敦家屋博物館（The Museum of the Home）授權使用 位於英國東倫敦霍克斯頓（Hoxton）的「家屋博物館」（The Museum of the Home）於2021年6月重新對外開放。經過三年的整頓，博物館以發現、揭示和重新思考「家」的意義為使命，打開了擁有300年歷史的建築和花園，並為博物館的藏品增加了80%以上的展覽空間。其中，個人的家居經驗成為博物館新展覽的核心，探索過去到現代人們的生活方式，以及對「家」概念的思考轉變。 家屋博物館位於英國東倫敦霍克斯頓，於2021年6月重新對外開放。（Cmglee, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons）   家屋博物館原名為「傑夫瑞博物館」（Geffrye Museum），前身是建立於1714年的一座救濟院，為Ironmongers公司和羅伯・傑夫瑞爵士的財產。1911年，救濟院在一項都市更新計畫中被倫敦郡議會免於拆除，部分原因是為了挽救該區為數不多的綠色公共空間。當時許多藝術家和設計師急於尋找能展示藝術工藝品的空間，議會靈機一動，決定將救濟院改為博物館。1914年，傑夫瑞博物館正式對外開張，由於該區一直是倫敦製造和販售家具的中心，博物館初期便以展示家具和木工品為主，直到二次世界大戰後才開始延伸到家居品和裝飾藝術的展示。1990年代末，博物館逐漸確立以展示「英國人的家」為宗旨，並在2011年正式更名為家屋博物館。 家屋博物館再現了過去英國中產階級的家庭生活。圖為1937年英國人家中客廳重現樣貌。（credit Chris Ridley）   進入家屋博物館，彷彿走進了過去英國中產階級的家庭生活。從壁紙到餐桌上的擺盤，這些細節皆是博物館藉由展示所帶來的時光縮影，爬梳了英國過去400年來「家」的面貌。今年新開放的「家庭展廳」（Home Galleries）則延伸至當代，這些展示藉由歷史物件和文獻，邀請觀眾在過去和當代的敘事中，探索個人對「家」的經驗。 「家庭展廳」藉由歷史物件和文獻，邀請觀眾在過去和當代的敘事中，探索個人對「家」的經驗。（credit Museum of the Home Em Fitzgerald）   「家」不僅是一場所，更是包含生命經驗與人類意識的容器──我們在家屋中，家屋也在我們之內，家的概念跟隨人類對空間的認同而有所改變。家屋博物館在去年推出的「待在家中」（Stay Home）計畫便呼應了全球疫情大流行下，人們對家的想像與轉變。這項計畫首發於2020年春季，當時英國正飽受第一波疫情大流行，博物館邀請大眾分享封城期間的家居生活。這項快速回應蒐藏（rapid response collecting）所蒐集來的故事雜揉淚水與歡笑，記錄了大流行時代下，所謂「家」的意義的微妙變化。博物館更在今年一月向藝術家公開徵件，回應「待在家中」計畫的藝術作品將於秋季展示於博物館。 「待在家中」計畫記錄疫情大流行時期，所謂「家」的意義的微妙變化。圖為民眾居家理髮日常（更多故事）。（Courtesy of Museum of the Home） 一系列回應「待在家中」計畫的藝術作品將於秋季展示於家屋博物館。圖為親友間透過視訊線上相見歡（更多故事）。（Courtesy of Museum of the Home）   綜觀過去這一年，我們許多人的家都變成了結合工作、教育、娛樂等所有生活形態的場域，家屋博物館的重新開張恰巧落在人們對家最依存又衝突的時刻，對你來說「家」又代表著什麼呢？

作者：毛羽純（輔仁大學博物館學研究所） 荷蘭熱帶兒童博物館（Tropenmuseum Junior, 簡稱TMJ）成立於1975年，是荷蘭第一間兒童博物館，主要觀眾為6-13歲的學齡兒童。展覽以多國文化為主軸，兒童可在展廳內體驗與學習當地文化及風俗禮儀。教育活動策劃以人類學和藝術研究為基礎，結合特定文化領域的合作實踐。TMJ不僅是展示物件的地方，更是啟發兒童好奇心、關注文化異同性和學習世界性社交的場域，期望孩子們能在此獲得擁抱世界和了解多元文化的能力。 荷蘭熱帶兒童博物館的中國氣（China's Qi）展覽活動（2009-2012）（© Tropenmuseum Junior, Amsterdam）   《看見摩洛哥》（ZieZo Marokko）是2015-2018年間以摩洛哥文化為主題的展覽。阿姆斯特丹在2013年已成為少數族群佔大多數生活群體的城市（minority-majority city），其中摩洛哥裔佔比最高，卻鮮少受到關注，該展希望能夠幫助更多荷蘭兒童了解身邊同學的族群文化。 《看見摩洛哥》主題常設展，佈置成機艙的展覽入口等待區。（© Tropenmuseum Junior, Amsterdam）   展覽門票設計成機票的樣子，工作人員會在門口檢查你的「登機牌」，完成check in之後，你會受邀進入等待區—佈置成機艙的展覽空間。在這裡工作人員會和孩子描述，你正在TMJ飛往摩洛哥的飛機上，燃起孩子對這次展覽的好奇心，同時說明展場內的注意事項，教導展場禮儀。之後，兒童受邀進入一處鋪滿了摩洛哥風情花磚的空房間，藉由喝摩洛哥茶、聞摩洛哥香料以了解摩洛哥文化，再自己決定要在空房間裡擺上什麼樣的家具，打造具有摩洛哥風情的房間。 展覽《看見摩洛哥》導覽員穿著民族服飾，帶領兒童進入摩洛哥的世界。（© Tropenmuseum Junior, Amsterdam）   根據博物館對此次展覽做的總結式觀眾評量顯示，觀眾即使知道自己正在TMJ，仍有身處摩洛哥的感覺，且非常滿意展覽的教育價值。另外，91％觀眾表示會與他人積極談論本展覽。《看見摩洛哥》展讓親子觀眾發現摩洛哥文化的豐富和多樣性，改變大眾對摩洛哥的刻板印象。   結語：沉浸式展覽，像當地兒童一樣成長 TMJ是一座完全以兒童為中心的兒童博物館，孩子們可以自己動手操作展場物件，透過館方設計的舞蹈、戲劇、歌謠來熟悉異國文化，而並不只是單調地閱讀展板資訊。在沉浸式的環境裡，兒童彷彿真的能夠像當地兒童一樣成長，彰顯博物館空間的多元魅力！ 孩子們在《看見摩洛哥》展場中遊戲（© Tropenmuseum Junior, Amsterdam）

作者／攝影：羅苡瑄（現居於愛爾蘭之平面設計師） 你印象最深刻的廣告是什麼？不論你是否為廣告從業人員，也一定看過上千支廣告，必定曾有支廣告打動過你。「日本廣告」的驚人創意、浮誇幽默你一定不陌生，想要了解日本廣告的厲害之處，絕對不可錯過內行人才知道的秘密基地「東京廣告博物館」，與多數美術館、博物館以「藝術」或「設計」為核心不同，這是日本唯一為「廣告」而生的免費博物館。 東京廣告博物館（The Ad Museum Tokyo）由日本最大廣告傳播集團「電通集團」旗下之「公益財團法人吉田秀雄記念事業財團」於2002年開始營運，位於電通大廈地下一、二層樓。雖設於地下樓層，但空間規劃寬敞舒適，木質感與白色簡約的室內設計風格，搭配柔和的暖色調燈光調合，讓走入展覽空間的參訪者能輕易卸下壓力，享受其中的展覽。常設展仔細說明了日本廣告歷史，透過一張張珍貴的海報與紀錄影像，介紹日本廣告的啟蒙與發展。 寬敞而暖色質調的室內設計，設有充足的休憩座位，供觀者舒適地欣賞多則精選廣告。（羅苡瑄 攝影）   江戶時期（1603-1867）隨商業活動的日漸活躍，廣告也隨之萌芽，在文字尚未普及的年代，此時的廣告以常民易懂的圖像為主要宣傳策略。明治時期（1868-1912）受到西方文化影響，大眾開始注重廣告的成效，第一間全日本廣告公司也在此時成立。大正時期（1912-1926）的廣告受浮世繪影響，風格強烈的廣告令人驚嘆。昭和時期（1926-1989）戰後的經濟復甦，讓廣告產業在短期之內蓬勃發展，多樣的形式變化與創意，迎來日本廣告產業空前的盛況。直到今日，越發成熟的廣告技術、多元化的傳播途徑，造就跨國且深入生活的影響力。1964年日本成為亞洲第一個成功舉辦奧運的國家，從各式奧運相關的熱血廣告案例，可以感受到日本舉國的沸騰與朝氣。2011年311日本東北大地震後，廣告中可見大眾的痛楚與哀戚，不同品牌輪番推出柔性宣傳，鼓勵困境下的人們走出傷痛、重拾希望。每一則廣告都讓我們看見不同時代的縮影，如同展覽大廳入口處的標語「廣告可以不只是廣告」（Ads can be more than just ads），廣告不只是販售商品的行銷工具，更記錄在無垠宇宙下渺小而片刻的你我故事。 日、英文雙語詳細介紹不同年代的海報廣告（羅苡瑄 攝影）   雖然是免費入場的博物館，但每項細節絲毫不馬虎。不僅展覽企劃內容紮實、鉅細靡遺地記載每件作品的史實與背後意義，透過崁壁式燈光設計、搭配斜角的陳列平台，讓閱聽者在欣賞眾多平面廣告時，不會因玻璃反光等問題而阻礙體驗。館方針對展品陳列的細心設計、動線規劃的流暢性，皆可看出東京廣告博物館對於「體驗設計」的用心。 並非小眾題材、艱澀難懂的內容才是有深度的展覽，東京廣告博物館兼具內容趣味性與時代意義，讓觀者產生深度共鳴。此外，每年持續更新的優秀廣告案例，讓日日熬夜加班苦思創意的廣告人參觀後重新獲得能量、回想起投入廣告產業的初心，充飽電後再面對高壓的產業環境。非廣告人更可以在這些廣告片段中，看見自己的人生縮影，重拾每個世代共享的感動。 除了展覽空間外，還有一座迷你圖書館，收藏各式廣告相關書籍。（羅苡瑄 攝影）

作者：郭惟萱（輔仁大學博物館學研究所碩士班） 近年來博物館行動主義的興起，讓世界各地的博物館開始意識到回應社會議題的重要性，而展示困難歷史便是其中一個重要面向。英國倫敦塔（Tower of London）在2013年進行的展示更新研究案，便以「囚徒、懲罰與酷刑」（Prisoners, Punishment and Torture）歷史為主題，結合跨領域的研究團隊與方法，提出一套倫理性的新敘事框架。 倫敦塔位於泰晤士河畔，現為歷史皇家宮殿（Historical Royal Palaces）所管轄，曾作為防禦堡壘、皇家監獄、皇家宮殿與皇家動物園之用。因其歷史之悠久與複雜，難免造成展覽敘事上有混亂、不連貫的情形。另外，2012年萊斯特大學博物館與藝廊研究中心（Research Centre of Museums and Galleries）針對倫敦塔的觀眾研究更顯示，觀眾認為有關「囚徒、懲罰與酷刑」的展示可以更好，希望能在展示中看到更多的故事內容。於是，萊斯特團隊展開為期4個月的研究，試圖對倫敦塔內監禁的歷史提出嶄新的詮釋方式。 倫敦塔全景（來源：Ray in Manila @Flickr）   研究結果發現，博物館在展示時應營造安全又真實的場景，讓觀眾主動去認識歷史、產生連結。此外，在展示監禁、懲罰等相關歷史時，博物館也容易過於強調囚犯遭受的痛苦與折磨，而忽略了他們作為人的整體生命歷程。 基於上述發現，研究團隊歸納出倫理性的敘事框架重點： 開放多元選擇，而非強迫性。 真實刻畫人物與場所，而非強化刻板印象。 呈現來龍去脈，而非抽離脈絡。 讓觀眾易懂、易感，顯示人的複雜性，而非過度簡化。 使人從共通經驗中得到啟發，而非只關注其中的痛苦。 有清晰的敘事觀點及架構，而非充斥過度瑣碎及非必要內容。 嚴正強調酷刑的不正義，而非只暗示其不應當。 倫敦塔就此著手進行一系列全新嘗試，包括以漫畫或戲劇形式重新詮釋歷史上著名的囚犯故事，調整展場音效與燈光、加入生動插圖等，同時強化展示場域與故事的連結，加強歷史故事的真實性與敘事深度。例如以15世紀末兩位小王子愛德華五世及理查失蹤懸案製作「塔中的王子」故事，即是在王子們遭軟禁的血腥塔（Bloody Tower）展出。館方運用動漫風格短片及還原場景的手法，讓觀眾得以身歷其境並抽絲剝繭此歷史懸案。 （皇家歷史宮殿官方YouTube頻道製作「塔中的王子」真人短片）   此外，亦設計以酷刑為主題的新常設展《塔中的煎熬》（Torture at the Tower），在獨立空間展出，讓觀眾可以自由選擇是否參觀。這樣的展示方式更具倫理關懷，也使觀者更容易產生知識與情感的連結。因應多種敘事線交錯的問題，則設計多元參觀路線指南，每條路線均列出與主題相關的參觀點，引導觀眾自由穿梭於多個敘事線之間而不致混亂。前述酷刑主題展便是其中一條重點路線，另有軍事機械操作體驗（Armoury in Action）、皇冠與珠寶展示（See the Crown Jewels）及散落在堡壘各處的皇家野獸（Royal Beasts）塑像展示等。 倫敦塔內展示多種中世紀酷刑刑具及著名囚犯的故事，圖為刑具擱板（rack）。（來源：Brian Shamblen @Flickr） 塔內有多座以鐵絲製成的動物塑像，還原倫敦塔作為皇家動物園的歷史（來源：SouthEastern Star ✭ @Flickr）   倫敦塔展示更新案運用跨領域的研究方法，探索困難歷史的嶄新詮釋方式，改用合乎倫理的敘事與再現手法呈現囚犯、懲罰與酷刑的歷史，將故事訴說得更為真實動人，可作為國內展示困難歷史的歷史遺跡或創傷紀念博物館的借鏡。

作者：蔡欣瑜（輔仁大學博物館學研究所） 想要認識道地的英國文化，參觀地方小型博物館是最佳選擇，其所執行的教育活動具有展現並改變在地生活的潛力。英國博物館協會一年一度的「博物館改變生命獎」（Museums Change Lives Awards）便是表揚為觀眾和社區生活帶來影響的博物館，2020年獲頒該獎項之「最佳小型博物館獎」優勝者為—狄蘭・托馬斯中心（Dylan Thomas Centre）。 狄蘭・托馬斯中心（Photo credit: Ham, CC BY-SA 3.0, via Wikimedia Commons）   狄蘭・托馬斯中心位於英國威爾斯第二大城斯旺西（Swansea），二戰期間的轟炸導致許多歷史建築淪為廢墟，今天多數改建成博物館、藝廊或藝術中心。1995年成立的狄蘭・托馬斯中心即位於其中，紀念威爾斯著名詩人狄蘭・托馬斯（1914-1953），他是土生土長的斯旺西人，創作領域橫跨詩歌、短篇小說、散文、廣播和電影劇本。10月27日是托馬斯的生日，2014年該中心以新常設展《愛之語》（Love the Words）慶祝詩人100歲冥誕，完整呈現其生活片段、工作足跡與經典創作。 常設展《愛之語》呈現狄蘭・托馬斯的生命歷程，觀眾可依循其生命史，觀賞老照片、信件、報紙和文章等檔案，聆聽詩人朗誦詩歌的聲音。（Photo credit: Dylan Thomas Centre）   1999年，英國政府將尋求庇護者疏散到斯旺西，促成「斯旺西尋求庇護者支持小組」（Swansea Asylum Seekers Support Group，簡稱SASS）設立，為流離失所者提供各種教育與培訓資源。自此，狄蘭・托馬斯中心與SASS締結夥伴關係，2003年開始向難民、尋求庇護者和當地居民發起創意寫作計畫，培育寫作技能並凝聚社區歸屬感。 2014年，狄蘭・托馬斯中心除了更新常設展，更致力於打造一處安全、溫馨、充滿歸屬感的空間，增加專屬學習空間、舉辦創意寫作營，由難民作家艾瑞克・恩加勒・查爾斯（Eric Ngalle Charles）主持。此外，館方也積極與民眾互動，每兩週在Facebook、Twitter和Blog上發佈寫作新挑戰，提供照片提示、文字遊戲或特定練習題材，激發大家的寫作靈感。作品類型包括：詩作、短篇小說、傳記、信件等，寫作者可以決定保留作品、與親友分享或分享給館方，館方很樂意透過社群媒體展示大家的創作。 狄蘭・托馬斯中心創意寫作營（Photo credit: Dylan Thomas Centre） 學習空間向大眾開放，鼓勵親子共同參與故事遊戲、創意寫作、詩詞和手工藝活動。（Photo credit: Dylan Thomas Centre）   狄蘭・托馬斯中心發起的創意寫作計畫，友善對待不同族群、關懷兒童學習資源、療癒生命歷經創傷者，讓不少參與者從中得到解答和啟發，達到當代博物館致力於實踐的文化與社會平權。

作者：郭怡汝（金門歷史民俗博物館 文化推廣組） ＊本文圖片由菲律賓阿亞拉博物館（Ayala Museum）授權使用 新冠疫情持續發燒，居家辦公、線上博物館逐漸成為防疫新常態。不斷攀升的社交與娛樂需求，使得結合視訊和遊戲風格的新軟體「Gather.Town」成為時下遠距辦公族最受歡迎的工具之一。 菲律賓阿亞拉博物館（Ayala Museum）以展示菲律賓歷史文化及典藏考古學、民族學有關文物為使命，為了呼應今年國際博物館日主題「博物館的未來：復甦與新象」，特別應用虛擬辦公利器Gather.Town玩轉線上博物館體驗，自5月18日起至5月底止，推出8位元像素遊戲畫風的虛擬博物館。 該虛擬博物館不單只是複製博物館的實體空間，而是以館所願景「展示菲律賓的藝術、文化與歷史」為精神，遊戲化並打造出整個菲律賓群島，如呂宋島、薩馬島、宿霧薄荷島等。如同角色扮演遊戲，主打使用者可以創建自己的人物，自由地漫步在博物館、圖書室、商店等空間，還能走出建築並遨遊菲律賓群島的2D地圖，甚至坐船進行跳島旅行，探索菲律賓的地理位置、自然地貌、動植物產和族群人文。 阿亞拉博物館用Gather.Town打造菲律賓群島2D地圖，圖中標示出館藏文物原屬地。（Credit: Ayala Museum）   同時，以核心議題「菲律賓人在哪裡？」（Where is the Filipino?）作為主軸，展示館藏一百多件菲律賓各地社群的特色文物，每件藏品皆依據該文物的原屬地放置於地圖上相對應的地點，使用者可以按下X鍵觀看文物介紹、歷史故事和相關影片，一探南島語族的遷徙背景、菲律賓的殖民歷史，以及海上貿易等事件如何造就當今的菲律賓人，進一步提高使用者對文物原始族群和其物質文化的認識。 使用者可以按下X鍵觀看館藏文物詳細訊息（Credit: Ayala Museum） 虛擬博物館中亦包含與主題呼應的菲律賓多元族群影片（Credit: Ayala Museum）   此外，與一般被動式的線上導覽和360度VR體驗不同，使用者可以運用Gather.Town的互動功能，如即時視訊、語音和文字聊天，與館方人員或其他線上參與者直接進行雙向交流，同時還能設定私密空間，不受外人打擾，享受安靜的遊覽體驗。 使用者可以運用Gather.Town的互動功能與其他線上參與者交流（Credit: Ayala Museum）   儘管阿亞拉博物館因為整修和防範新冠疫情而暫時閉館中，館方仍繼續透過不同的方式響應國際博物館日及維繫社群參與度。去年曾在任天堂遊戲「動物森友會」上舉辦虛擬博物館之旅，今年更是運用時下熱門的Gather.Town作為展覽活動平台。阿亞拉博物館持續打造平易近人且唾手可及的虛擬博物館體驗，也展現了博物館努力突破實體閉館的限制，提供觀眾一種更具社交、共享性質與身臨其境的互動模式。

作者：王惇蕙（國立臺灣美術館教育推廣組） 英國遺產聯盟（The Heritage Alliance）和英格蘭安立甘宗教會保險公司（Ecclesiastical Insurance）近期發布一份研究，指出大部分英國的文化資產機構將「幸福感」視為優先倡導的價值，高達三分之二的機構認為「提倡幸福感」是工作的重要成果，其中五分之二更認為幸福感為評估工作成果非常重要的指標。 提升幸福感逐漸成為英國文化資產機構的經營策略與目標，屬性各異的文化資產能延伸發展出各種活動，例如：藝術治療、瑜珈、森林浴、正念思考（mindful thinking）等。根據統計，前5項具體的活動效益為：提供學習機會（72%）、幫助人們社交（53%）、建立社會連結（51%）、保持心理活躍（50%）、維持身體健康（48%），以下以2個英國的博物館、美術館為例：   曼徹斯特美術館：照護人們心理健康的地方 曼徹斯特美術館（Manchester Art Gallery）以「一個可以照護人們心理健康的地方」作為機構特色，內部設有健康與幸福管理人，規劃並帶領多樣的活動來提升觀眾的幸福感。例如每月第一、三個週二，參與者在健康與幸福管理人的帶領下，專注坐在一幅作品前，以覺察、呼吸、多感體驗等方式感受藝術的美好。 曼徹斯特美術館致力於成為照護人們心理健康的地方，長者們推著輪椅觀賞畫作。（Image by Hamed Masoumi from Flickr, CC BY-NC-ND 2.0）   此外，館方推出「呼吸練習」（Room to Breathe）課程，將空間營造成適合放鬆與正念思考的場所，鼓勵觀眾放下手機，享受和作品共處一室的時光，靜心體認當下的身心狀態。疫情期間，轉而推出線上音檔「健康與幸福感」（Health and Wellbeing），指引人們把正念思考帶入日常生活中，進行聲音觀察、好好走路、沉穩呼吸，或者沉浸在音樂與肢體的律動中，畫出一幅屬於你的正念塗鴉（mindful marks，請看教學影片）。   彬利博物館：具有治癒功能的博物館 彬利博物館（The Beaney House of Art & Knowledge）定位自身為「一座具有治癒功能的博物館」，經常辦理增進健康與幸福感的活動。例如為失智症或社會孤立夥伴成立「文物力量小組」（The Power of the Object Group），透過不同主題連結文物，鼓勵觀眾觸摸文物、參觀展覽、享受午茶時光，強化人們與博物館文物及他人的互動。另外，館方定期舉辦「正念星期一」（Mindfulness Mondays）活動，開放5到14歲學童參加，透過1.5小時的活動，引導孩子學習放鬆，專注於當下聽到的聲音、看到的藏品，結合歷史、文學、地理、藝術等跨領域內容，豐富孩子的學習經驗。 彬利博物館定期為學童舉辦「正念星期一」活動，館內還設有「探索點」（explorer point）透過DIY活動認識典藏。（Image by Jessica Wood from Flickr, Public Domain Mark 1.0）   疫情期間，館方依據英國國民保健署的《6個獲得幸福感的方法》提出各種實踐方案。以「獲得啟發」（Be inspired）此方法為例，我們可以藉由線上觀賞藏品、手繪窗外景物獲得靈感，研究還指出書寫有助處理情緒和降低血壓，或是聽聽觀眾、藝術家和館員的談話，從中獲得意想不到的啟發。   疫情之下，人們對幸福感的定義有所轉變。根據天下雜誌引述的調查，部分人在疫情期間變得更快樂，幸福來源依序為身體健康（55%）、與伴侶及子女的關係（49%）、生活意義（48%）。在此非常時期，人們對於幸福安心的渴求更盛，博物館、美術館如何應用既有資源創造當下幸福感，進而把幸福感延續至未來，是值得期待的新嘗試。