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2025 ICOM杜拜三大關鍵議題搶先看!
2025 ICOM杜拜三大關鍵議題搶先看!
作者:黃星達(中華民國博物館學會秘書長、國立政治大學傳播學院博士) 國際博物館協會(ICOM)自 1948 年起定期舉辦大會,以促進國際博物館間的交流與合作。第 27 屆「杜拜大會」預計於 2025 年 11 月 11 日至 17 日在杜拜世界貿易中心(Dubai World Trade Centre, DWTC)舉行。 本屆主題為「在快速變遷的社會中展望博物館的未來」(The Future of Museums in Rapidly Changing Communities)【註釋1】,旨在回應當前社會與文化領域面臨的多重挑戰,並邀請全球博物館從業者共同思考:在轉型與不確定性與日俱增的時代,博物館應如何重新定位其功能與價值,調整角色與策略,以因應社會快速變遷與未來發展的需求。   位於市中心的杜拜世界貿易中心,鄰近地鐵站,是中東地區重要的國際會展與文化交流樞紐之一。(© Tara-ghrbb)   無形文化、青年參與與科技創新引領博物館前行 杜拜大會是自1946 年ICOM成立以來,首次於中東地區舉行,亦象徵其國際交流拓展至非洲與南亞等相鄰區域,具有重要的歷史與地緣意義。本屆大會將採實體與線上並行的混合形式,鼓勵全球博物館專業人士參與,共同回應瞬息萬變的社會環境。大會主軸聚焦三項核心議題,分別為: 「無形文化遺產的保存」(Safeguarding of Intangible Heritage):本議題強調,在面對科技發展與人口結構改變等挑戰下,博物館所扮演的文化保存與傳承的重要角色。博物館應與在地社群協作,推動無形文化資產的活化與再生。大會預計邀請來自全球的專家學者與實務工作者,探討無形文化資產如何成為文化認同與創造力的驅動力,並思考創新策略,以確保其得以傳承至下一世代。 「青年力量」(Youth Power):著眼於青年在博物館未來發展中的關鍵角色,特別是在青年人口快速增長的中東、非洲與南亞地區。大會將深入探討博物館如何成為青年參與公共事務與創意實踐的平台,鼓勵其參與博物館治理、政策制定與社會倡議,進一步促進跨世代間的對話與合作,形塑具包容性與延續性的文化空間。 「新興科技的崛起」(Rise of New Technologies):本議題延續 2022 年布拉格大會所開啟的相關討論,聚焦博物館如何有效運用數位科技,提升文化資產保存、觀眾互動與營運效能。本次大會將探討博物館在數位轉型浪潮中,如何持續維護其文化價值與社會意義,同時靈活運用技術回應不同社群的需求,打造更具韌性與回應力的博物館經營模式。   專業委員會擴增與全球徵文開展 此次大會期間,ICOM 所屬的專業委員會已擴增至 35 個,其中 2023 年新增「社會博物館學」(SOMUS)與「永續發展」(SUSTAIN)兩項委員會,2025 年則再新增「典藏庫房管理」(STORAGE)委員會。另一方面,ICOM 倫理委員會(ETHCOM)也於 2025 年發佈《ICOM 倫理守則修訂草案》第二版,以回應博物館專業倫理在當代情境下的變化與挑戰。 在策略面上,ICOM 於 《2022–2028 年戰略計畫》中強調博物館在全球去殖民化進程中的關鍵角色,並設立「去殖民化工作小組」(Working Group on Decolonisation),系統性地探討歷史脈絡、倫理原則與方法論等層面,以協助博物館推動公平正義與社會包容,並深化與在地社群的互動連結。這些制度變革與核心議題,預期將在杜拜大會中持續深入討論。 隨著大會腳步將近,目前已有多個 ICOM 專業委員會啟動學術徵文活動。其中,國際博物館學委員會(ICOFOM)、人才培訓委員會(ICTOP)與典藏委員會(COMCOL)已於 3 月 15 日完成聯合徵稿。國際紀念與人權博物館委員會(ICMEMOHRI )和國際音樂博物館與音樂收藏委員會 (ICMUSIC )現正聯合徵稿中(至4月22日),主題為「透過音樂和表演展現記憶與抵抗的風景」,其他委員會的徵稿資訊亦將陸續釋出。   博物館學會理事長洪世佑於2024年會員大會中表示,將號召全臺博物館從業人員參與杜拜大會,並規劃設立臺灣展區,展示國內博物館的多元實踐。(中華民國博物館學會 提供)   【註釋1】關於大會主題「The Future of Museums in Rapidly Changing Communities」的中文譯法,ICOM 官網採用「在快速變遷社會中的博物館未來」,中華民國博物館學會則為突顯博物館的能動性與前瞻性,翻譯為「在快速變遷的社會中『展望』博物館的未來」。   ❚ 執行編輯:謝佳均
2025/04/19
走進提姆波頓的怪誕視界:倫敦設計博物館特展The World of Tim Burton
走進提姆波頓的怪誕視界:倫敦設計博物館特展The World of Tim Burton
作者:張致堯(國立臺北藝術大學博物館研究所碩士) 英國倫敦設計博物館(Design Museum)於2024年10月25日至2025年5月26日推出「提姆・波頓的世界」(The World of Tim Burton)展覽,這場展覽不僅是波頓五十年創作生涯的回顧,也是其全球巡迴展覽的最終站。從經典電影《剪刀手愛德華》(Edward Scissorhands)到近年大受歡迎的劇集《星期三》(Wednesday),波頓怪誕、黑暗卻充滿童趣的獨特風格不僅風靡影視界,也在視覺藝術與設計領域佔有一席之地。設計博物館不僅透過展覽回顧其經典作品,更透過創新的展示手法與沉浸式設計,帶領觀眾進入波頓式的異想世界。   現實與夢境交錯:從手稿到實物的靈光乍現 館方以「設計」為核心,將展覽定位為波頓創作過程的解剖圖。展覽不僅展示成品,更追溯這些作品從概念到實現的演化軌跡。例如,觀眾可以看到《剪刀手愛德華》中強尼・戴普(Johnny Depp)穿著的剪刀手道具,旁邊搭配波頓的手繪草圖,草圖上註解著「有機且邪惡」(organic and sinister)的設計要求。這種並置手法揭示了波頓如何以手繪作為起點,將內心的怪誕幻想轉化為具體的電影元素。 展覽也呈現了波頓與設計師合作的過程和方式。從《蝙蝠俠歸來》(Batman Returns)中蜜雪兒・菲佛(Michelle Pfeiffer)的貓女服裝,到《巧克力冒險工廠》(Charlie and the Chocolate Factory)的翁帕倫帕人(Oompa-Loompas)模型,這些展品不僅是電影道具,更是波頓與服裝設計師、佈景師共同打造的藝術品。展覽特別設置了一個再現波頓私人工作室的角落,桌上堆滿水彩畫、塗鴉筆記與《科學怪人》(Frankenstein)的咖啡杯,呈現他手作與設計並行的創作方式,讓觀眾理解他如何將設計視為構築世界觀的工具,而非單純的視覺裝飾。   展覽再現了波頓私人工作室的角落,桌上堆滿水彩畫和塗鴉筆記,並在展間內展示不同作品的手稿,呈現他手作與設計並行的創作方式。(Design Museum 提供)   沉浸式電影場景,走進波頓美學的設計奇想 波頓電影的特色之一,在於其獨特的色彩配搭以及場景氣氛。策展團隊透過動態燈光、投影技術與多層次裝置,以電影片場為設計靈感,營造出專屬於每部電影的獨特展覽空間,加上原稿、道具、戲服以及設計概念的解説,幫助觀眾深入理解其作品背後的巧思。 展覽涵蓋逾18部精選作品,包括1988年的《陰間大法師》(Beetlejuice)、1992年的《蝙蝠俠大顯神威》(Batman Returns)、1990年的《剪刀手愛德華》(Edward Scissorhands) 及2005年的《巧克力冒險工廠》(Charlie and the Chocolate Factory)等。亦首度展出《星期三》(Wednesday)的設計概念及戲服,這部作品作為波頓近期最受關注的代表作之一,不僅延續他一貫的怪誕風格,也代表他首次將電影語言帶入影集形式,嘗試以更貼近當代觀眾的觀影習慣呈現他的創作世界。使影迷可以一窺波頓如何將腦海中的奇幻想像轉化為視覺敘事,見證其從靈感發想到作品成形的過程。   展覽透過電影概念設計、服裝、道具與沉浸式燈光效果等多層次視覺體驗,營造出波頓式的奇幻氣氛。(Design Museum  提供)   看見怪誕中的人性、孤獨與現實 展覽更深入探討波頓美學背後的人性與孤獨。波頓的角色往往是社會邊緣人,並以浮誇的造型現身,訴說著孤獨靈魂渴望被理解的心聲。如《剪刀手愛德華》外型奇特、內心敏感的少年,或《聖誕夜驚魂》(The Nightmare Before Christmas)造型華麗、卻感到空虛迷惘的骷髏王傑克(Jack Skellington),這些角色在展覽中以素描、模型與服裝的形式呈現,透過幕後視角認識他們的誕生與蛻變。 展覽尾聲的影片放映區,以波頓童年常去的電影院為靈感,播放他與合作者的訪談,揭示這些角色的靈感源自於其成長經歷。他曾說:「最超現實的事物往往是真實發生的。」這句話也成為了展覽的主軸,提醒觀眾波頓的怪誕並非純粹幻想,而是對現實的另類反射。使觀眾意識到,波頓電影的魅力不止於風格化的視覺語言,更在於他如何以奇幻為名,道出那些對人性、孤獨與現實的深刻凝視。   展覽中展出了波頓筆下角色的模型,讓觀眾從模型的神態動作中感受怪誕背後不被理解的孤獨。(Design Museum 提供)   怪誕與奇幻的美學盛宴 作為世界巡迴的最後一站,設計博物館將「提姆波頓的世界」化為一場視覺與感官的饗宴,深入探索這位導演如何透過設計語言構築異想世界,一步步揭開這位大師的創作脈絡。無論是影迷、設計師還是藝術愛好者,都能從中獲得靈感,重新思考影像敘事與美學設計的關係。   ❚ 執行編輯:謝佳均
2025/04/14
南美館「SUNDAY」特展,看見移工在勞動之外的週末日常與自我表達
南美館「SUNDAY」特展,看見移工在勞動之外的週末日常與自我表達
作者:郭庭耘(國立臺北藝術大學博物館研究所碩士生) 提到「移工」,我們會聯想到什麼呢?是刻板印象中小吃攤裡辛勤勞動的身影,還是火車站旁林立的東南亞商店?移工,是台灣各項產業運作不可或缺的勞動力。根據勞動部2025年的統計資料,在台移工人數已突破82萬人次,儼然成為台灣族群圖像不可忽視的一部分。然而,在工作現場之外,移工究竟擁有怎樣的生活樣貌與自我表達? 「週末」意味著在日復一日的勞動循環中,得以稍作喘息的片刻。臺南市美術館「SUNDAY:臺灣移工當代藝術」特展(展期至2025年4月13日)便以「星期日」為題,匯集來自印尼、越南、菲律賓、泰國與臺灣的31組移工與藝術家創作,並將作品錯落於三個子題——「漂移之味」、「逃逸之方」以及「艷陽下南風吹」中呈現。   「SUNDAY:臺灣移工當代藝術」特展以「星期日」為主軸,帶領觀眾探索移工的日常與生命經驗。(臺南市美術館 提供) 跨國移動不只是身體的位移,地理的距離也放大了對家鄉的思念與牽掛。「漂移之味」展區聚焦在離鄉背井的苦澀。例如,菲律賓藝術家Alfredo & Isabel Aquilizan的作品《末班航機》與《地址:另一個國家計畫》,前者搜集各國移工的回收拖鞋,製作成巨大的翅膀,後者則以菲律賓移工的共同經驗——「Balikbayan」海運紙箱為靈感,呈現遷徙既乘載對新生活的期盼,同時也伴隨著對原有生活的取捨與離鄉的酸楚。而台灣藝術家侯淑姿的系列作品《望向彼方-亞洲新娘之歌》拍下跨國新娘在原鄉的家族,與移工在台灣拍攝的生活片刻並置展出,交織出故鄉與異地間的情感聯繫與視覺對話。   「漂移之味」展區中,Alfredo & Isabel Aquilizan以「Balikbayan」紙箱為靈感製作《地址:另一個國家計畫》。Balikbayan是 62 X 62 X 62公分的海運紙箱,在離家工作前,菲律賓移工都會以此寄送個人物品至海外,是跨國移動獨特的經驗。(臺南市美術館 提供)   「漂移之味」展區,展出在台移工記錄日常的攝影作品,左至右分別為Thanawat Thanaphatthadasakul《泰國人的飲食文化》、Dioreena Badel《調味料》、Marino D. Camello《母親》。(臺南市美術館 提供) 「逃逸之方」展區試圖探討移工在台灣生活的多元面向,並進一步對當代台灣的勞動環境提出深刻的叩問。如Trần Duy Hưng(陳維興)以繪畫記錄自身從工傷意外及不公待遇,到成為「失聯移工」的心路歷程,展現移工視角下對制度壓迫的切身經驗與反思。 展間亦呈現台灣藝術家黃子明和張良一的攝影作品,黃子明以鏡頭捕捉1990年代初期台灣開放第一批外籍移工的日常場景,從節慶歡聚到街頭衝突,勾勒出移工生活的多重樣貌;張良一則透過高山農業的影像,探討移工選擇逃逸的背景與動機。與之對照的,還有One Forty(社團法人台灣四十分之一移工教育文化協會)的「Voice of Migrants」攝影計畫,從移工自身視角出發,以影像作為倡議手段,呈現移工在台灣的真實生活經驗。   因工傷意外斷指而被老闆拋棄,Trần Duy Hưng(陳維興)從此展開逃跑生活,繪畫成為其生活紀錄與心情抒發的管道。作品於「逃逸之方」展區呈現,以移工切身經驗為主體,引發對制度壓迫的反思(臺南市美術館 提供) 此外,橫置於展間,一座以陳舊漁船為意象的複合空間。是藝術家組合SILATURAHMI的裝置作品《魷釣船:漁場》及《SILATURAHMI:東港鹽埔2023-2024》。藝術家實地隨遠洋漁船出海,將親身經歷與觀察轉化為作品,該作品濃縮了船上勞動的見聞與身體感受:悶熱窄小的船艙、簡陋的睡袋與床板,揭示遠洋漁工艱困的生活條件,也提醒觀眾正視海上勞動權益與漁工處境。   藝術團體SILATURAHMI(盧昱瑞、吳庭寬、藍雨楨)的作品《魷釣船:漁場》、《SILATURAHMI:東港鹽埔2023-2024》。藝術家以影像紀錄隨船捕釣魷魚,與來自印尼、菲律賓、越南、中國等跨國漁工在海上度過六個月的生活,在「逃逸之方」展區中重現船上狹窄的空間,(臺南市美術館 提供) 展覽收尾於「艷陽下南風吹」展區,回望跨國遷徙不僅牽涉勞動結構的改變,更擴及婚姻、產業、人權等議題的深層思辨。本區以具象徵性與戲劇張力的作品,呈現隱於其中的矛盾與弔詭,進而引導觀眾重新思考這些衝突背後的制度性問題。 如尹子潔的錄像作品《泊洋》,以1968年「大力水手事件」【註釋1】為靈感——作家柏楊因刊載「大力水手」漫畫而遭判刑,事件反映出當時社會對言論自由的壓迫。作品中藝術家化身漫畫中的角色「奧莉薇」,透過戲謔與擬仿的方式,重新演繹這起荒謬的誤會,並與過去展開對話,帶領觀眾重新思考當代人權處境與表達自由的邊界。 步出展場,耳邊傳來廣播的聲響,由藝術團體「太認真」製作的《Kelapa椰子電臺》邀請觀眾坐在花圃,在陽光與椰蔭下,收聽穿插台語、印尼語的廣播節目,捕捉生活中的東南亞文化記憶,並思考多元文化如何在公共空間中並存與交會,提醒我們移工的故事不只存在於展場裡,更流動於生活與公共空間之中,等待被聽見、被理解。   藝術團體太認真(郭柏俞、佘文瑛)作品《Kelapa椰子電臺》,喇叭取代了樹上的椰子,放送台灣在地印尼樂團New Ramesta所演奏的爪哇民謠《Prau Layar》,以及婚姻來台多年的劉麗娜,以台語解說椰子俗諺的廣播節目,打開文化之間的對話。(臺南市美術館 提供) 有別於過往以社會、經濟議題為主軸的討論,「SUNDAY:臺灣移工當代藝術」以藝術創作為媒介,從移工鮮爲人知的心靈世界切入,帶領觀眾看見他們被忽略的情感表達與多元特質,進一步反思他們在當代社會中的處境與價值。 【註釋1】1968 年,《自由中國》雜誌在《中國學生周報》刊登一則以「大力水手」(Popeye)卡通人物為主角的政治諷刺漫畫,時任《學生周報》總編輯的柏楊因此被控影射時政、侮辱元首,遭當局以《懲治叛亂條例》逮捕並判刑。此事件被視為白色恐怖時期侵犯言論自由的代表案例之一。   ❚ 執行編輯:謝佳均
2025/04/11
觸摸情緒的形狀!在雅典情感博物館與「憤怒」相遇
觸摸情緒的形狀!在雅典情感博物館與「憤怒」相遇
作者:謝佳均(文化部博物之島國內外資訊專區執行編輯) 在古希臘神話中,眾神的憤怒如雷霆萬鈞,既帶來毀滅與改變,也重新攪動每個角色命運。「憤怒」是一種強大的情緒,它可以引發災難,也可以激發創造與新生。位於雅典菲洛帕波斯山丘(Philopappos Hill)下,鄰近古代遺跡高地阿克羅波利斯(Acropolis)的情感博物館(Emotions Museum),透過展覽「在憤怒的宮殿裡!」讓觀眾理解憤怒,並學習與其共處。   坐落於住宅區中的情感博物館。(謝佳均 攝影) 自2006年成立以來,情感博物館長期致力於陪伴兒童與青少年探索與理解內在情緒。博物館堅信:覺察情緒並無標準答案,並鼓勵觀眾以自己的步調,發現情感表達的多元方法。2018年,推出展覽「在憤怒的宮殿裡!」(In Anger’s Palace!),並以童話故事為藍本,創造22位宮殿家庭成員,透過每個角色面對憤怒與衝突的故事情境,將具有災難性且強烈的負面情緒轉化為驅動「創造」的力量。 展覽主要分為三個展區,並依照各個展示裝置分為18個子題。每個精緻的裝置皆由館員親手製作,包含木工和手繪,結合空間的灰綠色調,營造出溫暖而療癒的氛圍。 宮殿成員肖像,每個角色都擁有獨特的性格特徵。(謝佳均 攝影) 然而,為什麼我們需要認識「憤怒」呢?因為它不僅是破壞與傷害的代名詞,更是理解自己、與他人建立連結的起點。展覽運用遊戲裝置,引導觀眾認識觸發「憤怒」的原因、反應與應對的方法。例如,宛如娃娃屋的「憤怒的宮殿場景」,邀請觀眾找出宮殿成員生氣的緣由,並為每個人選擇一個舒緩情緒的房間,思考可以透過哪些行動抒發「憤怒」。 而「走上衝突之路」則邀請親子共同參與,透過類似大富翁遊戲的設計,隨機提供可能引發「衝突」的情境,讓觀眾透過討論為需要釐清情緒的Amersouda公主做出選擇,並在一次次擲骰、討論與選擇中,共同練習面對衝突。   「憤怒的宮殿場景」裝置,邀請觀眾為各個角色的憤怒情緒尋找發洩的方法,包括健身房、摔東西區,以及整潔的書房等。(謝佳均 攝影) 另一方面,展覽也關注人際關係和刻板印象可能帶來的負面影響,並鼓勵觀眾放下外在框架,傾聽自己內在的真實聲音。如「監禁標籤」裝置,讓觀眾找尋對應角色特質的監獄門框,引導觀眾思索他人賦予的「標籤」如何成為限制個人發展的枷鎖。就像擅長廚藝的宮殿廚師,為了維持料理的完美,可能錯失享受恣意烹飪的樂趣。   「監禁標籤」裝置,邀請觀眾思索刻板印象對我們造成的影響,並試想可能擺脫束縛的行動。(謝佳均 攝影)   「友誼之謎」拼圖帶領觀眾探索建立或破壞友誼的行為。(謝佳均 攝影) 值得關注的是,除了遊戲互動,館方也鼓勵觀眾傾聽負面情緒向我們傳達的信號,釋放內心深處的煩憂與雜念。例如,展區中的「憤怒計數器」邀請觀眾以軟木塞投票選出時常引發自己憤怒的情境。「憤怒測量儀」則幫助觀眾按不同等級與程度排序自己的憤怒指數。 展覽指出「憤怒」通常是由其他情緒引起的第二情緒,並以「憤怒的大鍋!」引導觀眾辨識引發憤怒的其他情緒,如失望、悲傷與焦慮等。展區中可透過書寫或繪畫紀錄自己的內心絮語,並將之投入鍋中。館員會將這些思緒壓入鍋底,象徵情緒的沉澱,而鍋上沒有鍋蓋則象徵不壓抑自己的情感。不僅讓觀眾學會辨認情緒的根源,還鼓勵他們釋放內心的負面感受,以更溫和、坦然的方式擁抱自己的情感。   「憤怒計數器」邀請觀眾投票選出引發自己憤怒的情境。(謝佳均 攝影) 圖中展示的「憤怒的大鍋!」裝置邀請觀眾將情緒丟入鍋中,而鍋底的木材則標示著引發憤怒的其他情緒。(謝佳均 攝影) 此外,館內地下一樓專為學齡前兒童設計的展區,透過多元的感官體驗,激發幼兒對情緒表達的興趣。例如,展覽以多樣的材質製作觸摸裝置,包含菜瓜布、砂紙、毛毯等,邀請幼童透過觸摸思考生氣的「觸感」;或拿起聽筒,聆聽裝置中的各類聲音,試著想像「憤怒」會是何種聲響。並在感官的引導下,一點一滴拼湊出憤怒的形狀。   展覽運用肉桂、檸檬草、橘子等氣味展示,帶領觀眾透過聞嗅想像:若是憤怒有氣味,聞起來會是哪種味道?(謝佳均 攝影) 「我的存在,是為了讓你看見那些不願意面對的事物,好讓你找到真正想要的〔選擇〕。而每一次,選擇走進哪扇門,都由你決定⋯⋯。——憤怒」——譯自《在憤怒的宮殿裡展覽手冊》 如同館方化身為「憤怒」的角色,以溫柔而堅定的口吻提醒觀眾:情緒與感受沒有對錯,憤怒固然可能引發災難,卻也能成為轉化與創造的契機——最重要的是,我們能在情緒之中,照見更真實的自己。   ❚ 執行編輯:黃淥/謝佳均
2025/04/04
穿越香港精神病院的時光隧道,進入院友的內心世界
穿越香港精神病院的時光隧道,進入院友的內心世界
作者:陳瑋彤(國立臺灣藝術大學藝術管理與文化政策研究所碩士) 歷年來,社會上偶有涉及精神病患者的無差別攻擊事件,引發民眾恐慌,而與日俱增的自殺個案亦令人惋惜。這些新聞事件反映出精神健康議題在社會政策上的缺口。有鑑於此,香港醫院管理局於新界屯門區的青山醫院【註釋1】創立精神健康體驗館(Mind Space),透過傳遞正確的精神疾病知識並提供多元感官體驗,致力於消除因誤解而產生的歧視與污名化,推動大眾對精神健康的正確認識。 青山醫院在嚴謹的安全措施下,特別闢出一區作為體驗館開放參觀,個人或團體參訪須在網路預約。進入展覽前,觀眾需佩戴「住院手環」,手環上的QR code可供掃描,以獲取電子版的「入院文件」及教育資訊,使觀眾從患者入院的視角展開體驗。體驗館按時間維度劃分為五個展區,引導觀者逐步探索精神健康的多元面向。 「時光隧道」展區以大事年表、圖文、影音及實物展品等,主要回顧香港精神醫學發展史。同時探討早期歐美醫學界對精神疾病的不當治療方式,如早期的電擊療法或切除腦部組織,這些殘酷且缺乏科學依據的方法曾被視為「矯正」精神疾病的重要手段。 展覽也呈現精神醫療環境的轉變,如從初代堪比監獄嚴苛環境的精神病院,到當代精神科醫院在景觀設計與人性管理措施上的改變歷程,例如,約束衣物的設計逐漸改良,以兼顧安全性與舒適度,減少患者的不適。此外,展覽亦向推動精神醫學觀念變革及醫療技術革新的幕後功臣致敬,凸顯精神健康照護的進步與挑戰。   櫥窗內從左至右展示約束衣物設計的使用方法及演變。(陳瑋彤 攝影) 木刻展版羅列不同國籍醫護人員,及其對香港精神醫學界發展的貢獻,左方附有語音導覽的QR code。(陳瑋彤 攝影) 穿越「時光隧道」,是充滿科技感的「腦海導航」空間, 讓觀眾透過觸控螢幕及3D影像投影,認識各種精神疾病對腦部運作的影響,並了解藥物如何在其中產生作用。在「復康新知」及「全人健康」展區則提供多元學習資源,觀眾可依個人興趣選擇影片觀看及閲讀圖文資訊,深入了解精神疾病的防治知識,包括診斷標準、藥物以外的替代治療,以及促進「身心社靈」【註釋2】健康的實用方法。   「腦海導航」數位影像輔助,解釋腦部運作與藥物治療原理。(陳瑋彤 攝影) 「思覺交流」展區中設置四間「症狀體驗室」,觀眾可在館員的協助下佩戴虛擬實境(VR)眼鏡,透過患者在圖書館、家居及菜市場等空間場景中的視角,體驗其受到視覺、聽覺、觸覺等幻覺的困擾,理解他們與症狀共處的日常挑戰。 值得關注的是,體驗館邀請康復者擔任「朋輩(同儕)支援員」,以「真人圖書館」的形式分享自身患病、接受治療、重返社會的經歷,並即時回答觀眾的疑問。例如,曾患思覺失調的Eric,曾任教於學校的視覺藝術科,康復後轉職為保全人員,並運用其藝術專長為體驗館設計紀念品。   「思覺交流」區症狀體驗室外的等候區設有桌椅,每日上下午各舉行一場定時的「真人圖書館」互動環節。(陳瑋彤 攝影) 體驗館以歷史、科學及藝術角度切入,除了提升民眾對精神醫學的認知、培養同理心,更展現康復者的多元可能。展覽尾聲,出口走道設有夢境壁畫與感恩牆,以色彩斑斕的活潑風格,分別表達受精神疾病干擾的扭曲幻境,以及康復路上的豁然開朗。館方鼓勵觀眾填答線上問卷,以收集參觀展覽前後對相關議題認知變化的資料。觀眾亦可捐款,或選購院友製作的手工藝品,以支持體驗館的營運與發展。   壁畫意象部分參考了院友對夢境與幻覺的描述,例如,右方描繪被外星人接走的場景,試圖還原其心靈世界,讓觀眾透過視覺藝術理解患者的感知經驗。(陳瑋彤 攝影)   「感恩牆」由青山醫院歷史照片、院友創作的心情語句和風景照組成。(陳瑋彤 攝影) 【註釋1】該院自1961年創建以來,專門收治需要留院治療的精神病患者,在影視作品的喧染下成為對精神病院的代名詞。 【註釋2】全人健康涵蓋四大層面:生理(身)、心智(心)、社交(社)及靈性(靈)。   ❚ 執行編輯:謝佳均
2025/03/29
倫敦Wellcome Collection「辛勞血汗」特展,揭示勞動背後的隱形代價
倫敦Wellcome Collection「辛勞血汗」特展,揭示勞動背後的隱形代價
作者:應元宜(藝文工作者、倫敦聖馬丁學院敘事環境碩士生) COVID-19疫情改變了全世界工作的方式,居家工作等新型態讓「何謂核心工作」的討論浮上檯面。2024年9月倫敦Wellcome Collection推出「辛勞血汗:工作、健康與權利」特展(Hard Graft: Work, Health and Rights,展期至2025年04月27日),帶領觀眾思考勞動的價值及其對身心健康的影響。展覽依時序透過種植園(The Plantation)、街道(The Street)、家(The Home)三個工作空間,述說近代史至今日弱勢勞工族群的故事,包含前殖民地社群、性工作者、女性移民等。 英國作為全球最大的前殖民帝國中心,第一展區從「種植園」——殖民統治下建立的大型農業生產區展開,透過歷史文件、照片、藝術品,揭露強迫勞動和種植園內惡劣的居住環境對工人健康的深切影響,以及美洲與非洲原住民族如何運用草藥知識,嘗試面對和克服勞動帶來的病痛。   18世紀非洲的歌譜紀錄當地人在殖民壓迫的慘況。(應元宜 攝影) 然而,殖民並非過去式,其歷史遺緒與社會結構至今仍持續影響著我們。例如,因奴隸貿易而被帶入南美洲的蚊子,成為黃熱病、瘧疾、登革熱等疾病的傳播媒介,並在巴西的甘蔗種植園中肆虐。巴西藝術家Vivian Caccuri的作品《蚊子祭壇》(Mosquito Shrine)便將蚊帳轉化為織品藝術,反思蚊子長久以來在當地所承載的的負面印象與恐懼,是否根植於殖民歷史?   在Vivian Caccuri作品《蚊子祭壇》中,蚊子的比例與人類相差無幾,營造出與蚊子「平視」的視角,促使觀眾思考:人與蚊子平等地共享環境,這些微小卻深刻影響人類歷史與環境的生物,同樣具有塑造與影響世界的力量。(應元宜 攝影) 不只是生態環境,策展人更進一步以「監獄」為例,邀請觀眾反思根植於殖民的社會制度和空間設計。今日美國擁有全世界最大的監獄系統,關押者以非裔美國人最高,而其經濟系統承襲了種植園模式下勞動剝削的「囚犯租借制度」(Convict leasing)【註釋1】而建立,英美兩國的私人企業仍持續以低薪雇用囚犯作為勞動力──在平均每週4英鎊報酬的條件下生產日常用品,使得監獄不僅是懲戒空間,更成為現代經濟體系中隱形的勞動場域。我們又應該如何看待這些在不平等勞動機制下生產的商品?   海報以視覺具象地傳達殖民奴隸船與監獄系統的關聯。(應元宜 攝影) 回望今日,第二展區將焦點轉往「街道」,關注清潔工與性工作者的勞動權利。相較於其他界限明確的空間,街道的開放性讓勞動者更容易暴露於混亂或遭遇意外的風險中。例如,街道清潔工容易接觸到汙染或有毒物質,而性工作者則因長期承受歧視與汙名,甚至可能面臨生命危險。 館方特別邀請跨領域藝術家,以1982年性工作者組織佔領國王十字神聖教堂(King’s Cross Holy Church)事件為靈感,與英國性工作者抗議運動組織 SWARM(Sex Worker Advocacy and Resistance Movement)共同製作裝置藝術作品《有錢能使鬼推磨》(Money Makes The World Go Round)。作品呈現性工作者的日常真實樣貌,並進一步呼籲社會關注與保障性工作者的權利和安全。   有別於「種植園」展區對殖民脈絡下封閉空間中強迫勞動的關注,「街道」展區則聚焦開放式公共空間內的弱勢勞工,探討他們如何在缺乏明確保護與規範的環境下,所面對的勞動風險與社會壓力。(應元宜 攝影) 裝置作品《有錢能使鬼推磨》結合影像與陶瓷存錢筒等象徵性物件,試圖將教會空間重新打造為性工作者故事和歷史的庇護所。(應元宜 攝影) 展區尾聲,則聚焦於家庭中無償勞動的傳統家庭主婦,以及有薪但角色定位複雜的女僕、保母等,這些工作又多由移民女性擔任。由於住家空間具有的私密特性,讓這類勞動往往缺乏規範與紀錄,使勞動者在遭受不當對待時,難以申訴或維護自身權利。 特展透過大量圖像海報、照片與藝術作品,呈現這群隱形勞動者的身影,並在最後以多媒體作品《關愛串連》(Care Chains Love Will Continue To Resonate)作結。該作品將12名家務勞動女性的影像,結合音樂、拍手節奏剪輯成表演,邀請觀眾坐下來,感受桌子隨著聲響震動,從而思考家務勞動者除了可見的體力勞動,亦承擔著心理和情緒的勞務付出。 該展不僅回溯勞動歷史,更揭示今日仍延續的勞動困境,引導觀眾重新思考與探問工作、身體與權利間的關係,又該如何保障所有人的工作尊嚴與安全?   「家」展區以圖像、裝置等不同媒材的藝術品,呈現家庭勞動者常被忽略的健康或勞動權益問題。(應元宜 攝影) 藝術家Moi Tran和Voice of Domestic Workers成員合作的藝術裝置作品《關愛串聯》,邀請觀眾進入沉浸式空間,圍繞圓桌以手掌感受聲音的震動。(應元宜 攝影) 【註釋1】美國南北戰爭(1861-1865 年)結束後,儘管奴隸制被廢除,但《美國憲法第十三修正案》允許「作為對囚犯犯罪的懲罰」而強迫勞動。南方各州藉此實施「囚犯租借制度」(Convict Leasing System),將被監禁的非裔美國人以低廉成本租給私人企業,從事農業和工業勞動。這一模式塑造了現代監獄經濟結構,使囚犯勞動成為企業與政府的利益來源,並在美國監獄工業中延續至今。   ❚ 執行編輯:謝佳均
2025/03/29

專文

「誰」塑造了城市? 高雄設市百年特展解碼城市蛻變與集體記憶
「誰」塑造了城市? 高雄設市百年特展解碼城市蛻變與集體記憶
作者:徐琬婷(自由工作者)、歐嘉于(自由工作者) 高雄於1924年設市,市役所最初位於今鼓山區代天宮,1939年因都市發展東遷至鹽埕區,1998年後該場址改為高雄市立歷史博物館(以下簡稱高史博),致力保存地方歷史,展現在地視野。2010 年,高雄縣市合併,館方於隔年起策劃「『展』高雄」系列特展,聚焦地方教育、經濟、工藝與產業等主題,藉由深度田野調查、訪談,將各區的豐沛地理人文帶到觀眾面前。 座落愛河畔的高雄市歷史博物館建於日治時期,是一座淺綠外觀的帝冠式樣建築。(歐嘉于攝影)   2024年適逢高雄設市百年,高史博規劃「『誰』把高雄變大了?」特展(展期:2024.11.06~2025.06.15),邀請觀眾回顧高雄百年發展歷程。展覽從土地面積的擴增、人口數量的成長,到各產業的蓬勃發展,層層揭示高雄如何從漁村蛻變為國際港都。 展覽分為「出口貢獻者」、「城市助力者」2大主題,共有「由小而大的高雄」、「暢旺出口、建設城市的職人」與「形塑城市風景的人們」等3個主展區,盤點19項產業及其背後的職人故事。策展團隊簡述產業脈絡,描繪職人形象,傳遞百年間「高雄人」在城市發展中所扮演的角色,讓觀眾一窺高雄「變大」的核心元素。 本文將從展覽空間規劃、實境解謎遊戲設計與觀眾參與這三大面向,說明本展如何打破靜態圖文展示的局限,為觀眾創造深刻的觀展體驗,回顧高雄百年發展的精彩篇章。 「『誰』把高雄變大了?」展覽主視覺,聚焦重點產業元素,背景中的剪影族則暗示解謎遊戲中的重要角色們。(歐嘉于攝影)   第一區「由小而大的高雄」聚焦於百年間高雄人口與土地面積的增長。隨著現代化交通帶動區域發展,1976年高雄突破百萬人口,2010年縣市合併後成為臺灣第二大城市,「高雄人」的數量增長至277萬多人。展牆上呈現區域版圖與人口數據,將高雄的「由小而大」圖像化,不僅一目了然城市的發展脈絡,更帶領觀眾踏入展覽的核心重點。 以時間軸呈現高雄百年間的人口數與區域變化。(線上展間截圖,高雄市立歷史博物館授權提供)   第二區「暢旺出口、建設城市的職人」分為6大主題,分別介紹不同產業職人,藉由展品呈現、配色規劃、與展牆的設計,巧妙營造出符合產業特色的氛圍,使參觀者能夠快速理解展區的內容。 以「小農大力量」展區為例,映入眼簾的是鮮黃的香蕉和成堆的鳳梨罐頭,以及由綠白相間的塑膠籃堆疊而成的展台,搭配橘、黃、綠色調的展牆,將高雄農業加工與出口的核心產業視覺化。揭示自日治時期起,高雄依靠無數小農的耕耘,生產米、糖、鳳梨、香蕉等農產品,並且透過加工與外銷,推動高雄港市的發展。 「建築好朋友」展區則以木樁、水泥袋、仿磚塊等建材元素為主軸,象徵合板、水泥與製磚工人在高雄建築材料產業上的重要貢獻,各種建材的呈現也勾勒出近代高雄城市景觀的發展軌跡。本區採用水泥灰色的展牆搭配磚紅色的展板,形成強烈的視覺對比,不僅呼應建材產業的特性,也巧妙區隔於前一展區的農業主題,呈現截然不同的產業氛圍與內容。 「建築好朋友」的展台以仿磚塊堆疊而成,看似水泥材質的展牆,搭配磚紅色的展版,營造出建材產業的氛圍。。(徐琬婷攝影)   展區以展板與展品的安排,引導觀眾沿著時間軸,從早期農業加工產業到晚期出口製造,逐步了解高雄產業的發展歷程,呈現清晰的敘事脈絡。最後展區「形塑城市風景的人們」,聚焦產業職人在食衣住行育樂層面中扮演重要的角色。展區左側設有照片牆,搭配文字敘述,呈現娛樂、飲食、服裝等文化的歷史樣貌;右側則設置了實境解謎遊戲的最終關卡。展覽的收尾帶領觀眾回顧高雄百年成就,正是生活在這片土地的每一個人——你、我、他,共同賦予了這座城市的新的意義,持續書寫著這座城市的故事。 充滿早期高雄城市樣貌的照片牆,觀眾有如進入時光隧道,得以一窺當時人們的日常。(歐嘉于攝影)   在實境解謎中感受高雄的產業歷史 除靜態圖文展示外,展覽亦結合「實境解謎」遊戲體驗,觀眾能在解謎過程中一邊觀展。遊戲圍繞前述第二、三展區內容,設計共6+1道謎題【註1】。觀眾需往返於一樓常設展與三樓特展,解開兩個位於常設展的關卡。如「小農大力量」結合了一樓的「鐵道」常設展,玩家需由查證地圖、尋找正確車型,並整合線索後,方能找出特定班次列車將甘蔗運到旗尾線的糖廠,順利解開謎底。透過多元動線的設計,延長了參觀的體驗時間,讓觀眾得以跳脫特展空間的侷限,深入常設展探索更多高雄產業歷史。     展場入口處設有遊戲說明、紙本解謎表格以及數位QR-Code供手機掃描,玩家可以依據自身需求選擇合適的載體進行遊戲,右圖為手機裝置的遊戲開始畫面。(歐嘉于攝影,遊戲截圖由高雄市立歷史博物館授權提供)   本展中的每個產業主題皆對應特定的人物角色,玩家必須觀察展覽中的文物、展版文字與遊戲道具,替角色尋找故事中需要的答案。以「打造海洋重工的職人」為例,展區對應角色為「船的萬事通」達克,玩家需協助達克造船,並販售剩餘的零件。藉由互動遊戲,觀眾彷彿重回1970年代的高雄,認識當時蓬勃發展的造船與拆船業,體驗產業與市民生活中的關聯。 圖為手機裝置的遊戲畫面,角色會透過對話框給玩家解謎提示,對話內容結合當時代的產業背景。(遊戲截圖由高雄市立歷史博物館授權提供)   近年博物館界展示實務研究指出,此類「非直觀謎題」不但能提升遊戲的互動性與挑戰性,使玩家在腦力激盪過程中獲得挑戰冒險、愉悅有趣的正向感受。隨著遊戲任務的需求,生硬的文物史料轉化為解謎道具與提示,幫助觀眾深入理解不同年代的社會生活樣貌。 然而,展覽結合解謎遊戲也存在隱憂,擔心觀眾僅會在展場中搜尋對謎題有幫助的線索,卻忽略其他相關展示內容,而無法瞭解展覽全貌。本展巧妙地安排了一個隱藏謎底,玩家破解完六大產業主題後,需查閱最後一個展區「 形塑城市風景的人們」方能揭曉謎底。此時玩家也會發現,展覽主題「『誰』把高雄變大了?」不僅是一個提問,更呼應展覽主題——高雄百年成長背後的人力與心力貢獻。此展覽不僅是對歷史的回顧,更是一場與當代市民的對話,讓觀眾重新審視自身與高雄集體記憶的連結,共同形塑出今日的高雄樣貌。 註釋: 註釋1:依照人物主題需要解開的有6道謎題,最後一關「 形塑城市風景的人們」謎題,需先完成其他6題才能進行。
2025/04/09
從私人情感到公共典藏: 探索古爾本基安與索馬亞博物館
從私人情感到公共典藏: 探索古爾本基安與索馬亞博物館
作者:黃星達(國立政治大學傳播學院博士) 當代博物館有許多不同的分類,其中由企業出資成立的博物館也相當普遍,其中以個人命名的博物館更具特殊的社會功能與文化影響。以下將分述古爾本基安美術館(Museu Calouste Gulbenkian)與索馬亞博物館(Museo Soumaya)以建築、蒐藏與藝術生活觀,並以博物館與創辦人的連結意義作為本文探討的收束。   古爾本基安美術館:在自然與藝術之間追求和諧 古爾本基安美術館以創辦人卡洛斯特·薩基斯.古爾本基安(Calouste Sarkis Gulbenkian, 1869–1955)的名字命名,其歷史及建築風格深刻體現了創辦人的藝術品味和文化哲學。1983年開放的「古爾本基安現代藝術中心」(Centro de Arte Moderna Gulbenkian, CAM,原名為Centro de Arte Moderna José de Azeredo Perdigão)位於葡萄牙里斯本,並在最近的四年中完成了擴建設計,由日本建築師隈研吾負責。隈研吾將葡萄牙與日本建築元素結合,設計出富有室內遮蔽功能卻處於戶外的弧形天棚,使建築與自然之間的邊界逐漸消解,創造出流動的體驗空間。 同樣位於古爾本基安基金會花園內的古爾本基安美術館於1968年開館,其建築外牆以簡約風格與周圍自然景觀融合,大片落地窗使得室內外視野相互交織,這種設計消弭了美術館與大地自然的隔閡,也與現代藝術中心的理念相呼應,使得藝術融入公眾的日常生活。 古爾本基安美術館建築外牆以簡約風格與周圍自然景觀融合 古爾本基安美術館建築由內往外的視角,能感受到作品與戶外空間的和諧   蒐藏與策展:古爾本基安的藝術品味 古爾本基安美術館珍藏超過六千件私人收藏及一萬餘件現代藝術作品。館內的常設展區之一按照區域文化陳列藏品,分類展示埃及、希臘、伊斯蘭、中國、日本等屬地藏品。其中最為引人注目的是雷內.拉利克(René Lalique)的珠寶設計,古爾本基安在1899年至1927年間收購了接近200件拉利克的作品,這些作品不僅體現了藝術家的創作能力,也彰顯古爾本基安的個人藝術品味。許多作品也指涉新藝術風格(Art Nouveau)。 拉利克的珠寶作品除了傳統的裝飾與身份象徵之外,還展現出思想層面的深度。作品中的女性形象和昆蟲意象尤其顯著,像是可能曾被法國演員莎拉·伯恩哈特(Sarah Bernhardt, 1844–1923)在舞台上曾佩戴過的乳白琺瑯製《蜻蜓女胸飾》,結合了女性形象和蜻蜓等動物的象徵性表現。拉利克的其他作品,如金和乳白琺瑯製的《蛇形胸飾》、象牙製的《人像與蛇胸針》等,進一步融合了動物主題、材料使用以及技法創新,展現了多層次的藝術表達。   拉利克的珠寶作品展區,包括《蜻蜓女胸飾》(左1)與《蛇形胸飾》(右1)   值得一提的是,拉利克跳脫傳統珠寶材質的侷限,不僅使用寶石或礦石,還將玻璃和銀等材料結合進來,如《薊花花瓶》與《蛇形糖碗》等作品以玻璃製成,並與銀製結構相結合,展示其藝術層次的多樣性與創新精神。 古爾本基安的文化資產:藝術與生活的融合 古爾本基安是著名的石油大亨,被認為是首位開採伊拉克石油的人。他最終定居於里斯本,並在當地創建了這座美術館,將其一生的收藏、交易經驗和個人品味呈現於公眾面前。儘管美術館中的展區按照地區或主題劃分,策展的脈絡依然深深植根於古爾本基安的個人經歷與審美偏好。 過去,古爾本基安透過收藏藝術品徜徉於藝術與其產業之間,如今,這些美術館的展示蒐藏使更多人在藝術與日常之間建立聯繫。從建築風格到藝術蒐藏,古爾本基安美術館不僅彰顯了古爾本基安對於生活與美的追求,成為自然與藝術相融合的精神象徵,更體現了他對和諧生活與美學追求的深刻理解。   索馬亞博物館:現代感與多面向藝術視角的融合 墨西哥的索馬亞博物館以創辦人卡洛斯.史林(Carlos Slim)已故妻子索馬亞.多米特(Soumaya Domit)的名字命名。該館位於商業區域索馬亞廣場,周邊是環繞著百貨商場和小吃攤區的市井環境,博物館的建築是該地的重要地標,甚至被譽為「世界上最華麗的博物館」。建築由費爾南多.羅梅羅(Fernando Romero)與弗蘭克.蓋裡(Frank Gehry)設計,外層由16,000個六角形鋁合金模組構成,隨著天氣和時間的變化,展現出不同的視覺效果,象徵著館藏的多元性與豐富變化。 索馬亞博物館外層由16,000個六角形鋁合金模組構成   空間設計與策展理念 索馬亞博物館擁有超過六萬件的收藏,涵蓋從史前時期到現代的廣泛範疇。博物館的六層展示空間採用了螺旋式結構,讓參觀者逐層向上,形成「欲窮千里目,更上一層樓」的視覺引導感。這種設計不僅強化了空間體驗的動態性,也象徵了對知識和藝術探索的持續提升。 館內的藏品類型多樣,包括雕塑、圖像、錢幣、服飾、傳播媒介物件和宗教圖畫等,呈現出豐富的文化多樣性。其中,尤以奧古斯特.羅丹(Auguste Rodin)的作品最為突出。索馬亞博物館蒐藏總數達約380件羅丹雕塑相關作品,包括羅丹的原作與複製件,顯示史林夫人對羅丹藝術的喜好。這也說明私人博物館的蒐藏取向往往深受創辦人個人品味和情感影響,與國立公立博物館根據歷史或學術價值入藏的標準不盡然相同。 索馬亞博物館六樓展區展示羅丹雕塑等許多藝術藏品 博物館的六層展示空間採用了螺旋式結構,讓參觀者逐層向上   博物館命名與情感意涵 索馬亞博物館的名稱不僅是創辦人史林對其已故妻子索馬亞的紀念,也代表其對藝術的熱愛與渴望;不僅是情感層面的紀念,更包含著藉由藝術來理解生命和世界的多重視角。這樣的命名方式,突破了傳統以作品創作者或重大歷史事件來命名博物館的習慣,反映出私人博物館在情感與理念上的深刻連結。 博物館建築在不同天氣和時間呈現不同的視覺效果,象徵著多樣且變動的生命視角,這樣的設計呼應了索馬亞博物館的理念,即透過藝術來延續對世界的理解和探索,並使藝術成為愛和文化之間的橋梁。從這個角度看,索馬亞不僅僅是一個館名,也是關於愛的傳遞以及透過藝術理解世界多重面向的象徵。   博物館與創辦人之間的連結 以人名命名的博物館,特別是那些不直接涉及作品創作者或歷史事件的人名,往往需要額外的背景資訊來促進公眾的理解。在索馬亞博物館與古爾本基安美術館中,兩位創辦人都是各自社會中產業的巨擘,而他們對藝術的熱愛和對生命延續的期待也深刻體現在這些博物館的創建之中,他們透過基金會支持博物館營運,索馬亞博物館甚至免費開放參觀,透過文化藝術的傳播,延續他們對世界的愛與貢獻。透過這樣的連結,這些博物館不僅是藝術展示的空間,更是創辦人個人生活故事和情感的延伸。
2025/04/06
踏查陳澄波筆下的風景: 臺博館「走揣・咱的所在──陳澄波百三特展」
踏查陳澄波筆下的風景: 臺博館「走揣・咱的所在──陳澄波百三特展」
作者:張品柔、蕭羽軒、彭珈莉、呂若嫣(國立臺北藝術大學博物館研究所研究生) 如果要向世界描繪我們所生活的這片土地-臺灣,你會如何呈現?國立臺灣博物館與陳澄波文化基金會攜手策劃「走揣・咱的所在──陳澄波百三特展」(展期2024/12/03 ~ 2025/05/11),結合臺灣著名前輩畫家陳澄波的畫作與博物學對土地的關懷,以藝術與自然的雙重視角觀看臺灣。展覽以交匯在臺灣的三種自然力「北回歸線、季風、黑潮」為主軸,詮釋陳澄波描繪的島嶼風貌,呈現環境與文化、過去與現在交織的多重視角。 作為紀念陳澄波誕辰130周年的展覽,策展團隊有意跳脫環繞政治悲情或藝術史的傳統詮釋框架,採用臺灣台語「走揣」作為展名,描述陳澄波在「咱的所在」臺灣四處走動、追尋創作靈感與繪畫的過程。而英文展名「Rediscovering Taiwan」則點出展覽的目的──透過陳澄波的畫作重新發現、定義臺灣,回應「我在哪裡?」的提問。 展覽位於臺博館鐵道部園區特展區,共展出8幅陳澄波描繪臺灣景致之作,以及1幅影響陳澄波深遠的鹽月桃甫作品〈黑潮〉,邀請觀眾跟著畫家的視野,重新認識臺灣豐富而獨特的自然紋理與歷史記憶。這8幅畫作涵蓋陳澄波1933至1947年間的創作,依循島嶼的地理特徵鋪陳:從〈北回歸線地標〉、〈展望諸羅城〉、〈農家〉的熱帶平原景象開始,移動至〈玉山積雪〉、〈雲海〉、〈山居(太魯閣)〉季風與熱帶交錯而成的霧林帶,最終沿著東海岸往北海岸走,從〈東台灣臨海道路〉、〈濤聲〉看黑潮孕育出的人文與自然景觀。 觀展時,觀眾首先欣賞畫作,再進入後續的兩個展間,展開對自然環境、歷史、文化的探索。策展團隊將畫作視為陳澄波捕捉的歷史瞬間,結合臺博館的自然史典藏,以博物學家的視角剖析陳澄波畫中描繪的景象,試圖與畫家所創作的環境對話,凸顯畫家跟博物學家的共通性,呈現藝術創作中的自然關懷。 此次展覽的主視覺緊扣「自然力」的核心概念,運用層疊設計手法,凸顯真實與想像的對話。主視覺由三層元素構成:第一層為象徵北回歸線、季風與黑潮的抽象圖樣,第二層為陳澄波的畫作,最後則為日本時代的臺灣風土明信片或舊照片。圖像結合了抽象意象與臺灣實景,創造出多層次視覺體驗,也揭示在畫作背後所蘊含的環境與氣候敘事。   展場使用的主視覺融合〈玉山積雪〉畫作與老照片,並疊加象徵夾帶濕潤水氣的季風意象,生動展現季風塑造的自然動力與環境特徵。(張品柔攝)   從陳澄波到博物學家:感受土地的方式 走進展間,策展團隊請觀眾想像自己是一位五感敏銳且對自然感興趣的博物學家,引導其走入自然,去觀察、感受、研究這座島嶼。敘事上多用第二人稱「你」來與觀眾對話,並用「咱」來強調我群的身份認同,串聯起觀眾與陳澄波、以及臺灣這塊土地的連結,進一步激起觀眾的好奇心。 「博物學家」的設定也為展覽奠定了沉浸式的基調。展廳以酒紅色作為主色調,營造出典雅的古典美術館氛圍,而展間中央的「博物學家工作桌」成為視覺焦點,模擬了博物學家的日常工作場景,陳列手稿、標本盒與放大鏡,呼應著自然探索的精神,同時引導觀眾代入博物學家的角色,從觀察者的角度,重新審視陳澄波的畫作與其所記錄的風景。 陳澄波的畫作圍繞著博物學家的工作桌,桌上展示著各類用具、地圖、手稿,彷彿引導著觀眾以博物學家的視角及工具來觀察與探索周圍的畫作,也探索臺灣這塊土地。(彭珈莉攝)   走進自然風景之中 展覽透過色彩與感官體驗營造沉浸氛圍,使觀眾能夠深刻感受臺灣自然生態的獨特樣貌。展區的第二部分聚焦於臺灣的生態環境,依據「季風、北回歸線/陸地霧林帶」與「季風-海洋」兩大主題劃分展區。 「季風、北回歸線/陸地霧林帶」展區以藍綠色調為主,模擬森林的清涼與靜謐,透過光影效果形塑綠樹成蔭的氛圍,並輔以蟲鳴鳥叫與風聲,使觀眾猶如步入霧林深處。「季風-海洋」展區則以深藍色為主調,透過流線型展桌與波浪般的裝置設計、波光粼粼的光影效果,並搭配海浪聲音素材,體現海洋的律動。展區內更設有音景裝置,播放東海岸不同地點的濤聲,以臺灣海洋環境的感官體驗,進一步強化展覽的沉浸感與互動性。 季風、北回歸線/陸地霧林帶展間以藍綠色調及各類自然標本呈現出清新、生機盎然的氛圍。(蕭羽軒攝) 季風-海洋展間以藍色及弧形的裝置,營造出波浪陣陣的海岸氛圍。(彭珈莉攝)   畫布與田野:博物學家的所觀所感 展間的佈局結合展板與物件,引導觀眾在欣賞畫作的同時,也能深入探討其中隱含的氣象、生態與人文元素,不僅在科學層面上展現臺灣自然的獨特與豐饒,更在文化層面上建構了一種深厚的地方認同感。 展板文字以畫作為切入點,有別於傳統的藝術史詮釋觀點,改以博物學家的角度解讀作品中呈現的自然特性及環境意象。策展團隊先以自然科學的敘事描述展覽主軸的三大元素——北回歸線、季風、黑潮,再解析其中的自然因子、天候變化、物種分佈以及在地生活的相關細節。展板旁邊陳列的植物標本、動物模型或文物,則作為佐證材料,進一步深化觀眾對文本的理解。 特別的是,展場展示了一張張的田野筆記,內容涵蓋畫作的描摹、對應地區的歷史照片、相關的物件或地圖等,並透過問答的形式,展現藝術及知識的連結。田野筆記可能與觀眾欣賞完畫作的心得產生共鳴,形成陳澄波畫作及線索、策展團隊提供的資訊、觀眾想法三方的交流,建構出共同探尋與交會的空間。 展場中以博物學家的田野筆記分析畫作中描繪的自然,希望觀眾在欣賞畫作後也有能記錄下想法並與陳澄波對話。(蕭羽軒攝)   此外,展覽以「臺灣」作為核心主題,多次出現臺灣地圖與影像,不僅強調了陳澄波創作的地域性,更將觀眾的視線回歸到臺灣的獨特自然環境與文化根基上。當觀眾在展覽中反覆看到臺灣本島的圖像時,不僅會被提醒陳澄波作品中的自然之美源自臺灣這片土地,更會認識到這些美景與氣候、生態密不可分的連結,從而對「臺灣」這一地理與文化意象產生更深刻的情感共鳴。 跨越時空的交會 展覽尾聲以「咱的所在」作為主題,使用動畫的形式呈現〈北回歸線地標〉、〈雲海〉和〈東臺灣臨海道路〉等3幅畫作,對應北回歸線、季風和黑潮這3大自然元素。動畫提高了原畫的彩度,以魚類、鳥類等動物視角,強調流動時間中強烈的生命力,傳達臺灣是一個氣候適宜、物產豐富,適合動物棲息與繁衍的島嶼。 本次特展開創畫作詮釋的新方向,藉由臺博館的公共性平台與自然史敘事,向社會大眾述說全新的陳澄波形象。透過欣賞陳澄波的畫作,同時探尋蘊含其中的線索,觀眾彷彿與陳澄波一同感受、記錄與發現臺灣的獨特及珍貴性,將自身連結到我們生長的這塊土地,一起「走揣,咱的所在」。 (執行編輯:黃淥)  
2025/03/29
愛與自由的發聲練習: 專訪鄭南榕基金會董事長鄭竹梅
愛與自由的發聲練習: 專訪鄭南榕基金會董事長鄭竹梅
作者:陳安(國立臺北藝術大學博物館研究所研究生) 走進台北市民權東路巷弄,沿著「自由巷」的路牌前行,將抵達座落於住宅區中的「為了自由的紀念館」。這裡曾是《自由時代》雜誌社的所在地,也是鄭南榕以肉身抵抗威權,爭取言論自由與獨立建國之處。 專訪當日,一位神情靦腆,目光卻無比堅定的女性從辦公室走出,她是鄭南榕基金會董事長,也是鄭南榕的女兒鄭竹梅。1989年4月7日,父親自焚離世後,有很長一段時間,她難以開口談起父親。究竟是什麼樣的契機,使鄭竹梅能站在群眾前,開始以自身家族故事倡議人權和投入轉型正義工作? 鄭竹梅於鄭南榕影像前留影。(攝影:陳安)   乘載思念與真相的紀念空間 父親離世後,鄭竹梅的生活遭逢巨變,母親葉菊蘭從上班族變成政治工作者,曾為鄭竹梅兒時生活場域的《自由時代》雜誌社,也在1999年隨著鄭南榕基金會的成立,成為鄭南榕紀念館。紀念館的空間規劃由長期從事政治受難者口述歷史紀錄與人權展示設計的曹欽榮先生操刀,而鄭竹梅也談及其中讓她感到溫柔的一項設計:「觀眾和總編輯室之間有一面黑牆,一邊是李敏勇老師的詩,另一邊則是我9歲時寫的詩。這面牆除了不會直接讓我們看到總編輯室,也有觀眾說,有一種依靠的象徵。」 鄭竹梅口中的總編輯室,正是鄭南榕殉道的現場。事件過後,9歲的鄭竹梅向母親說,希望能保留空間燻黑的樣貌,讓她有一個地方可以想念他、經驗他。另一方面,當時主流媒體多將鄭南榕描述為精神異常、蓄意縱火者,因此保留自焚的空間與痕跡,也是為了訴說真相。   佇立在展場中的黑牆,讓觀眾先透過軟性的詩作感受家人與夥伴對鄭南榕的不捨與思念。(攝影:陳安) 許多曾與鄭南榕共事的夥伴知道他生前喜歡抽菸,悼念時便會帶來香菸,擺放在總編室外,日後也成為紀念館與觀眾間的無聲默契。(攝影:陳安)   帶著傷痕走向群眾 大學畢業後,鄭竹梅成為一般上班族,她總將家庭故事藏在身後。2009年左右,鄭竹梅與母親碰面時,意外走入鄭南榕紀念演唱會現場。聽著台上講者輪番講述鄭南榕對台灣與自身的影響,鄭竹梅不禁流下眼淚,並反問自己:「那麼多跟我年紀相仿的台灣人,正用他們的方式紀念鄭南榕。那我呢?我怎麼看他?他對我的重要性與意義是什麼?」 2013年底至2014年,成大南榕廣場命名事件與318運動接連發生,年輕人們站上街頭,以鄭南榕的話語為議題發聲,鄭竹梅也開始走上街頭發傳單、參與宣講。2018年1124公投(註1)後,反同婚等公投結果讓鄭竹梅驚覺,社會上有那麼多人與自己的想法南轅北轍。那時候她想到:「我站在現在,如何記憶過去,決定了如何想像未來。」她決定從自己可以做到的事做起,開始整理經驗與想法,分享家族故事,嘗試建立相互溝通與理解的可能。   鄭竹梅於2024年擔任共生音樂節短講者,分享自己如何重拾過去,思考鄭南榕之於自己與台灣社會的意義。(圖片來源:台灣共生青年協會)   從檔案閱覽與資料開箱,拼湊與記憶鄭南榕 2020年,鄭竹梅申請參與促轉會「監控檔案當事人閱覽計畫」,看著超出預期數量的鄭南榕監控紀錄,她才了解政府是如何透過情治系統構築「叛亂犯」的模樣,來扭曲個人與社會。矛盾的是,情治單位搜羅的檔案,竟也讓鄭竹梅得以拼湊父親模樣、再次遇見父親:「一方面覺得很悲傷,看見有這麼多關於他的監控紀錄,他應該受到非常大的壓迫,可是我卻也在裡面遇到了某種程度的鄭南榕。該說高興嗎?也不是,就是會覺得荒謬。」 同年,紀念館因疫情而閉館,基金會趁機整理鄭南榕與《自由時代》雜誌社的舊物,鄭竹梅也投入其中,並將工作重心逐漸轉至基金會。這些寶貴的書信、手稿與工作記錄,既是紀念館的重要史料,也讓鄭竹梅從中找到等待已久的解答。過去,她難以理解母親所說的:「因為爸爸很愛你,所以他離開了。」直到翻閱鄭南榕1982年的日記,訴說他不願讓下一代繼續生活在不自由環境的信念,鄭竹梅才逐漸理解:「所謂的『愛』,其實就是對女兒、對下一個世代的愛。」 此篇日記為鄭南榕寫給一位友人的信,當中鄭南榕對於自身即將35歲,卻遲遲無法給予女兒一個自由的成長環境而感到悲憤,而這也是鄭南榕投入社會運動的原因。(圖片來源:鄭南榕基金會)   從地方到國家,展現多樣的鄭南榕敘事 疫情期間的開箱整理使基金會有了更多述說鄭南榕的資源,因此2022年底到2023年,鄭南榕基金會展開「自由紋理:探索在地Nylon足跡」巡迴展,透過物件、史料、藝術創作等,講述鄭南榕的生命故事,與1980年代的行動。展覽緣自開箱資料時,看見來自全台各地,與雜誌社索取「台灣共和國憲法草案」(註2)的讀者來信。鄭竹梅希望可從這些資料出發,向大眾呈現當時台灣人對自由的共同渴望,以及鄭南榕與不同夥伴為自由而行動的意念。 鄭南榕曾談及自身出生於二二八事件那一年,為他終生困擾的事情,而也是二二八事件的發生脈絡,使他思考主張台灣獨立的重要性。展覽敘事便從年少的鄭南榕出發,呈現這些成長背景,可能如何影響鄭南榕後來的行動。(圖片來源:鄭南榕基金會)   基金會透過線上募資,不僅籌措經費,也同時觀察社會對此議題的態度。群眾的熱烈迴響,使原先預計只走訪4個城市的規劃擴增,並依循鄭南榕投入「二二八平反運動」(註3)與「新國家運動」(註4)的足跡,前往台北、彰化、嘉義、台南、高雄、宜蘭、苗栗等地,於地方獨立書店與議題空間展出。   由於各地展覽空間條件不同,因此需就現場狀況進行展示上的調整,而基金會也盡量保留資訊,讓觀眾得以完整認識鄭南榕的生命歷程。(圖片來源:鄭南榕基金會)   每到一個城市,基金會也會分享當地社會運動前輩的故事。鄭竹梅談到:「這個巡展重要的是,把鄭南榕的夥伴們的足跡也拉進來,像彰化有許世楷、嘉義有詹益樺跟詹三元、宜蘭有陳定南等。從辦雜誌、做社會運動、到訴諸一個台灣,這一路上並非只有鄭南榕衝在前面,而是有夥伴、支持者、讀者等等的『人』參與其中。」 有了巡迴展的累積,2024年鄭南榕基金會進一步推出「100%言論自由:鄭南榕和自由時代」特展,於二二八國家紀念館展出。展覽加入宏觀視角,呈現變動的國際局勢、黨國體制下的台灣社會,讓觀眾了解鄭南榕成為烈士前的樣貌,以及他所處的時代脈絡:「我們希望讓大家認識政治以外的他,他是如何變成後來的他,那我覺得這個理解的過程會有助於我們理解時代的背景,也有助於理解我們現在的狀態。」 「\開箱/ 自由時代雜誌社」展區模擬辦公室場景,展示雜誌社工作記錄、手稿、書信等史料,呈現《自由時代》雜誌社的運作模式,以及作為總編輯的鄭南榕又是何種形象。(攝影:陳安)   每個世代都有自己認識歷史的方式 身為鄭南榕的女兒,也作為這個世代的台灣人,鄭竹梅在理解父親的過程中,時常感到拉扯,但經過一次又一次的衝擊、消化、整理與練習,她也逐漸找到自己得以記憶與行動的方式,她說:「我嘗試用不同的方式,與不同的人互動,把鄭南榕一直在意的言論自由、台灣獨立這些核心價值傳遞出去。」 鄭南榕基金會長期推動「中小學人權教案徵選計畫」,鼓勵教育工作者將轉型正義、移工、性別等議題融入教學,透過走讀、音樂、電影與桌遊等多元形式實踐人權教育。鄭竹梅認為:「教案要讓人對人權產生『感覺』,台灣集體社會長期處於驚恐的狀態,會集體的無感,這種狀態需要逐步被解開。」她希望不同世代能以自己的方式接觸歷史與人權議題,並看見議題當中,人的主動性。 兒童也為基金會積極互動的社群,透過創作、遊戲、故事等方式帶領兒童認識鄭南榕與他所主張的普世價值。(圖片來源:鄭南榕基金會) 基金會亦持續與國際社群交流,有不少來自歐美、亞洲,包括中國、香港、德國、瑞典、西班牙、智利等地的人權工作者到訪紀念館,希望能認識鄭南榕的故事,分享彼此關懷的人權議題。鄭竹梅認為,這些交流如同鄭南榕在獄中日記所述:「以活在全世界的心情,活在台灣。」反映鄭南榕所堅持的價值具普世性,且能喚起不同政治環境者的共鳴。 目前,鄭南榕基金會與國家人權博物館合作,建立「鄭南榕紀念館線上3D導覽」,保留紀念館的樣貌。未來,基金會將以近年整理的史料為基礎,結合政治檔案的解讀,出版書籍,呈現不同視角下的鄭南榕。對鄭竹梅來說:「希望未來的世代能從『人』的觀點來記憶與紀念鄭南榕。人是複雜的,他不僅僅是烈士,也是一位兒子、丈夫、父親,以及不同世代都有對他的詮釋。」而她也將繼續拼湊、理解與記憶鄭南榕,並將鄭南榕的「愛」傳遞給下一世代。 (執行編輯:黃淥) 註釋: 註1:2018年1124公投聚焦於同志、核能、食安等議題,其中多數民意反對同婚合法化以及於中小學進行同志教育等案,使長期關注該議題的鄭竹梅感到錯愕,便希望能透過自身行動,建立相互溝通與理解的機會。 註2:「台灣共和國憲法草案」為台獨運動前輩許世楷所擬,欲以憲法草案的制定具體化建國的構想。1988年,鄭南榕發起新國家運動,希望能於自由時代週刊上刊登此草案,作為行動的落幕宣示,便請託許世楷再次修訂。最終,鄭南榕於1988年12月10日國際人權日當天發行刊載草案全文的週刊,並受到熱烈回響,但此行動也使鄭南榕被國民黨政府以涉嫌叛亂罪起訴,並開始其自囚抵抗。 註3:由於二二八事件後,台灣便進入長達40多年的威權統治時期,關於二二八事件的討論與真相也遭政府刻意噤聲、抹去與扭曲。1987年,鄭南榕與陳永興、李勝雄等人組成二二八和平日促進會,向政府訴求公開事件真相、平反受難者冤屈,並於各縣市發起平反運動遊行,與大眾一同公開紀念二二八,成為二二八事件轉型正義的起點。 註4:「台灣獨立」為鄭南榕一生的訴求,並在1988年與黃華等人發起「新國家運動環島行軍」,於台灣各地宣揚台獨理念,同時聲援因公開主張台獨而遭判刑關押的蔡有全、許曹德兩人。
2025/03/20
從建築美學到社會實踐: 黃旭的行動主義博物館之路
從建築美學到社會實踐: 黃旭的行動主義博物館之路
  作者:陳佳汝(文化部博物之島國內外資訊專題記者) 進入幽深的展場,首先聽到一陣陣的心跳聲,提醒著你這是一個活生生的所在。順著展間中軸線的河堤望去,盡頭投影裡的大煙囪不斷飄升著濃煙,這是台西村的日常寫照;觀眾從進入展場的那一刻,彷彿就進入了這個被六輕詛咒的村子,兩旁紅磚屋斜屋頂般的展示台上,是一幅幅關於六輕設廠後,台西村環境污染和罹病人們的紀實攝影。 這是2014年在國立自然科學博物館展出的「南風攝影展:台西村的故事」。策展人黃旭,是個博物館行動主義的倡議者,任職於展示組主任的他,認為行動主義可以讓博物館成為重要的公共空間,創造一個國家和民間社會的接觸地帶,促進社會議題的連結、討論和斡旋,成為民主社會的永續機制。 「南風攝影展:台西村的故事」展場以台西村的農村特色作為空間布置元素,將鐘聖雄及許震唐的攝影作品陳列在模擬紅磚屋頂的展台上。(黃旭 攝影) 仰頭望著父親繪製巨型的廣告看板,閱讀父親訂購的建築雜誌,從小黃旭的心中就埋下對建築的熱愛。國中時,他就立下非建築系不讀的志願,也如願從大學到攻讀博士學位都主修最愛的建築。在倫敦大學建築學院撰寫的博士論文題目是有關「博物館空間」的研究,因而對博物館學進行了更廣泛和系統性的接觸。這段經歷,讓他從對建築美學的關注之外,更深入理解博物館空間的社會性功能。  進入博物館工作之前,黃旭曾在建築事務所工作,某日籌設國立自然科學博物館的漢寶德對他說:「你看,外面的房子都那麼醜,不如進到博物館工作,設計一些具有美感的展示吧!」就這樣,他進入科博館擔任展示策劃,一待就是33年。 行動的展示 展示的行動 2015年雲林市議會場外正熱鬧一片,黃旭和一群環保團體及主婦聯盟的成員正高舉標語,要求通過《工商廠場禁止使用生煤及石油焦自治條例》(註1),然而這次倡議行動竟然也和一次展覽有關。 在策展「南風攝影展:台西村的故事」(簡稱南風展)前約一年半,他就注意到鐘聖雄和許震唐的攝影作品:「一開始感覺像是看到《人間雜誌》,很是感動,鐘聖雄的影像控訴能力很強,許震唐的影像則和地方關係很深。」當時他就很希望策劃一個報導攝影展,不料一天展出的機會主動找上科博館,黃旭心中感到驚喜,馬上接下這個任務。「2012反國光石化時,鐘聖雄聽到有個癌症村在彰化,就去做了報導攝影。他的照片會引起我的注意不單單是因為美學,而是一個社會事件。這個展對我最大的挑戰是,去思考博物館可以幫台西村做什麼事情?該如何集結眾人的力量改變台西村的命運?」 「南風攝影展─台西村的故事」特展於2015年11月15日巡迴至臺北市立圖書館總館展出,台西村居民於當日前往總統府陳情,呼籲總統候選人關注台塑六輕污染問題。(黃旭 攝影) 台西村居民遞送邀請函,邀請總統候選人觀展。圖為發給蔡英文的邀請函。(黃旭 提供)   2011年策展「流動的女神:台灣媽祖進香文化特展」時,黃旭就已認識到眾人之力。那是他第一次大量採取館外參與策展,和11個宮廟商借文物,中研院學者以及民眾也都主動提供許多媽祖廟使用的物件,讓他意識到社會有很多資源可以調度使用。 融入建築空間美學的展覽設計 策畫「南風展」時,他更結合了社區、藝術家和許多NGO組織,進一步地希望台西村不只是被表現的主題,更是可以說話的主體。他找來差事劇團的鍾喬主持民眾戲劇工作坊,請台西村村民編寫劇本,練習用自己的聲音和身體去表達,並且透過紀錄影片進入展示。他也邀請村民於展覽開幕前來觀看自身的照片如何被展示,並在開幕時邀請兩位攝影家親自導覽。 台西村民於南風展開幕典禮演出戲劇《吹進故鄉的風》,展現自己的生命故事。(蔡明德 攝影,黃旭 提供) 他的策展設計融合了建築專業背景,從家屋意象出發,透過紅磚牆與斜屋頂塑造受傷掙扎中的台西村,觀眾猶如從屋頂俯瞰村民的生活。地板則是和台西道路軸線一致的水圳設計,展場盡頭灰色的海堤上,投影出不斷冒煙的六輕大煙囪。這些設計將攝影展提升為一個聚落的生命呈現。 出色的展覽策畫設計與社會關懷,使南風攝影展入選第19屆台新藝術獎,且成功地引起熱烈的回響。雲林縣縣長李進勇帶一級主管前來參觀,並且當場承諾禁燒石油焦和生媒。一個月後將條例送進市議會,並且順利通過了審查。 黃旭(中間手持麥克風者)為雲林縣長李進勇(圖右)導覽南風展。(陳鴻昌攝,黃旭 提供) 「博物館是一個公眾的象徵,展覽可以彙集了許多專業者和民眾的力量。當倡議某件事,藉由這些力量,由於博物館受到的信任度,就容易引起社會重視和討論。」能源政策本來是由中央政府制定,但在雲林縣宣布全面禁燒生煤後,台中市也接著開始管制使用石油焦,最終促使中央跟著修訂《空氣污染防制法》。這是一次從展覽引發地方帶動中央修法的一樁成功的倡議性行動。 博物館作為溝通與民主的試金石 型塑溝通討論是行動主義的重要核心之一,黃旭特別打造容易形塑公眾意見的觀眾留言區。在南風攝影展中,觀眾留言分布在3個區域,以電腦顯示留言內容,觀眾隨時穿梭經過,讓留言也成為展示的一部分。 「南風攝影展─台西村的故事」的留言區位於主要展區之內,方便觀眾使用與閱讀。(黃旭 攝影)   2017年策劃「島嶼浮塵-PM2.5視界特展」呈現空污議題時,更設置「我有話要說」展區,以一台攝影機對著觀眾紀錄長達30秒的發言,上方大螢幕輪播前50個人的留言。留言區以因為六輕而廢校的橋頭國小許厝分校課桌椅布置,整個展場形似三合院,前埕牆面展示科學的知識,中間是「我有話要說」,合院的房子則陳列藝術家作品。 「島嶼浮塵-PM2.5視界特展」以橋頭國小許厝分校課桌椅布置留言區(黃旭 攝影)   當觀眾在不同展間移動時,會不斷穿越中間留言區,是展場整合性最高的空間,觀眾可以坐在椅子上看留言、交換心得,或直接上台錄製影片發表意見。這個設計使觀眾意見成為展覽重要的一部分,可以為社會所看見和聽見,扭轉民眾面對公眾議題時的無力感。黃旭善用博物館空間的社會性功能,來凝聚公民意識,使其成為行動主義的基石。該展覽的第一個發言人是李遠哲,他在影像中對觀眾說道:「現在應該是行動的時候了!」 展示如何集結相關利害關係人變成一支隊伍,並且改變現狀?黃旭認為:「首先,這個平台要採取一個立場,邀請關注相同議題的團體來加入,透過尋找資源找到一個方向來倡議,從議題發展到倡議主張,最後成為一種行動。」他強調,行動主義不同於傳統博物館強調知識中立,事實上,行動主義是從「反對中立」出發的,採取堅定立場,來改變可質疑的現狀。 其中,專家的角色很重要,策展團隊在實踐行動主義時,要有心理準備隨時面對不同聲音的挑戰;藝術則是吸引觀眾關注議題的手段。他以鐘聖雄在pm2.5空汙展的作品「台西鄉人一天吸滿多少有害物質」為例,5米高、10多米寬的巨幅牆面佈滿了大量氣球,代表台西鄉人一天吸入如此多的髒汙空氣顆粒,具象化空汙的危害性,令人震撼。「藝術家的作品,往往超乎我們的想像!」他大大讚嘆道。 現在,博物館採取行動的時候到了! 黃旭強調,行動主義博物館是維繫民主運作的重要空間。「國家有政策要實行時,可以在此與民眾進行溝通,接收不同觀點,並做出回應或修正,作為政策推出前的試金石。」博物館累積的社會聲譽,吸引了各種專業人士的參與,而敘事力強大的展覽則可接觸來此休閒的觀眾,發揮其他機構無法比擬的溝通效果。然而,國家並沒有意識到博物館的這項潛能,而將之視為單向的政策宣傳機構。黃旭認為,在日趨自由主義化的當代台灣,無論是為了維持博物館的自主性,或是促使民主社會的健全發展,博物館行動主義都是值得追求的方向! 談論著對行動主義博物館的期待,他似乎回到翻閱建築雜誌的那個國中男孩,懷抱著追求美好的熱烈之心,走出博物館,笑談青年時期的理想,抽完一根菸,他騎上腳踏車,消失在暮色中。 (執行編輯:黃淥) 註釋: 註釋1:台塑六輕工業區長期以來因大量燃燒石油焦與生煤,被指為排放二氧化硫等有毒物質的主要來源,對縣民健康造成重大威脅。雲林縣政府於2015年6月10日公告此條例,規定一年內全縣工商廠場禁止使用石油焦,並於兩年內全面禁燒生煤。由於六輕的生煤使用量高達全縣98%,此條例幾乎是直接針對六輕的運作而訂定。
2025/03/13
從覺察、反思到行動: 自然史博物館的守護地球大作戰!
從覺察、反思到行動: 自然史博物館的守護地球大作戰!
  作者:林琮穎(老派博粉的謬思藝享 謬思設計師) 人類的存在之於地球歷史不過短短一瞬,但大量的人為活動帶來氣候變遷與環境破壞等複雜且棘手的全球性問題(Dillon et al., 2016)。對自然史博物館而言,其肩負的當代任務,即是積極闡明環境的困境,促使大眾與自然產生緊密連結,進而引發反思與實際行動(Krishtalka & Humphrey, 2000)。 2024年國立臺灣博物館及國立自然科學博物館皆以環境議題策劃特展,分別推出「氣候行動—全球沸騰時代特展」(展期2024/07/10 ~ 2025/04/13)與「未來戰士—永續地球環境特展」(展期2024/08/20 ~ 2025/08/31)。本文將探討兩檔展覽的展示敘事,以及如何以多媒體科技、闖關任務等途徑強化觀眾的互動及參與。 「氣候行動展」利用3D光雕投影技術,呈現極地下雨與冰川崩解的情形。(林琮穎 攝影) 「未來戰士展」敘說水質汙染、水資源過度利用等環境危機。(林琮穎 攝影) 環境議題的主題聚焦與敘事脈絡 首先,兩檔展覽都向觀眾揭示環境危機,強調人類應團結採取「行動」並做出正確選擇,努力邁向永續發展的「未來」。兩個案例的展示敘事也頗為類似,均先展現地球之美,接著陳述當下地球環境面臨的危機,及其與人類的交互關係,最後呼籲觀眾行動,強調行為改變對減緩環境困境的重要性。 「氣候行動展」聚焦於氣候變遷課題。以極光與鯨群的壯麗景觀為序曲,隨即呈現冰川崩解的震撼情境具現氣候危機。展覽一方面闡釋氣候變遷、溫室效應、極端天氣事件等科學知識,也剖析地球暖化對全球與臺灣的衝擊,強調人類活動不斷加劇此現象。此外,展覽也敘說氣候變遷對極地與海洋生物的威脅,以及世界各地的極端天氣事件。最後,由全球、臺灣、個人等不同角度,呼籲觀眾以減碳行動翻轉現況、共創淨零未來。 「氣候行動展」結合裸視3D顯示技術,呈現海洋生物的生存危機。(林琮穎 攝影) 「氣候行動展」於複雜的科學知識展版上,添加頗富趣味的光雕互動投影。(林琮穎 攝影) 而「未來戰士展」則討論廣泛的環境議題,從地球環境的特性出發,說明這顆星球雖然宜居,卻因人類活動而導致許多環境危機。據此,展覽從大氣、水圈、陸地、生物圈等面向切入,羅列共32個數十年來臺灣及世界各地的實際案例,並探討相關的人為活動。隨後,展覽由全球尺度提出改善問題的行動目標,更從個人層面描述我們該如何改變日常生活,以實現地球的永續發展。 「未來戰士展」以地球的宜居特徵與地球因人類所受到的劇烈影響作為展覽引言。(林琮穎 攝影) 「未來戰士展」簡介海洋漁業對環境造成的影響,以及提供相對應的改善方案。(林琮穎 攝影) 反思之後,如何改變? 展覽除了提供客觀事實,喚醒觀眾對環境議題的關注,該如何進一步建構出具可行性的行動策略,賦權觀眾在環境保護上有更積極的行動(Blond, 2018)?兩展覽皆採取多元的手法設計支持展示敘事,並強化觀眾的參與及互動程度,觸發深度的覺察與反思。此外,兩展覽皆以多元尺度闡述改善方案,呼籲觀眾採取團結且積極的改變行動。 「氣候行動展」透過大量的多媒體科技,為觀眾營造身歷其境的沉浸體驗。例如善用多種投影技術展現極地的壯麗與危機、生物的生存挑戰、各地的極端天氣事件等。另外,展覽也規劃實體與數位互動裝置,像是光雕互動投影、模型感應、藝術共創等,將抽象的科學知識、複雜的環境議題等,轉化為富含趣味的互動形式。 展覽以全球視角探討「減緩」與「調適」等兩大面對氣候變遷的策略,同時回應臺灣的社會脈絡,說明如何透過能源、產業、社會、生活等面向的行動,邁向2050淨零轉型的目標。 「氣候行動展」將六種日常生活情境發展為互動小遊戲。(林琮穎 攝影) 「氣候行動展」透過模型感應裝置使觀眾意識到人類活動與暖化的直接關聯。(林琮穎 攝影) 「未來戰士展」則設計了太空人尋找適合移居的星球的虛構故事背景。展覽中,調查團隊將這顆星球的環境現況調查成果撰寫成日誌。據此,整體展場設計如同太空艙場景,整合調查日誌、生物標本、圖表、模型、影音、簡易操作的裝置等,帶領觀眾探尋世界各地的環境危機,以及相關聯的人類活動。 展覽聚焦能源使用、工業活動、漁業活動、基礎建設與資源取用對環境造成的負面影響,並提供相應的改善方案簡介,並進一步介紹聯合國永續發展目標(SDGs)與2030全球行動目標,作為改善環境的行動指引。   「未來戰士展」結合日誌、生物標本、模型等展示,說明人類活動對環境造成的危機。(林琮穎 攝影) 「未來戰士展」營造日常情境,促使觀眾接受「生活升級」任務,改變生活習慣。(林琮穎 攝影) 兩展覽也邀請觀眾關注自身的日常生活,包括飲食、消費、資源、交通等多個層面,號召觀眾在日常中實踐減碳行動。「未來戰士展」更於展覽尾聲的留言區,鼓勵觀眾分享對友善環境行動的創新構想,進一步強化參與程度與行動意識。 從展覽手法來看,「氣候行動展」善用大型多媒體,以震撼的視覺效果讓觀眾感受氣候危機;而「未來戰士展」則因為涵蓋多樣的環境危機,案例的論述或設計尺度皆較小,導致觀眾可能對於各項議題僅有表層的認識。但是另一方面,當展覽討論日常生活實踐時,相較於「氣候行動展」擇取生活中各面向的特定情境設計遊戲,「未來戰士展」則善用大量衣物、家電等生活用品,更系統化且具體的傳達呈現濫用資源議題,筆者認為能讓觀眾產生更深刻的共鳴。 以闖關任務轉化環境議題 兩檔展覽不約而同地設計了闖關任務,邀請觀眾利用手機參與互動。「氣候行動展」的闖關任務由漢森博士與厄斯兩個角色展開,隨劇情發展,觀眾必須協助厄斯找回真實身分。整體關卡配置依循展場動線,觀眾在解題過程中,透過閱讀展版、實際操作互動裝置等,深入探索氣候危機與行動策略。 「氣候行動展」任務的最後一關,即是透過手機與「彩繪未來」機臺聯動,進行減碳元素的彩繪創作。(林琮穎 攝影) 「未來戰士展」則基於其虛構故事框架,邀請觀眾加入「未來戰士」的行列,一同在展場尋找環境危機的發生原因與改善對策。展覽亦為不同年齡與需求的觀眾提供多種探索任務路徑,觀眾能攜帶實體學習單自主學習,或進入展場跟隨日誌的指引探索。 「未來戰士展」的任務機臺透過測驗賦予觀眾未來戰士角色,開啟探索任務。(林琮穎 攝影) 這兩個任務雖採用關卡推進的遊戲化形式,其本質仍是對照展覽內容設計的問答題,筆者認為若能善用更多遊戲要素,如善用團隊互動機制、高度投入故事情節的角色等,或許能促使觀眾更加沉浸的體驗。 小結:未竟的環境行動 總體而言,兩展覽皆展現了自然史博物館在環境議題上的實踐力,透過展示敘事與互動裝置引導觀眾覺察現況、反思人類行為與環境危機的關聯、採取實際行動。當談到淨零排放,人們可能認為這是政府與企業的責任,而兩展覽皆以個人角度闡明多種日常生活面向的行動策略,提供觀眾可行的實踐指引。 然而這也引發筆者進一步思考,人們在實踐環保行動時的阻礙,可能不僅是缺乏明確的行動方案,而是難以覺察具體且立即的成效,卻僅感受到生活的便利性減損,又或是發現仍有許多人仍漠視環境議題的無力感。面對如此困境,該如何激發人們持續行動?期待未來博物館能持續開展聚焦環境議題的展示教育實踐,透過更多樣的敘事切角與展示手法,呼籲大眾能更加團結、採取更為積極的行動。 (執行編輯:黃淥)
2025/03/04

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