博物之島 MUSEUMS

作者：張致堯（國立臺北藝術大學博物館研究所碩士） 泰晤士河——貫穿倫敦心臟的古老水脈，不僅是城市誕生的搖籃，更是一座未曾真正封閉的時間膠囊。當潮水每日退去兩次，城市的記憶也隨之裸露。倫敦碼頭博物館推出以「泥灘拾遺」（mudlarking）【註釋1】為主題的展覽Secrets of the Thames（展期至2026年03月），正是透過泥灘上被拾獲的350餘件遺物，邀請觀眾一同走進這段神祕又充滿故事性的歷史河床。   踏入河岸，走入歷史現場——挖掘倫敦的前世今生 Secrets of the Thames的空間設計別出心裁，模擬了一條潮退時裸露的河岸，觀眾如同踏入河畔，腳邊散落著跨越數百年的陶器碎片、玩具、銀器、貨幣與書寫工具。展覽並未採用傳統編年式的時間軸，而是以「泥灘拾遺」此一已經消失的職業作為主軸，透過展示在河床尋獲的物件及其背後的故事，進而探討修復物件的過程，引導觀眾理解這類日常遺留如何成為研究泰晤士河和倫敦歷史的關鍵途徑。 展覽中特別設置「遺物研究室」的多媒體體驗空間，讓觀眾得以走進考古研究現場，了解專業人員的工作流程，親身接觸立體掃描等日常生活中不常見的科技技術，認識這些工具如何協助文物的比對與鑑定。這種高度參與式的設計，將知識轉化為觸覺與直覺的體驗，讓人真切感受到考古工作的內容，並得以窺見歷史發掘和研究的多重面貌。   「遺物研究室」讓觀眾了解專業考古人員的工作過程，並近距離接觸考古過程中使用的科技工具。（張致堯 攝影）   河中百態：從碎片拼湊出的倫敦故事 本次展出的物件橫跨羅馬時期至當代倫敦的不同時代，例如戒指、假牙、小刀、護身符等，而展覽則透過將物件分類，揭示這些物件背後的故事。例如，在1900年代，有兩位英國人合作設計出被譽為「最優美的印刷字體」——The Doves Type。然而，二人後來因理念不合而分道揚鑣，其中一人過世前竟將所有字粒【註釋2】投入泰晤士河中，使得這套字體就此失傳。直到百年後，才被泥灘拾遺者從河床中發現。不同年代的生活故事得以重見天日，亦令觀眾不禁好奇：泰晤士河之中，究竟還埋藏著多少未被發現的歷史秘密？   透過泥灘拾遺，曾被譽為「最優美的印刷字體」的The Doves Type得以重見天日。（張致堯 攝影）   泥灘回聲，當代藝術的詩意詮釋 展覽不僅呈現考古學的視角，也透過當代藝術轉譯「泥灘拾遺」的精神與行動意涵。館方邀請英國藝術家以「時間、記憶與水」為主題創作數件作品，並與文物並置展出，構築出一場跨越時空的對話。 其中，Luke Jerram製作的動態投影裝置，以月亮週期變化為節奏，模擬潮汐起落，呼應泥灘拾遺依循潮水節律的行動方式；另一件聲音裝置名為《hydraulis!》由Felix Taylor製作，透過收集泰晤士河畔於不同月相下的聲音，讓觀眾從聽覺出發，感受潮汐與時間變化的節奏，理解自然週期如何深刻影響人與河的關係。兩件作品互相呼應，在幽黑的空間中編織成一首無形的歷史詩句，映照河流潛藏的記憶與節奏。   在幽黑的空間中的動態投影裝置《The Moon》，讓觀眾邊聆聽泰晤士河的潮起潮落，感受泥灘拾遺的節奏。（張致堯 攝影）   結語：以物件拼湊失落的城市記憶 Secrets of the Thames不只是一個關於「泥灘」的展覽，而是一個深刻的文化提問：誰在記錄歷史？誰的記憶得以被保存，而誰的則被時間與水流沖刷？透過這些曾沉睡於河床、如今重見天日的遺物，我們得以窺見一個更平民化、更日常、也更貼近人們生活的倫敦。這裡沒有王室的權杖、戰爭的勳章，而是孩子的玩具、工人的徽章、戀人的信物。它們提醒我們，城市的歷史不只屬於英雄與宏偉建築，更屬於每一位曾在此生活過、愛過、勞動過的人。 當觀眾走出展覽，回望那緩緩退潮的泰晤士河，不禁會想——下一次潮起前，又會有什麼秘密，悄悄浮出水面？ 【註釋1】泥灘拾遺（Mudlarking）：原指18至19世紀倫敦泰晤士河岸邊的貧民，在退潮後於河床上尋找可販售物品（如煤炭、金屬、破布等）維生。現今則多指業餘考古愛好者於河岸尋寶，尋找歷史文物或古物殘片，兼具歷史探索與休閒性質。 【註釋2】「字粒」指的是每一個單獨的活字塊（通常為金屬或木製），每粒上面刻有一個字。這些字粒會被排列組版，用來印刷書籍或報紙。   ❚ 執行編輯：謝佳均

作者：戴映萱（倫敦大學金匠學院藝術策展碩士、藝術評論工作者） 在巴黎龐畢度藝術中心（The Centre Pompidou）整修閉館前夕，壓軸推出重磅展覽「黑色巴黎：1950至2000年的藝術交流與反殖民抵抗」（Black Paris: Artistic Circulations and Anti-Colonial Resistance 1950–2000）。此展網羅逾150位活躍於20世紀下半葉、曾居住於巴黎的非裔、非裔美國與加勒比海藝術家，以線性時間軸的策展敘事重新梳理他們的創作實踐，並嘗試將其納入當代藝術史的主體位置。 提起巴黎，多數人腦海中浮現的，或許仍是浪漫的「法式情懷」；然而，真實的巴黎是一座文化交織、歷史深厚的城市。作為古典藝術訓練的重要搖籃與現代藝術實驗的溫床，巴黎對來自世界各地的藝術家——無論是短暫駐足的旅人，或長期定居的創作者——皆具有強大吸引力。這座城市長期扮演著文化交會與思想激盪的樞紐角色，特別在往返非洲的藝術路徑中，更是關鍵的中轉地與連結網絡。二戰之後，巴黎進一步發展為反殖民主義（anticolonialism）與泛非運動（Pan-Africanism）的重鎮，為創作者提供與政治鬥爭共鳴的空間，使他們得以參與重新定義巴黎在現代性與後現代性中的文化角色。 展覽將巴黎具象化為一個網絡式的文化節點——一個連結與對話的場所，邀請觀眾探索構成「黑色巴黎」的標誌性地景，包括學院、咖啡館、畫廊與藝術空間。並以《非洲存在》（Présence Africaine）揭開序幕——這是由阿利奧內·迪奧普（Alioune Diop）創立的出版社與刊物，是二戰後推動黑人文化最具影響力的知識平台之一。 《非洲存在》如一道光芒，吸引來自不同地域、卻懷抱相似經歷與共同理想的創作者。與迪奧普並肩推動此運動的文化巨擘，包括美國作家暨民權運動家詹姆斯·鮑德溫（James Baldwin）、加勒比詩人與思想家愛德華·格里桑（Édouard Glissant），以及眾多參與「黑人精神運動」（Négritude）的知識份子。這個思想交匯的平台，不僅促進彼此交流，也使他們的聲音得以在國際舞台上被聽見。   1956年9月第一屆黑人作家與藝術家大會。（© Présence africaine Éditions, 1956 Photographie Lutetia） 1950年末至1960年代，許多美國藝術家對巴黎的國際抽象藝術浪潮做出了重要貢獻。受到尼古拉斯·德·斯塔埃爾（Nicolas de Staël）啟發，艾德·克拉克（Ed Clark）創作出結構嚴謹、氣勢磅礴的大型抽象畫作。來自海地的女性藝術先鋒露絲·特尼爾（Luce Turnier），以及美國雕塑家理查德·亨特（Richard Hunt）與哈羅德·卡曾斯（Harold Cousins），也共同推動了以集合藝術（collective art）【註釋1】為核心的美學風格發展。   展覽呈現1950年末至1960年代，在巴黎創作抽象藝術的非裔藝術家作品。（© Jospeh Banderet）   艾德·克拉克，《無題（韋特伊）》，1967。（© The Estate of Ed Clark. Courtesy of the Estate and Hauser & Wirth Photo Sarah Muehlbauer） 同時，爵士樂也在巴黎掀起風潮，藝術家們也紛紛將爵士樂的節奏與精神融入抽象藝術中──尤其是自由爵士樂（Free Jazz）【註釋2】，在當時成為跨地域的藝術與政治表達媒介。傑拉德·塞科托（Gerard Sekoto）在其系列作品《藍頭髮》（Les Têtes Bleues）中向南非歌手米里亞姆·馬凱巴（Miriam Makeba）致敬；伊巴·恩迪亞耶（Iba N’Diaye）描繪了藍調傳奇貝西·史密斯（Bessie Smith）；吉多·利納斯（Guido Llinás，又名路易斯·東利納斯）則致敬爵士樂大師查理·帕克（Charlie Parker）。該展展現了這群藝術家如何透過爵士樂，共譜一首跨國交響曲，並在文化與政治層面上注入不可忽視的力量。   爵士樂對戰後巴黎藝術的影響深遠，展覽呈現藝術家如何從爵士樂汲取靈感，拓展出多元且具實驗性的創作實踐。（© Jospeh Banderet） 到了1980年代，多元文化主義蔚為風潮，藝術家紛紛藉由創作回溯奴隸制度與逃亡奴隸社群（Maroons）的歷史，如多明尼加藝術家何塞・卡斯蒂略（José Castillo）具強烈敘事性的繪畫作品，抑或電影導演尤尚·帕爾西（Euzhan Palcy）透過其經典作品《黑人小茅屋街》（Rue Cases-Nègres），細膩描繪黑人勞工遭受白人雇主不公對待的處境，他們皆透過創作重新詮釋殖民遺緒與文化記憶，召喚過去，亦回應當下。   何塞·卡斯蒂略，《布朗一家》，1994。（© Adagp, Paris, 2025 Photo Bardig Kouyoumdjian） 1989年，法國為紀念法國大革命兩百週年舉辦一系列活動，其中由非洲與大洋洲藝術博物館策劃的展覽「熱帶革命」（Révolutions sous les Tropiques）格外引人注目，聚焦包括海地革命在內的反殖民抗爭，突顯被壓迫者的聲音與歷史能動性。這類展覽不僅回應殖民歷史，也為當代非裔藝術家的創作提供了參照與啟發。 延續這股反思殖民遺緒與強調文化主體性的思潮，自 1990年代起，法國新一代非裔藝術家開始創作融合多元文化元素的作品，並深受城市藝術與塗鴉文化的影響。在機構支持逐漸減少的背景下，黑人藝術團體與自主空間如雨後春筍般興起。雷蒙德·桑德斯（Raymond Saunders）等文化大使也積極推動國際交流，如參與盧森堡宮會議與「舊金山—巴黎 Connexions」展覽等，以自身的力量持續形塑巴黎非裔藝術社群的主體性。 「黑色巴黎」回顧半世紀以來黑人群體的解放運動，展覽強調藝術家在美學與政治上的雙重力量——他們透過創作挑戰主流敘事，在後殖民語境中重塑「差異」的普世意義，使半個世紀以來被忽略的聲音重新進入公共視野，不僅提出族群主體與差異共存的時代命題，也激發觀者在美學經驗與歷史記憶間的多重共鳴與反思。 【註釋1】由多位藝術家共同創作、策劃或參與的藝術實踐，強調協作、對話與集體行動。這類創作常涉及社會議題、社群參與或文化交換，並強調藝術作為共同經驗與公共介入的可能性。 【註釋2】1950年代末興起的一種爵士樂風格，打破傳統旋律、節奏與和聲的框架，強調即興、實驗與表達個人情感或政治立場。常被視為反叛與解放的聲音，與民權運動、反殖民思想密切相關。   ❚ 執行編輯：謝佳均    

  作者：葉家妤（臺灣文學發展基金會專案企畫） 「改編自真人真事，我寫這七個字的意思是說，當你在讀書的時候遇到不舒服或者是痛苦段落的時候，我希望你能知道這個痛苦它是真實的……」——引自林奕含《房思琪的初戀樂園》新書發表會逐字稿。 坐落於臺北齊東街的臺灣文學基地於展覽廳展出「改編自真人真事：當代性別事件的噤聲與反抗」特展（展期至2025年10月12日），以四個展區探索性別事件如何以文學為反抗路徑，透過橫跨於虛構與非虛構之間的故事，反映長期存在於社會的性別壓迫。而主展名「改編自真人真事」則出自於《房思琪的初戀樂園》作者林奕含於小說扉頁寫下的這七個字。【註釋1】   「改編自真人真事」特展入口（國立臺灣文學館 提供） 展廳位於基地內一棟日式宿舍，前方的庭園設置了展名、廖輝英《油麻菜籽》及追奇〈玫瑰少年——寫給葉永鋕〉的摘句，這些文字被印製於放大版的空氣包裝材料上，形式宛如用於包裹易碎物品的防撞氣墊。展覽中亦延續此一展示手法，將具有重量的文字印在透明且具緩衝性的空氣包裝上，向觀眾揭示：這些作品內容，皆可能源自於某個人的切身之痛。而文學可以做的，或許正是成為受害者堅實的保護層，抑或溫柔抵抗的武器。 經過庭園，映入眼簾的是以衣物清洗標誌為靈感設計的主視覺。原本用於標示洗滌注意事項的圖示與文字，在此被轉化為一組禁止語，包含：「沒有迫害（No persecution）」、「沒有歧視（No discrimination）」、「沒有霸凌（No bulling）」、「沒有種族主義（No racism）」、「沒有性別刻板印象（No gender stereotypes）」。這些語句與圖示亦散見於各展間裡，提醒觀眾面對任何性別事件中的受害者，唯有絕對禁止以上的行為與目光，方能真正實踐尊重與理解。   圖擬仿衣物清洗標誌設計的性別迫害禁止語。（葉家妤 攝影） 進入展覽，空間堆積著印上文學如何反應性別事件的感熱紙文字內容，象徵著這些迫害至今從未停歇。「冰山隱沒下的絕歌」展區透過改編自廖輝英《油麻菜籽》同名電影，及首次展出的邱妙津生活週記手稿，呈現兩種時代下女性成長的不同處境。一是1980年代完全聽令於命運安排的女性成長經歷；另一則是1990年代，隨著解嚴後政治氛圍的逐步開放，女性開始關照自身，探索主體與自主的可能。 接續「暗影裡的火種」展區，描述儘管性平觀念逐漸落實於法律制度，然而長期根深蒂固的父權社會結構，仍使性別迫害現象持續存在。此區陳列2000年代前後女性自我覺察與性別意識提高，產出之性別不平等為題的文學作品，如以有聲書播放的劉芷妤〈火車做夢〉述說火車上發生性騷事件，乘客選擇視而不見的情境，深刻揭示社會對性別暴力的冷漠與逃避。   本展展出首次公開的邱妙津生活週記手稿。（國立臺灣文學館 提供） 創造沈浸感體驗的有聲書展示形式，延伸至「曖昧與暴力——文學的雙面性」展區。《房思琪的初戀樂園》中，林奕含以浪漫的文字，若無其事地揭露一樁骯髒的狼師誘姦事件。在文字藝術的包裝下，這本書讀起來近似一本愛情小說，然而這種敘事策略，正反映許多女性遭遇性侵後，為了緩解自身的創傷，會選擇將記憶中的暴力經驗改編成戀愛情節。此展區輪播著書中三段內文，並將林奕含貼身的山羊、小羊、棕兔玩偶安置於開了洞的展牆後方。觀眾在聲音與物件交錯的觀看中，漸漸浸入這段真實的痛苦經歷，感受語言既能包裹創傷，也可能暴露傷口的矛盾力量。   「曖昧與暴力——文學的雙面性」展區同時呈現林奕含與家人、朋友的書信，更加立體化作者細膩的個性。（葉家妤 攝影） 在悲傷過後，「我們書寫，我們發聲」展區轉而展現文學作為行動與倡議的力量。展出包含陳怡如《女同志Ｘ務農Ｘ成家：泥地漬紅》、陳昭如《沈默：特教學校集體性侵事件》等六本挑戰性別權力結構的書寫，透過詩集、小說、報導文學的字裡行間，呈現有別於先前展區的抵抗姿態，轉向挺身倡議法律與教育的改革。 展覽尾聲，午後和煦的陽光灑進出口，照亮一排排掛於木架上的氣泡紙御守。這些御守包裹的，正是展覽中性別事件的文本片段，也代表著文學將不畏一切，守護每一位被壓迫者，直至日暖風和的那一天到來。   觀眾可於展覽最後，選擇含有展覽出現的文學作品摘句紙條，放入氣泡御守中。（國立臺灣文學館 提供） 【註釋1】《房思琪的初戀樂園》書裡13歲的房思琪，被補習班教師利用職權誘姦，當時他沒有劇烈反抗，為了合理化內心的矛盾，因此在之後與狼師長期關係中，用力地讓自己相信是愛著老師的。2017年此本小說出刊，同年林奕含於家中自縊，後續作者父母透過出版社發出聲明，書中房思琪的故事，就是他們深愛著的女兒生前的經歷。   ❚ 執行編輯：謝佳均

作者：林婷梅（國立臺北藝術大學博物館研究所碩士生） 水——覆蓋地球七成表面，宛如交織的血管，滋養生命與大地。人類於歷史長河中，與水的關係經歷敬畏、運用、佔有等多重變化，複雜關聯交疊共存，於水的各方思考也持續碰撞。探討人水關係的人類學家謝一誼，與鳳甲美術館及壽山遊客中心合作，策劃「涉水而渡」特展，與國內外藝術家一同潛入水體逐漸資源化的當代，思考人與水纏綿繾綣的「潮濕美學」。 「涉水而渡」策展構想，孕育自2022年「海水遇場：島嶼潮濕美學」計畫，以及2023年「水生四城：赫爾辛基、威尼斯、海港高雄、盆地臺北的潮濕宇宙」駐地研究。謝一誼與來自各地的藝術家長期踏查人與水相遇的水生之地，在臺北濕地、高雄潟湖、威尼斯潟湖間激起層層漣漪，逐一探訪多物種與水共創的生命地景，深入那些在人類治理下被軍事化、政治化、資本化，進而失去「自由」的各式水體空間。 2024年，謝一誼啟動「涉水而渡」跨國展覽合作計畫，攜手各國藝術團體與研究單位，透過參與和合作藝術（collaborative art）形式，於臺北、高雄、威尼斯三地籌辦在地水文工作坊，探索地域間的差異與連結，交織出臺灣與威尼斯的潮濕人文生態。 2025年，計畫進一步開展三地展覽計畫：4月15日至6月15日於高雄壽山遊客中心、4月26日至6月22日於臺北鳳甲美術館，以及9月18日至11月18日於威尼斯SaLE DOCKS。展覽以「涉水而渡」為名，藝術為勢，審視被人類掌控的紛擾水域，試圖涉渡生態與人文的自然流動。 「涉水而渡」參展藝術家透過長期田野調查，探尋水文與人文的相互流渡。例如，陳呈毓作品《稍好的亂局》，以象徵北投地景事件的磁磚、鐵管、樹枝、石頭等人造物與自然物，纏繞成多座奇特的類生命形構雕塑，藉此探究人類蹤影與水文軌跡的歷史交錯。展場中，通水的水管彷若維繫生命的血脈，在散落各處的雕塑間蜿蜒爬行，也映照人類與水既密不可分又錯綜複雜的共生關係。   陳呈毓《稍好的亂局》透過物質、符號與身體的交纏，試探環境、事件與身體的界線。（林婷梅　攝影） 而郭俞平的作品《A Lagoon, A Portal》則回應水文與記憶的交疊與消逝。在黃光下，機械聲與生物聲響交雜，枯枝、破罐與布滿孔隙的生物殘骸錯落於紅土之上，彷彿為尋者打開一道通往異時空的入口。作品召喚那些曾棲息於潟湖，因河道開鑿、土壤淤積等環境變動而聚散流離，跌出人類視野的物種殘影與文化影跡，引領觀眾重新凝視人水共生關係中被歷史與地景掩埋的聲響。   郭俞平《A Lagoon, A Portal》揭示環境變換下的物種聚散與文化斷層、復振。（林婷梅　攝影） 值得關注的是，除了聚焦臺灣水域的觀察外，展覽亦引入跨地域的視角，拓展水與勞動議題的討論。如長期觀察印度拆船業勞動者與船艦停泊、出航景象的孟買藝術家坎達爾岡卡（Kandalgaonkar），此次展出「拆船檔案」（shipbreak­dossier）系列作品，運用影像、聲音、素描等多元媒材，呈現當地環境汙染、勞動困境與海上運輸體系的興衰變遷。其素描筆觸細膩，海水、地景、船體與拆解場景交錯，拼構成一幅幅超乎現實的視覺圖像，營造如同神話造物般的異境風貌，帶領觀眾進入與臺灣藝術家截然不同的水文思考。   坎達爾岡卡《in[fra]structional》系列草圖，以細膩的筆觸展現海洋與船艦的創作張力。（林婷梅　攝影） 「不被治理，是潮濕生命的基本樣貌；不被控制的洪泛，是地球生命不斷改變、是河流與季節互動的動態樣貌。」策展人謝一誼指出，水是變化不息、充滿生命力的存有，遠超可量化的統計資料；人類與生態的關係，更是一種記憶的延續與文化的承襲，而非僅限於理性與控制。 臺灣作為北回歸線、黑潮與季風交匯的海島，濕氣於歷史記憶中瀰漫流動，飽和且盈滿。藝術家涉水而渡，穿行於自然與文化的邊界，透過感知的實踐，使「潮濕」不再只是氣候條件，而是一種觀看、記錄與連結人地關係的再思考，進而帶領觀眾感知潛藏於「水」中的生命情感與創作美學。   ❚ 執行編輯：謝佳均

  作者：程元（文化內容策進院 ESG for Culture影響力中心專員）、蔡亞倫（國立臺灣大學水工試驗所推廣組組長） 談到如何在日常生活中實踐永續概念，多數人或許會聯想到資源回收，或是反覆修補心愛的舊衣服。然而，除了這些消費「之後」的環保行動，我們是否也能在消費「當下」就做出更具永續意識的選擇呢？ 近年來，臺灣已有不少業者積極投入「循環設計」（Circular Design）的實踐，嘗試將資源再生與環境友善的思維落實在產品設計上。2025年由新北市政府文化局主辦，小島裡 Sidoli Radio團隊策展，位於府中15的「2025 新北市循環設計展：異百貨 STRANGE MALL」邀請觀眾重新思考消費行為與環境之間的關係，並探索當代循環設計的多元樣貌。 展覽橫跨三個樓層。觀眾自一樓搭乘電梯前往五樓展廳入口時，首先注意到電梯內設計成「異百貨會員卡」樣式的裝置。電梯間的鏡子宛如攝影鏡頭，映照出觀眾的身影，形成如同於商場獲得專屬會員卡的視覺效果。電梯左側則標示百貨的消費流程，對應三樓展區的「採購活動」，巧妙鋪陳整體動線與展覽概念。 電梯內的會員卡設計與引導說明。（蔡亞倫 攝影） 抵達五樓後，觀眾將穿越由兩片塑膠浪板構成、形似張開雙臂的展區入口，隨即進入仿若新北市鐵皮屋工廠聚落的空間場景。「逛生活」展區聚焦於生活中的四大面向——食、衣、用、樂，呈現來自臺灣與新北市在地品牌如何將永續理念融入產品設計之中。 例如，外送飲料杯也可以像共享單車系統的運作機制一樣重複使用；早餐店切除的吐司邊，亦被轉化為啤酒釀造原料；甚至被視為海洋污染象徵的廢棄漁網，也可回收再製為新潮鏡框。這些兼具創意與環保精神的產品案例，皆可在展區中一一探索。   「逛生活」展區以鐵皮屋頂與工廠意象打造展場氛圍，呼應新北在地日常景觀與永續設計的生活實踐。（蔡亞倫 攝影）   將永續理念結合日常的產品——早餐店吐司邊釀造啤酒。（蔡亞倫 攝影） 而位於三樓的「進未來」展區則透過空間設計與概念陳列，揭示產品背後所蘊含的循環設計策略與永續思維。展覽以購物袋作為展版呈現循環經濟的六大核心原則與六大循環設計策略（Six strategies for circular design）。【註釋1】展區亦輔以陳列數件概念型產品，例如一款採用回收材質打造的吸塵器，不僅具備自動分類與分解廢棄物的功能，亦藉由模組化設計（Modularity）【註釋2】提高其零件替換與維修彈性，使整體產品更耐用、維護更便利，體現循環設計的實踐精神。藉由這樣的展示與轉譯手法，觀眾得以從「看見」產品，延伸至「理解」其設計背後的永續邏輯，進而反思未來的消費選擇。   標示循環經濟與永續設計原則的購物袋展版，象徵永續行動始於日常消費選擇。（蔡亞倫 攝影） 展覽以數件概念型產品帶領觀眾認識隱含其中的循環設計概念。（蔡亞倫 攝影） 值得關注的是，展區中央設有一個互動購買平台，觀眾可透過掃描QR code進入「線上異百貨」，選擇來自展區所展示的永續商品與服務，並將循環設計概念應用其中。亦提供進一步的創意設計模擬，觀眾可為選擇的永續產品加上虛擬功能設定，例如「異世界功能」（瞬間自動清潔、超迅速自然分解、能量回收）與「特殊技能」（耐熱屬性提升、AI智能導入、100%可回收率）等構想，接著便可挑選包裝材質，如蜂巢紙或生物可降解的素色包。完成操作後，系統將根據訂單內容分析出其具備的「循環設計能力值」，並由展場人員依照數值兌換限定紀念品，嘗試以參與式體驗將抽象的設計原則轉化為趣味互動。   「線上異百貨」與兌換活動。（蔡亞倫 攝影） ​我們每一次的消費選擇，既是對永續價值的認同，也是推動循環經濟落實於生活場域的具體實踐。觀展結束後，真正的挑戰才正要開始——正如展覽所示，永續不只是設計與製造的課題，更是一場關乎日常選擇與生活態度的長期行動。 【註釋1】循環經濟的六大核心原則：減量（Reduce）、再利用（Reuse）、回收（Recycle）、修復（Repair）、再製造（Remanufacture）與再思考（Rethink）；六項循環設計策略，包括：為內循環設計（Designing for inner loops）、產品服務化（Moving from products to services）、延長產品生命週期（Product life extension）、使用安全且循環的材料（Safe and circular material choices）、去物質化（Dematerialisation）與模組化設計（Modularity）。 【註釋2】指將產品分為可獨立替換或維修的各個組件，像積木一樣組裝而成。這種設計能延長產品壽命，降低維修成本，也有助於回收與重複利用，實現循環經濟的目標。   ❚ 執行編輯：謝佳均

作者：陳瑋彤（國立臺灣藝術大學藝術管理與文化政策研究所碩士） 在香港輕工業蓬勃發展的1950至60年代，「紡織業」曾是僱用勞工人數最多的產業，成品遠銷海外、風行國際。隨著經濟轉型與工廠外移，產業輝煌已然褪色。以棉紗起家的南豐集團，為推廣紡織文化、保存紡織遺產，並為新銳時裝設計提供展現的舞台，將位於荃灣的南豐紡織棉紗廠房原址改建為藝術館，自2019年起對外開放。 南豐紗廠（The Mills）二樓一側設有「六廠紡織文化藝術館」—— 又名CHAT六廠（Centre for Heritage Arts and Textile）；其餘空間，包括寵物友善的室內場域及空中花園則規劃為餐飲、零售及親子育樂等文創消費場所。 該館不定期舉辦免費展覽及「共學計劃」系列教推活動，帶領觀眾探索紡織傳統工藝、時尚工業與當代藝術作為文化媒介的多元價值，亦透過跨領域的藝文合作、駐廠藝術家及研究資助計畫等，積極培育相關人才。 六廠常設展聚焦香港紡織工業史，保存幾種常見的機器，並於每日特定時段安排操作示範與講解。除了工業設備外，展覽亦結合實物藏品、歷史文獻及口述歷史影片，回顧當地紡織業的發展脈絡。展覽也運用數位科技元素，引導觀眾認識紡織知識，如「織光機」互動遊戲體驗，邀請觀眾發想自己的專屬圖案，裝置使用的花紋均來自在地紡織文化的圖樣，可線上分享，亦可參與「手作半個鐘」工作坊，將圖案轉印於特製手提袋或其他紡織品。   「櫻桃」併條機來自早期香港棉紡廠，具有兩種用途：一是將較粗的棉條進一步拉細，二是將多道「生條」合併為一道更為均勻的「熟條」。（陳瑋彤 攝影）   從手工精緻的成衣製品、商品圖錄及昔日剪報中，可見當年「香港製造」時裝外銷歐美的盛況。（陳瑋彤 攝影）   公共藝術作品《編織牆》融合文學、繪畫及編織藝術家團隊的創意，壁畫以棉紗原料木棉花、車衣女工和眾多香港城巿元素交織而成，呈現工業歷史與在地記憶的聯繫。（陳瑋彤 攝影） 展期至2025年7月的新特展《湧動的暗綫 ── 遊走在民間智慧與當代視野之間》，展出13位亞太地區藝術家的作品，揭示民間工藝背後的歷史、文化及社會意涵。創作媒介包含刺繡、草編、紙紮、布藝織染、錄像和裝置等，以多樣紡織工藝映照出民族圖騰的象徵、部落紡織的勞動意義、女性的家庭角色、科技對生態的警示，以及全球貿易體系下服飾生產與供應的運作等議題。 例如，由哈薩克藝術家艾希莎‧沙迪諾娃所創作的《她的裙子》，回溯農業社會「男耕女織」的分工。相較於戶外體力勞動，編織等手作技能較能兼顧育兒需求，因此在作品中，刺繡裙面可見手持空杯、祈求食物的意象，四周環繞彩色方形座墊，模仿中亞傳統餐桌的陳設。而動植物、嬰兒及日常物品的裝飾圖案，則象徵女性作為照顧者的角色與貢獻，進一步反思傳統社會如何長期將女性固著於無償勞動與維持家庭存續的框架中。   哈薩克藝術家艾希莎・沙迪諾娃作品《她的裙子》。（陳瑋彤 攝影）   韓裔藝術家洪英仁的裝置《動物之環》，結合仿自長頸鹿、袋鼠、蒼鷺、大猩猩和熊腳部造型的傳統草編鞋，以及田野聲音素材，以虛實共構的手法表達人類與大自然的聯繫。（陳瑋彤 攝影）   中國藝術家葉甫納的刺繡掛畫《一根線的故事》和《T恤的全球旅行》，運用百家布拼貼出資訊圖表，分別探討紡線原料加工與流通過程，以及跨國品牌T恤背後的全球產業鏈結構。（陳瑋彤 攝影）   綜觀館方歷年推展的特展計畫，多聚焦於穿越時間及空間維度的跨領域實踐，並強調透過藝術讓代表性不足群體（underrepresented groups）被看見，如「紡織文化連線」邀請難民、酷兒、外籍移工和女受刑人等社群參與創作；而「勞動的痕跡」則關注20世紀香港工廠女工的常民時尚與衣著文化。 執行董事兼首席策展人高橋瑞木指出，六廠聚焦「與人的連結」，在工業歷史宏大敘事的背景下，蘊藏對環境的關懷、與生活的聯繫。其中，香港藝術家伍韶勁曾向民眾收集寵物毛髮及故事製成裝置藝術《寰》，引領觀眾以超越審美及使用功能的角度感受編織。 作為非營利博物館，六廠與南豐紗廠的主題商店形成協同效應，共同打造兼具教育與體驗的文創基地，不僅呈現紡織文化的當代表述，也提升其在當代藝術場域的能見度。該館以「編織」為核心語彙，持續交織人、歷史與當代藝術的多重維度，拓展當地紡織文化的連結與想像。   ❚ 執行編輯：謝佳均

作者 : 林盈君（英國萊斯特大學美術館與藝廊碩士、藝術顧問） 自2024下半年起，全球博物館和美術館正面臨一波嚴峻的財政危機。在疫情後續效應、政府預算削減和通貨膨脹三重打擊下，文化機構被迫採取裁員、縮減展覽等緊縮措施，這不僅是短期挑戰，更可能重塑整個行業的未來運作模式。   英國多館裁員與限縮營運下的博物館寒冬 英國Tate美術集團最近宣布將裁減旗下四座美術館裡約40個職位，佔其員工總數的7%。以解決自疫情以來累積的財政赤字。根據統計，Tate Modern在2024年的參觀人數與2019年相比，下降了25%，其他分館的情形更加嚴峻。歸究原因，除了海外參觀者回流緩慢，政府文化預算縮減，以及能源、運輸與人事等服務成本的上漲，也給Tate帶來了顯著的營運壓力。 旗下有五間博物館的英國科學博物館集團（Science Museum Group），過去18個月已減少約85個職位，以削減約300萬英鎊的人事開支。而掌管英國約500座歷史遺跡、公園、城堡的英國國家信託組織（National Trust）亦於日前公佈，今年面臨1000萬英鎊的勞動成本上漲的壓力，已凍結了除必要人員外的所有新聘程序。英國遺產委員會（English Heritage）也計劃裁減約200名員工，部分景點將僅於特定時間開放或在冬季關閉，以應付持續增加的營運成本。 根據英國華威大學在去年所做的一份報告指出，自2010年起，英國文化總預算已減少6%，其中英格蘭減少了 48%。藝術委員會（Arts Council）的核心補助資金在英格蘭減少了18%，在蘇格蘭減少了22%，在威爾斯減少了25%，在北愛爾蘭減少了66%。此一預算持續萎縮的趨勢，迫使各地博物館面臨轉型壓力，或需不斷尋找新的收入來源、縮減營運規模。   倫敦皇家藝術學院（Royal Academy of Arts）計劃裁撤60個職位，約佔其總員工的18%，引發藝術從業者的強烈抗議。該學院的參觀人數比疫情前下滑約50%。（林盈君 攝影）   公共資助制度動搖，德荷文化機構受財政緊縮衝擊 一向以文化繁榮著稱的柏林，也面臨前所未有的預算危機。柏林參議院宣布，2025年將削減1.3億歐元文化經費，佔總文化預算的12%。此舉對高度依賴公共財政補助的文化機構造成嚴重衝擊。KW當代藝術研究所所長艾瑪 · 恩德比（Emma Enderby）向媒體證實，博物館將被迫裁員，並縮減包括公共參與項目在內的計劃。 同時，柏林還取消了每月第一個週日的「免費博物館日」，儘管其舉辦成本不高且極受歡迎。偏右翼的基督教民主聯盟市長凱 · 韋格納（Kai Wegner）稱:「我們必須擺脫『我們需要國家資金』的心態。」在德國法源上，博物館不能像英美等國那樣依賴私人慈善捐助，導致德國藝術機構在財源多元化方面選項有限。 在荷蘭，當前由極右翼自由黨（PVV）主導的政治聯盟，原擬在首份文化預算中大幅調升文化增值稅由現行的9%提高到21%等一系列縮減政策，遭到強大的反對聲浪，幸而在最後一刻暫時取消。但自由黨在競選期間曾揚言取消對藝術與文化的「荒謬補貼」，讓荷蘭藝文界人士高度不安。   美國博物館資源縮減與多元文化政策推動受限 美國的情況同樣嚴峻。紐約古根漢美術館於今年2月底宣布裁減20名員工，佔其總員工數的7%，這已是該館五年內的第三輪裁員。在西岸，舊金山美術館和亞洲藝術博物館也因為來自政府的資金減少，而準備裁撤20%保全人員。由於保全人員大部分由非白人族裔擔任，裁員對職場多元包容性造成影響。同時，因為保全不夠完善，部分館舍被迫暫時關閉，開放時間也因此縮減。 近日，川普政府對「多樣性、公平與包容」（DEI）政策的抵制，亦對美國博物館產生了深遠影響，特別是在聯邦資助的文化機構中。例如，史密森尼學會和國家藝廊等機構在行政命令下關閉了其DEI辦公室，美洲藝術博物館 (AMA) 的展覽被取消，直接削弱了過去多年促進員工和觀眾多樣性和包容性的努力。 這些裁員潮不僅影響博物館的運營能力，也對員工士氣造成打擊。低薪問題加劇，加上生活成本上升，使許多文化從業者面臨財務壓力。同時，展覽數量減少、公共服務縮減，觀眾的文化近用權也受到影響。   布魯克林博物館宣布預計面臨1000萬美元的赤字，因此計劃裁減40名員工，引起工會成員的強烈不滿。（© Brooklyn Museum ／ Adrianna Glaviano）   慢博物館：改變中的經營模式和觀眾 面對這些挑戰，各國政府和博物館正尋找新方案緩解危機。英國文化部於2025年2月宣布提供2.7億英鎊的文化資金，包括8,500萬英鎊的「創意基礎基金」（Creative Foundations Fund）和2,000萬英鎊的「博物館更新基金」（Museum Renewal Fund）。 另一方面，博物館自身也在積極改變營運模式。《藝術新聞報》觀察到後疫情時代的「慢博物館」（Slow Museum）現象——減少展覽數量，延長展期，並專注於深入研究以及和藝術家與社區的互動。這樣的作法除了減少員工壓力和運輸、裝置等成本，同時也是一種更環保和可持續的經營策略。 例如，匹茲堡卡內基藝術博物館，從疫情前每年10場展覽減少到2024年的5場。館長埃里克 · 克羅斯（Eric Crosby）承認除了因資金緊張而縮減規模，另一方面也是反思博物館功能 :「藝術是一種緩慢而有目的的體驗，需要時間來消化。」V&A鄧迪分館自2024年開始，每年僅舉辦一場為期九個月的大型展覽。館長莉奧妮 · 貝爾（Leonie Bell）認為這個新模式是積極的且有助於適應當前的工作環境。 博物館工作環境和觀眾行為正逐漸轉變。觀眾能更從容地參觀展覽，研究人員得以專注於藏品檔案，技術人員亦減少頻繁卸展的壓力。然而，參觀人數下降、會員招募困難、藝術家展出機會減少等挑戰仍存在。面對全球經濟壓力，博物館須在文化傳承與創新間找到平衡。「慢博物館」模式提供一種可能性，即在危機中尋求深度連結與可持續性，並重新定義文化機構的角色。儘管挑戰仍存在，這場轉型或許能為未來的文化生態開拓更具韌性和創造性的方向。   ❚ 執行編輯：謝佳均

作者：王韻涵（國立臺北藝術大學博物館研究所碩士生） 在臺灣陶瓷文化的重鎮，一棟當代建築嶄新佇立。2025年4月25日，座落於鶯歌的新北市美術館正式啟用，標誌當前台灣人口最多的新北市迎來首座公立現當代藝術空間。這個歷經十年醞釀的文化建設，不僅體現新北市作為文化都市的城市定位，也為串連鶯歌陶瓷博物館、客家文化園區與老街的文化廊道注入嶄新活力。 開幕逢春之際，新美館以四檔各具特色的展覽，向公眾展示其「立基在地、面向國際」的使命宣言，邀請觀眾一同走入此座融合城市記憶與當代思考的藝文空間。   重訪城市記憶：「往來／照見」典藏研究展 沿著美術館長長的樓梯向上而行，映入眼簾的展覽是典藏研究展「往來／照見」。該展由策展人白適銘和鄒婷共同策劃，通過50件橫跨1930年代至今的藝術創作，一探新北市的文化發展脈絡。展覽分為「自然／風景／邊界」與「人文／記憶／城市共同體」兩大主題，觀眾可以從中感受新北市在不同歷史階段的文化生成經歷。 白適銘表示，這場展覽不僅是對館藏作品的「重訪」，更是對城市歷史的再現。在這片由河流、山脈與人文交織的地景中，時光刻畫著城市與地方、群體與個人的流轉，形塑出一個多元共生的城市共同體。展覽最後以吳瑪悧的《重建一立方公分土地需要100年時間》作為結尾，提醒觀眾重視生活土地的珍貴。   吳瑪悧《重建一立方公分土地需要100年時間》。（王韻涵 攝影）   全球南方的視角：「基進城市」特展 開館特展之一的「基進城市」匯集23組國內外藝術家的創作，由策展人謝豐嶸、鄭慧華策劃。以全球化背景下「現代都市」的興起為切入點，從全球南方的視角審視城市的流動與多元性。 展覽中，藝術家吳權倫的《代窯》直擊戰後台灣在全球陶瓷生產中的微妙定位。戰後積極將自己打造成世界工廠的台灣，在擴大陶瓷生產的同時，也因身份認同問題在不同的陶瓷傳統間擺盪。融合了西式裝飾的台灣陶偶，成為全球南方生產基地的「亞型」變種，在這一過程中浸潤了地方風土品味，形成獨特的文化混血產物。 吳權倫《代窯》。（王韻涵 攝影） 此外，韓國藝術家梁慧圭（Haegue Yang）的作品《堡壘要塞》（Cittadella）由176片百葉窗和六組移動光源組成，當觀眾穿梭其中，恍若置身於迷離的現代城市迷宮中。   梁慧圭，《堡壘要塞》，2011年。（王世邦 攝影／新北市美術館 提供）   虛實交織的流域探索：「新店男孩：Don’t Worry, Baby」特展 踏入4A展間，一場結合數位科技與在地經驗的沈浸式展覽成為此次開幕特展的亮點之一。由藝術家蘇匯宇、莊普、吳東龍和陳順築組成的藝術團體「新店男孩」的第五號計畫《Don’t Worry, Baby》，以成員們長年寓居新店郊區的背景為基礎，融合地誌探索方法，對新店溪流域的環境進行深度發想。 展場中央引人注目的木屋空間裝置，還原了新店男孩早期的工作室。這座半地下的裝置配合鏡面地板的反射，營造出獨特的空間感受。觀眾需彎下腰、雙膝跪地才能進入，這種姿態不僅增加了作品的互動性，也象徵著團體創立初期的不易處境。木屋內陳設的電視播放著錄像作品《新店男孩：聊天》，記錄已故成員陳順築與其他成員的對話片段，透過耳機，觀眾彷彿一同參與了這場藝術家們的私下交流。   還原新店男孩早期工作室的半地下木屋裝置，並播放著《新店男孩：聊天》。（王韻涵 攝影） 走出木屋，抬頭便能看見環繞整個空間的全幅投影，呈現新店的山林風景。這些看似寫實的自然景觀，實際上是與新媒體團體XTRUX合作，結合遊戲引擎和演算法技術生成的虛擬環境。遊戲引擎的特性讓畫面中所有的鏡頭、天氣、光線都即時隨機組合，使展覽在三個多月的期間中，不會出現重複的景象，創造出介於真實與虛擬間的獨特體驗。這趟特殊的流域探索旅程，不僅捕捉了新店溪魔幻的地理特性，也隱喻著生活、生命乃至肉身的流變過程。   兒童的藝術探險：「再自然不過的事」 新美館也為兒童打造探索創意的學習場域，如館內的「探索基地」和「新美聚所」展出「再自然不過的事」親子互動展，為小小觀眾打造了一個沒有隔間、充滿想像力的大型空間裝置。 藝術家郭奕臣以陶土和各種物件重新塑造了雙北都會區的地景，其中一件小巧的雕塑正是新美館建築的微縮版本。藝術家辛綺的《移光盆地》則設計了一個充滿童趣的「考古現場」，在紫外線燈光的魔法下，孩子們可以挖掘、發現，重新思考「歷史」如何被詮釋與記憶。   郭奕臣，《心感地圖——河》，2025年。（眼福映像工作室 攝影／新北市美術館 提供） 辛綺，《移光盆地》，2025年。（眼福映像工作室 攝影／新北市美術館 提供）   美術館與未來：開放的文化風景 在今日全球化與在地化的拉扯中，該館尋求一種整合性的平衡，既通過對話接軌國際藝術潮流，同時也反映本土文化脈絡。期待當城市的文化厚度不斷累積時，或許我們都能在藝術的映照下，看見一座更具包容性、想像力的未來城市。 2025年4月25日至6月30日期間，新美館邀請公眾免費參觀，期間的六個週末更安排了一系列的開館活動，歡迎大家一同體驗這座屬於全民的美術館！   ❚ 執行編輯：謝佳均

作者：戴映萱（倫敦大學金匠學院藝術策展碩士、藝術評論工作者） 被視為全球藝術權威的威尼斯藝術雙年展（Venice Biennale）即將在明年邁入第61屆，總策展人為科約·庫奧（Koyo Kouoh），其身為首位非裔女性策展人的身分成為鎂光燈的焦點。庫奧是當代非洲藝術重要推手，她在南非所任職的Zeitz非洲當代藝術館（Zeitz Museum of Contemporary Art Africa, Zeitz MOCAA）也受到國際的高度注目。   Zeitz非洲當代藝術館的首席策展人科約·庫奧為2026年威尼斯藝術雙年展的總策展人。庫奧於2025年5月10日驟然離世，享年57歲。威尼斯雙年展於媒體聲明中表示，原定於5 月 20 日發布的第 61 屆展覽標題和主題，仍會按照原定計劃公布。聲明中同時哀悼庫厄的離世，肯定庫奧對藝術的熱忱、對學術的嚴謹，以及對下屆雙年展概念及發展的願景。（Credit: Mirjam Kluka）   座落於南非開普敦維多利亞＆阿爾弗雷德碼頭（V&A Waterfront）的Zeitz MOCAA於2017年成立，是全非洲規模最大的「非洲藝術」美術館。其館舍前身為一座用來儲藏當地所產玉米的舊糧倉，亦為國家保護的重要歷史建築。最終由英國建築設計鬼才托馬斯·海澤維克（Thomas Heatherwick）操刀，他受到其曾作為玉米儲倉的歷史啟發，在美術館內部設計了一座拱形中庭，並於其中開鑿出形似玉米的「洞口」，如同紀念碑般環繞整面牆體。觀眾步入其中，宛如置身在巨大的細胞壁內，切身感受到歷史的痕跡，同時也能觀看新穎的藝術創作，此空間也成為館內展示藝術家委託創作的重要展廳，讓過去與未來在此交匯。 Zeitz MOCAA改建耗時四年，內部的流線造型靈感源自玉米，設計兼顧創意與歷史內涵。（Photo by Wianelle Briers） Zeitz MOCAA的成立，源自當地政府意識到糧倉作為歷史地標的價值，多年來持續討論其再利用的可能性。最後決定將其轉型為美術館，但首要的挑戰在於缺乏館藏。恰逢創辦人兼運動品牌Puma前總裁約亨·蔡茨 (Jochen Zeitz)身懷在非洲打造首個專門收藏非洲及其海外離散社群藝術館舍的願景，這一理念促成了2015年館藏的建立，該館便以蔡茨命名，正式開啟Zeitz MOCAA的旅程。 該館館藏多聚焦移民、人權、種族與記憶等議題，其中不乏知名藝術家，如以黑白人像攝影為名的南非藝術家扎內爾·穆霍里（Zanele Muholi）、辛巴威藝術家庫扎內·丘萊（Kudzanai Chiurai）、奈及利亞藝術家奥托邦·恩坎加（Otobong Nkanga）等，皆對於建構當代非洲藝術脈絡具有深遠的貢獻。   除了永久收藏外，Zeitz MOCAA亦設有攝影、表演藝術和影像中心。不僅面向具備專業藝術知識的觀眾開放，館方同時期望能打開南非大眾對藝術的視野。除了設有對非洲公民免費入場的策略，也積極投入教育推廣，開館一年後即開始拓展其藝術教育中心，並設有藝術策展和服裝設計培訓計畫，逐步完善美術館的多重角色。自開幕以來，Zeitz MOCAA舉辦了多項致力於推廣非洲藝術的展覽，包含2019年的奥托邦·恩坎加個展「十字路口的行為」（Acts at the Crossroads），該展探討人與大自然的相互牽引；瑪麗·埃文斯（Mary Evans）的個展「鍍金」（GILT），則關注開普敦文化遺址的歷史與心理地理學（psychogeography）。   Zeitz非洲當代藝術館的典藏展「Sala」展覽現場。（Courtesy of Zeitz MOCAA. Photography by Dillon Marsh）   2023年推出的「當我們看到我們：繪畫中一個世紀的黑人形象」（When We See Us: A Century of Black Figuration in Painting）是其近年該館最具代表性的展覽之一，並於隔年巴塞爾藝博會期間巡迴展至巴塞爾美術館（Kunstmuseum Basel）展出。展覽聚焦於藝術家如何透過「具象繪畫」（Figurative Painting）【註釋1】展現黑人形象，匯集了近百年來全球非裔藝術家的藝術作品，並與當今活躍的黑人思想家、作家和詩人對話，共同探討他們如何想像、定位、歌頌和主張非洲和非洲離散社群的生命經驗。具象繪畫不僅是一種創作形式，更具有政治意涵。歷史上非裔社群往往被排除於主流藝術史的敘述之外，透過具象繪畫，藝術家得以重塑黑人形象、開啟自我書寫，並回應種族、性別、階級等議題。 因此，在過去十年間，黑人藝術家的具象繪畫獲得前所未有的關注，此展將這些藝術實踐加以串聯，深入過去缺乏系統性整理的創作譜系，探索非洲藝術的歷史背景和全球網絡。不僅揭示源自非洲和黑人經驗的現代性視角，更強調了藝術家與作品間跨越地理、世代和觀念背景的聯繫，進而體現策展人庫奧所提出的「平行美學」（parallel aesthetics）概念——強調來自非洲及其離散社群的藝術表現，並非以西方藝術為中心的「延伸」，而是自成體系、並行發展的美學系統。   由庫奧策劃的群展「當我們看到我們：繪畫中一個世紀的黑人形象」展覽現場。（Courtesy of Zeitz MOCAA. Photography by Dillon Marsh） Zeitz MOCAA向全世界展現了非洲藝術的獨特視角與創造力，正如庫奧所言：「非洲一直是，並將持續成為藝術和美學領域中難以置信的創意催化劑。將非洲藝術家與遍佈各地的非洲離散群體藝術家的創作實踐相結合，是連結過去和現在對話〔的重要方法〕。」於此，「非洲藝術」不再是被凝視的對象，而是召喚自身故事的語者。 【註釋1】指以可辨識的形象或現實人物、場景為對象的繪畫形式，與抽象藝術相對。藝術家透過主觀表現，重構身體、情緒與文化符號，以傳遞情感、觀點或社會評論。   ❚ 執行編輯：謝佳均

作者：黃星達（中華民國博物館學會秘書長、國立政治大學傳播學院博士） 博物館不僅保存過去，在回應快速變化的社會需求與全球挑戰之際，也持續重新想像其未來角色與行動方式。2025年「國際博物館日」以「在快速變遷的社會中展望博物館的未來」（The Future of Museums in Rapidly Changing Communities）為主題，延續杜拜大會所提出的關鍵對話，聚焦三大子題方向：「無形文化資產」、「青年力量」與「新興科技」。 亦呼應聯合國永續發展目標（SDGs），涵蓋促進在地經濟與教育機會（SDG 8）、以科技推動創新與普及性（SDG 9），以及推動社會包容、文化資產保存與城市永續發展（SDG 11）。藉此探索博物館如何於當代社會、科技與環境的變革中，與不同社群一同探索創新的對話與永續的未來方向。 本次國際博物館日主視覺設計以「The Future is Fluid」為理念，以不規則的線條象徵博物館具備靈活轉型與調適能力。ICOM官網同步釋出多樣化社群素材，並開放公眾自由勾勒線條，傳達博物館作為轉型推動者的能動性與無限可能。   各地行動！518多元特色活動 今年國際博物館日適逢週日，多所博物館透過免費參觀、導覽活動等方式，鼓勵大眾以行動響應文化參與。如於4月底開幕的新北市美術館自開館以來至6月30日免費參觀，並於週末規劃建築光雕、音樂表演等活動。 中台世界博物館於5月13日至18日免費開放參觀，並以「展件修復、造像比例、傳統服飾文化」為核心，邀請青少年參與思考與創作，展現新世代對文化的創新詮釋，促進跨世代對話與文化傳承。   中台世界博物館「博物策動」系列活動。（中台世界博物館 提供） 而史博館則以國寶青銅器「獸形器座」為主題，推出「VR酷獸奇航」體驗活動，採用虛擬實境體感蛋椅技術，結合科技推廣文化資產，於5月17日至6月8日推出，體現新興科技與文化教育的融合。   史博館「VR酷獸奇航」體驗活動。（國立歷史博物館 提供） 新北市立淡水古蹟博物館則呼應2025年雙北世界壯年運動會，推出「百年老派運動會」系列活動，結合淡水海關碼頭、滬尾小學校等地百年運動故事，活化在地無形文化資產，展現文化認同與社會時事的深層連結。 2025臺南博物館節（5月17日至6月01日）以「與博物館一起永續發展」為主軸，串連地方館舍推出系列活動，如「博物館POWER－博物館逛大街」，集結各館舍於市中心設置小型攤車與展示箱，向大眾介紹館藏亮點與教育資源，並設計「博物館Bingo連線」互動遊戲，鼓勵民眾主動探索與連結當地博物館網絡，透過參與重新想像公共空間中的知識流動與文化實踐。 此外，ICOM官網也推出互動地圖，鼓勵世界各地博物館參與登錄活動。今年518主題設計具高度包容性與開放性，正反映當代博物館在面對多元社會與快速變遷的彈性、創新與前瞻精神。隨著疫情後社會結構變動，國內博物館展現出更迅速的反應能力與變革想望，體現出在變遷社會中的韌性與想像。 邀請大家持續關注2025年國際博物館日相關活動，把握機會參與，從中感受博物館在文化保存、教育創新與社會參與上的多元實踐。   2025年518國際博物館日全臺館所推廣及優免活動一覽     ❚ 執行編輯：謝佳均