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海外巡迴首展獻給臺灣 塩田千春:能在這樣開放心靈的國家展出我很榮幸
海外巡迴首展獻給臺灣 塩田千春:能在這樣開放心靈的國家展出我很榮幸
作者/攝影:田偲妤 《塩田千春:顫動的靈魂》特展於2021年5月1日至8月29日在臺北市立美術館展出,集結塩田千春25年創作生涯超過100件代表作品,包含:繪畫、雕塑、大型裝置、行為錄像、舞台設計等多元創作類型,以沉浸式的展示設計引導觀眾心境與作品融為一體,經典的紅、黑、白線纏繞或懸掛著搜集而來的舊物件,象徵著人與人之間無盡的緣分和羈絆,亦傳達藝術家對於死亡、生命、記憶、夢境等內心世界的深刻探索。 其中,〈外在化的身體〉是塩田為了本次巡迴展特別創作的作品,盤旋於空中的紅色牛皮織網從天而降,圍繞著散佈於地面的肢體殘骸,是塩田翻模自己的手腳製成。塩田在決定巡迴展的第二天,獲知癌症復發的噩耗,隨即投入一連串療程。她覺得治療的過程如同將身體支解後在輸送帶上傳送,在逐漸恢復的時光中,感受到身體與靈魂若即若離之苦。 塩田千春〈外在化的身體〉2019/2021。展出現場:臺北市立美術館(田偲妤 攝影)   而這似乎預告著巡迴展好事多磨的命運。在結束森美術館的展覽後,原訂下一站在韓國展出,不幸遇到新冠疫情爆發,韓國站只得早早結束,隨後的澳洲、印尼站也紛紛延期。好在臺灣防疫有成,讓臺灣站幸運地成為海外巡迴首站。策展人片岡真實表示:多國美術館改用線上展呈現,然而進入美術館親自感受作品的震撼是難以取代的體驗。片岡更提到:塩田可以來臺灣辦展很開心,因為她是個沒有辦展活不下去的人。 令人好奇的是,北美館與森美術館兩地的展出有何不同?兩館團隊的合作過程如何?塩田表示,兩館的展場面積沒有太大差異,但天花板高度有差,需重新檢視環境、考量觀眾的觀展感受,思考作品中線的設置與作品的擺設。例如:展場入口作品〈去向何方?〉的展示方法就不同,森美術館是室內空間,需用照明呈現作品,北美館兩側落地窗有很棒的採光,策展時會配合場地特性呈現作品。 展場入口作品〈去向何方?〉配合場地特性調整作品呈現方式。上圖為森美術館著名的電扶梯入口;下圖為北美館一樓採光良好的廊道。(田偲妤 攝影)   北美館王俊傑館長更提到:兩館的展間質感不同,森美術館的展場是原木地板,呈現溫暖感;北美館的展間比較冷調感,因此展覽所展現的氛圍不同。在團隊合作上,外國團隊在來臺隔離期間即進行很多展示設計討論,塩田的團隊比較像是策展顧問,指導線該怎麼設置等細節,經歷了約兩個禮拜愉快地佈展,如今終於順利開展。 森美術館(上圖)與北美館(下圖)展間的不同質感,營造出不同的展覽氛圍。(田偲妤 攝影)   這次在臺灣的策展成果獲得藝術家與團隊的肯定,塩田更是從一下飛機即對臺灣充滿好感,令她印象最深刻的是入境表單的性別選項,除了男性、女性,還有一格「其他」。塩田有感而發地說:「世界上有多少人就會有多少種想法…我可以深刻感受到,這是一個可以讓人活得非常自在的社會,能在這樣開放心靈的國家展出我很榮幸。」藝術家對於外在事務的細膩觀察轉化在充滿情感張力的作品上,建議在觀賞作品時,可搭配塩田留在牆上的內心話語,彷彿塩田千春正站在你身邊,引導你走進她的藝術世界,感受靈魂的顫動。 觀賞作品時,可搭配塩田留在牆上的內心話語,感受文字與作品帶出的靈魂的顫動。圖為作品〈不確定的旅程〉2016/2021。展出現場:臺北市立美術館(田偲妤 攝影)
2021/05/01
上網找樂子!博物館讓疫情下的人們哈哈大笑
上網找樂子!博物館讓疫情下的人們哈哈大笑
作者:王惇蕙(國立臺灣美術館教育推廣組) 在疫情未平的當下,所幸有「網路」讓我們直率表達情感、與他人交流。回顧2020年,許多國外博物館以網路迷因、社群媒體大挑戰等活動,讓無法出門的民眾上網找樂子!   【網路迷因】博物館迷因日,哭笑不得地無厘頭掙扎 2020年博物館迷因日的主題是「博物館為求生存的各種掙扎」,各館紛紛選擇最能呼應主題的藏品,以#MusMeme(#網路迷因)標籤在社群媒體上互搏版面!比如英國阿什莫爾博物館(Ashmolean Museum),選了一件鳥兒用尖嘴刺穿魚腹的藏品,鳥兒身上註記「2020」,被刺穿的魚則標註「我們的計畫」。無厘頭的迷因讓人感同身受、會心一笑! 英國阿什莫爾博物館(Ashmolean Museum)博物館迷因日(photo credit: Ashmolean Museum)   【網路迷因】參觀禮儀是什麼?可以吃就好! 在倫敦封城的日子,藝術愛好者被迫與心愛的美術館分離,無法出門的藝文工作者Filippo Lorenzin和Marianna Benetti靈光乍現,為兩隻心愛的小沙鼠Pandoro和Tiramisu打造世界級美術館,展出《戴珍珠耳環的沙鼠》、《蒙娜麗鼠》等作品,並配上作品說明牌、QR Code,最重要的是展場告示牌:禁止啃食!(PLEASE DON’T CHEW)顯然2隻小沙鼠沒有當一回事,Pandoro和Tiramisu迫不及待地進入美術館,整張臉貼近展品,把展場當操場,最後大啃特啃桌椅,真是美術館另類的使用方式啊! 策展人Filippo Lorenzin和藝術家Marianna Benetti打造微型美術館給寵物沙鼠。(photo credit: marianna_be)   【社群媒體大挑戰】我也是名畫!蓋蒂美術館廣發戰帖 許多博物館因疫情閉館,民眾也需居家隔離,蓋蒂美術館(J. Paul Getty Museum)卻在此時向全球追蹤者廣發戰帖!邀請網友使用3件居家用品模仿美術館名作,拍照上傳並標註#GettyChallenge(#蓋蒂大挑戰)與大家分享!活動在Twitter上引起眾多迴響,館方更將來自各方的最佳創意集結成書《博物館外:靈感迸發的藝術名作再創作》(Off the Walls: Inspired Re-Creations of Iconic Artworks),紀錄人們滿滿的創意與機智,以及藝術在艱困時局中帶來的撫慰。   【社群媒體大挑戰】同行尬一下!英國約克郡博物館 說到對同業下戰帖,英國約克郡博物館(Yorkshire Museum)當仁不讓!以#CuratorBattle(#策展人來對戰)號召全球博物館於線上分享「有梗」藏品,例如:#BestMuseumBum(#最佳美臀)、#BestPartyObject(#最潮派對道具),甚至還有因應萬聖節推出的#SpookiestObject(#驚嚇爆表物件),民眾在觀看各國怪藏品哈哈大笑的同時,也能增廣見聞。 英國約克郡博物館發起#BestMuseumBum挑戰,在全球引發屁屁熱潮!(photo credit: Yorkshire Museum)   身為全球博物館的一份子,台灣的博物館也沒忘了「參一咖」社群媒體大挑戰,像是中央研究院歷史文物陳列館以〈大理石對尾雙伏獸〉、華岡博物館以〈嬰戲圖〉回應#BestMuseumBum挑戰,讓關心博物館的民眾跟上最新的流行趨勢,不受疫情的阻隔,反而以另類方式拉近與博物館的距離。
2021/04/30
如何與觀眾對話?大都會藝術博物館的社群媒體經營方法
如何與觀眾對話?大都會藝術博物館的社群媒體經營方法
特約記者:戴映萱(倫敦大學金匠學院藝術策展碩士、藝文工作者) *本文全數圖片由紐約大都會藝術博物館授權使用 人們的每日生活與社群媒體早已密不可分,如何經營社群媒體?無疑是當代博物館不容忽視的一環。自新冠肺炎疫情爆發以來,全球博物館在被迫閉館下,紛紛積極進行數位轉型,其中社群媒體經營的比重明顯地大幅增加。 疫情期間,美國紐約大都會藝術博物館(The Metropolitan Museum of Art;簡稱大都會)的社群媒體受到高度關注。在藝術新聞(The Art Newspaper)去年3月底發表的〈最受歡迎博物館社群媒體報告〉中,大都會獲選為全球第二大受歡迎的博物館,在Instagram、Twitter和Facebook上的總追蹤人數高達980萬,迄今總數已超過一千萬。該館社群媒體總監Claire Lanier表示「一切都發生得太快了!」自疫情爆發以來,社群媒體參與度明顯增加,官方Instagram參與度上升了95%,Twitter和Facebook則分別提升了64%和17%。 大都會相當重視教育活動,許多社群貼文邀請大眾發揮創藝、動手創作。(Photo credit: The Metropolitan Museum of Art’s Instagram)   大都會的社群媒體內容十分豐富且多元,不同典藏部門甚至有各別的Instagram帳號,加上總管帳號共計約30個獨立頁面,提供想鑽研單獨主題的觀眾深入探索的管道。其中,服裝(The Costume Institute)及武器與裝甲部門(Arms and Armour department)帳號最受歡迎,各式各樣的典藏品加上生動並具教育性的文字,讓人目不轉睛。除了向觀眾展示典藏庫的珍品,「Met Sketch」和「#MetTwinning」兩項計畫亦值得關注。「Met Sketch」邀請觀眾分享他們的塗鴉──不論是在家中餐桌所繪製,或是在公園散步時的靈機一筆,這些作品皆是疫情期間,觀眾與藝術品相互連結的一種方式。「#MetTwinning」則鼓勵觀眾發揮創造力,從藏品中汲取靈感,製作出藏品的延伸、屬於自己的小小藝術品。 「Met Sketch」鼓勵觀眾分享受博物館藏品啟發所繪製的塗鴉。(Photo credit: The Metropolitan Museum of Art’s Instagram)   如何與來自世界各地的觀眾對話,尤其是未能實際造訪的觀眾,無疑是全球化下當代博物館的首要課題。像大都會這樣的大型國際機構,社群媒體的經營必然佔有非常重要的位置。如何與觀眾互動?如何透過螢幕提供觀眾融入藝術品的感覺?即使在後疫情時代,這些問題也應不斷被提問,方能進一步讓博物館與觀眾有更為深切的連結。 疫情封城期間,許多民眾紛紛在自家剪起頭髮。去年4月,大都會在官方Twitter分享兩件藏品,主題訂為「博物館壞髮日」,貼文發出後受到廣大響應。(Photo credit: The Metropolitan Museum of Art’s Twitter)
2021/04/26
不畏疫情影響!全球5間新開幕的話題博物館
不畏疫情影響!全球5間新開幕的話題博物館
作者:劉宣欣(澳洲西雪梨大學口筆譯研究所碩士生) 2020年對歐美博物館而言是慘澹的一年,許多博物館尚處於閉館狀態,即使如此,仍有博物館計畫於2021年開幕,以下為5間以新面貌迎接舊雨新知的話題博物館!   柏林洪堡論壇(Humboldt Forum, Berlin) 舉世矚目的柏林洪堡論壇終於在2020年12月17日以線上直播揭開神秘面紗,館址原為普魯士王國及德意志帝國皇宮,座落於柏林城內博物館島(Museum Island),佔地約4萬2千平方公尺,是藝術、科學和文化的殿堂。洪堡論壇是承接過去、現在與未來德國歷史文化的重要橋樑,德國文化部長莫妮卡.葛律特絲(Monika Grütters)將其定調為「國家名片」,希望藉此將德國文化推向世界舞台。目前受疫情影響,洪堡論壇推出虛擬導覽,並以「德國首都歷史」為開幕首展。 德國洪堡論壇(來源:Ernstol, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons)   國立非裔美國人音樂博物館(National Museum of African American Music) 喜愛爵士與藍調的樂迷有福了!全球獨一無二以非裔美國人音樂為主題的博物館,2021年初於美國田納西州「音樂之都」納許維爾(Nashville)新登場,自非裔美國人大遷徙(Great Migration)以來,爵士、藍調等音樂類型深深影響美國社會與文化,館長暨執行長H. Beecher Hicks II表示:「希望這座博物館成為非裔美國人音樂文化的根基,同時讓大眾對納許維爾有新的印象,將透過舉辦活動、體驗場館和民眾交流。」來一趟博物館吧!感受寬闊的大廳與影廳,更有機會現場聆聽樂手演奏,體驗不凡的音樂饗宴!   孟克美術館(MUNCH, Oslo) 以名畫〈吶喊〉聞名世界的孟克美術館,即將於2021年夏季以新風貌強勢回歸,新館座落於挪威奧斯陸比約維卡區(Bjørvika)的水岸邊,建築師受到孟克大型創作的啟發,以「垂直」概念打造新館,讓館內空間與設施能盡收眼底。作為現代藝術場館新指標,重新開幕的孟克美術館擁有多達4萬5千件表現主義繪畫、素描及影像作品,多是孟克過世當年(1944年)贈與奧斯陸市的作品,能更全面且多樣的認識孟克與他的創作。 孟克美術館(來源:Premeditated, CC BY-SA 4.0, via Wikimedia Commons)   佛洛伊德博物館(Sigmund Freud Museum, Vienna) 位在奧地利維也納(Vienna)的佛洛伊德博物館,帶你走進劃時代精神分析學家的世界!為躲避納粹迫害而流離至倫敦前,佛洛伊德曾在維也納度過47年歲月。故居整修後於2021年2月10日重新開幕,首次開放佛洛伊德生活與工作的空間,觀眾能透過家族相本一探佛洛依德的家庭生活,也能踏入故居想像與其跨時空相遇。二戰時佛洛伊德將多數家當帶往倫敦,空蕩的故居如今瀰漫著自由與流亡的淒美氛圍。   安徒生博物館(Hans Christian Andersen Museum, Odense) 2021年夏天即將開幕的安徒生博物館,使人有如置身童話世界!日本建築大師隈研吾將巨大傘菇、蘆葦垂傍的池塘及空中花園意象融入場館設計,以永續的建築材料和設計理念為主軸,勾勒出「森林」氛圍,讓到訪的民眾得以感受由內而外的童話意象。來到丹麥歐登西(Odense)不僅能參觀博物館,館方更推出「安徒生大腳印徒步之旅」,帶領旅人穿梭歐登西街道,尋覓安徒生的出生地、兒時故居、兒童體驗館等,十分適合親子漫步同遊。 新建設的博物館建築結合空間環境與展覽主題,為觀眾帶來豐富的感官體驗。目前多數博物館配合防疫政策而暫時閉館、分階段開館,或採線上預約入館,有些更推出線上展覽與導覽。期待疫情緩解後,我們能親自造訪博物館,感受建築與展演的相互輝映。
2021/04/23
原來線上典藏庫這麼有趣!哈佛大學博物館群「非凡事物」典藏計畫
原來線上典藏庫這麼有趣!哈佛大學博物館群「非凡事物」典藏計畫
特約記者:戴映萱(倫敦大學金匠學院藝術策展碩士、藝文工作者) 自從新冠肺炎肆虐全球,各地博物館紛紛因防疫封關政策而被迫閉館,在不對外開放的狀態下,博物館該如何持續其典藏、展示和教育之功能呢?不可否認地,數位轉型是當今博物館最為注重的項目。以典藏面向來看,根據國際博物館協會(ICOM)去年底所發表的調查顯示,17.97%的博物館因疫情而閉館後,增加對線上典藏的著重程度。 美國哈佛大學科學與文化博物館群(The Harvard Museums of Science & Culture,簡稱HMSC)是在疫情後開發線上平台的成功案例。「HMSC Connects!」線上串連了歷史科學儀器典藏、哈佛自然科學歷史博物館、畢巴底考古與民族博物館、哈佛古近東博物館,除了線上展覽、虛擬導覽和各式觀眾參與和親子活動,典藏計畫「非凡事物」(Extraordinary Things)是其中的一大亮點。 「HMSC Connects!」線上平台串連哈佛大學四座博物館,推廣各博物館延伸的數位計畫。(Courtesy of HMSC)   「非凡事物」囊括了四座博物館的藏品,分成九項主題:「美與觀看者」(Beauty and the Beholder)、「大貓與小貓」(Big Cats, Little Cats)、「治癒之手」(Healing Hands)、「女性作品」(Women’s Work)、「頂級之犬」(Top Dogs)、「色彩世界」(World in Color)、「眾多之中」(E Pluribus Unum-Out of Many, One)、「夏至」(Summer Solstice)和「甜蜜的家」(Home Sweet Home)。每項主題下的藏品皆有詳細且生動的介紹,包括「仔細探索」(LOOKING COLSER)、「奇特之處」(SOMETHING DIFFERENT)以及延伸的親子活動項目「真相&趣味」(FACTS & FUN)。 典藏計畫「非凡事物」將四座博物館的藏品於線上展示,提供豐富且詳盡的介紹和延伸活動。(Courtesy of HMSC)   以畢巴底考古與民族博物館的藏品為例,中國刺繡鞋與足部模型的介紹延伸至傳統纏足習俗的討論,在「仔細探索」部分提出不同問題激發觀眾思考:纏足持續了一千年,是什麼讓這項習俗維持如此之久?你的文化中也有以痛苦換取美麗的習俗嗎?社會為什麼繼續鼓勵傷害女性的美容實踐?「真相&趣味」則以十歲以上孩童為主要對象,邀請小小觀眾在家收集各式鞋款,並在紙上畫出「美麗」和「舒適」兩種鞋子,從中思考它們的功能跟設計所延伸的社會和文化意義。 「非凡事物」線上展示畢巴底考古與民族博物館的典藏—中國刺繡鞋與足部模型。(© President and Fellows of Harvard College, Peabody Museum of Archaeology and Ethnology, PM 99-12-60/53793.1 and .2)   博物館庫房內的每一件藏品都有其自身的歷史。「非凡事物」線上典藏計畫以深入淺出的典藏介紹與延伸活動,引導各年齡層觀眾以不同視角吸收新知。同時,HMSC持續推出的虛擬導覽也備受關注,「自然界的藝術大師」(Nature As Artist)為最新項目,邀請觀眾在家也能盡情探索博物館內的豐富藏品。 「HMSC Connects!」近期推出哈佛自然科學歷史博物館的虛擬導覽「自然界的藝術大師」,結合新興科技引領使用者在線上一窺博物館的精美典藏。(Courtesy of HMSC)
2021/04/19
法老黃金遊行的背後—回顧埃及文物保存的過往點滴
法老黃金遊行的背後—回顧埃及文物保存的過往點滴
作者/攝影:何慕凡(英國倫敦大學學院考古學院博物館學研究所碩士) 今(2021)年開羅時間4月3日晚上,埃及政府舉行盛大的法老黃金遊行,將18具法老王及4具女王的木乃伊,從首都開羅正中心的埃及博物館(Egyptian Museum)運送至位於福斯塔特的埃及國家文明博物館(National Museum of Egyptian Civilisation),線上直播觀看人次高達50萬,全球掀起一波埃及熱。 事實上,人們對於埃及文物的狂熱,早已其來有自。1798年拿破崙遠征埃及,帶了大批的學者、藝術家與製圖家,在當地興建了埃及科學研究所,開始有系統地研究埃及。著名的羅賽塔石碑正是在此時被拿破崙帶回法國,後因英法戰爭而從1802年起客居大英博物館至今。 19至20世紀,大批考古學家進駐埃及達到高峰。英國考古學家Flinders Petrie在1881年進入埃及,以系統性的方式發掘埃及文物,並撰寫詳細的考古筆記,建立了一套埃及考古學方法。Petrie的考古發掘現藏於英國倫敦大學考古學院的皮特里埃及考古博物館(The Petrie Museum of Egyptian Archaeology)。 考古學家Petrie其中一本工作筆記本,英國皮特里埃及考古博物館藏。(何慕凡 攝影) 歐洲國家也因這段時期的發掘,得以建立豐厚的埃及收藏,比如法國的羅浮宮、英國的大英博物館、義大利杜林的埃及博物館(Museo Egizio),以及荷蘭萊頓的古物博物館(Rijksmuseum van Oudheden)等。 羅浮宮埃及廳(何慕凡 攝影) 在此考古熱潮中,埃及又是怎麼看待自己的文物呢?早期埃及政治動盪,埃及文物曾被視為外交手腕的一環,例如1833年埃及總督便將一座路克索神殿方尖碑送給法國政府,如今孤立於巴黎協和廣場。 孤零零的路克索神殿方尖碑(何慕凡 攝影) 一直到1874年,埃及政府開始明定,所有尚未挖掘的文物都歸政府所有;1912年公佈了第14號法令,規定所有的埃及文物除非有特殊執照,否則一律不准帶出埃及;一直到1983年的117號法,才終於全面禁止所有埃及文物出境。之後更有聯合國教科文組織(下稱UNESCO)合作的搶救亞斯文水壩活動,搶救拉美西斯二世的阿布辛貝神殿。現在,大多數的埃及文物典藏於1902年落成的埃及博物館內,隨著時間的推移,原有的空間早已不敷使用,建立新館的需求迫在眉睫。 埃及博物館內部一景(何慕凡 攝影) 1982年,UNESCO與埃及政府發起興建埃及國家文明博物館的計畫,終於在今年初開始營運,並於4月18日開放法老木乃伊展廳。與此同時,從2002年籌備至今,位於吉薩的大埃及博物館(Grand Egyptian Museum)也預計於今年中開幕。兩間博物館的成立,象徵著埃及文物道別過往遭各國隨意開挖奪取的黑暗歷史,開始有了新興博物館的保存空間與方法,是埃及文物在地保存的重要里程碑。
2021/04/18

專文

延續文化前,還有一件重要的事!北海道愛努文化博物館與史前館卑南遺址公園的啟示
延續文化前,還有一件重要的事!北海道愛努文化博物館與史前館卑南遺址公園的啟示
作者/攝影:張至善(國立臺灣史前文化博物館助理研究員) *感謝日本吉原秀喜先生提供詳細的資料與書信討論,吳立涵協助翻譯;博物館同仁林佳靜提供的資料與經驗分享、討論。 環境一直是人類生存的基底,也是文化發展的憑藉,唯有永續的環境才會有永續的文化,當代的博物館對於環境意識的覺知,採取不同的實踐方式。本文介紹北海道平取町的二風谷愛努文化博物館「傳統生活空間再生」IWOR構想(「IWOR」是一個愛努族詞彙,意指「傳統生活空間」。)和國立臺灣史前文化博物館卑南遺址公園《卑南大溪的河道變遷傳說:引水英雄都古比斯》繪本產出歷程,探討博物館中「環境意識」的實踐樣貌。   愛努文化博物館的人與自然共生計畫 二風谷愛努文化博物館(Nibutani Ainu Culture Museum)位於北海道平取町,是一座保護當地愛努文化,致力於保存、紀錄、展示與傳承的地方性博物館(町立)。愛努族是日本的原住民,大多居住在北海道的北部島嶼。據2017年的資料記載,約有1萬3千名愛努人居住於北海道地區。從歷史上看,愛努人經歷的艱困處境與世界上其他原住民類似,包括日本人的長期殖民統治,政府的同化政策、社區遷移、疾病傳播、人口減少和制度性的歧視等。直到2019年,日本訂定《愛努人促進法》才被承認是日本的原住民族。 二風谷愛努文化博物館的文物主要來自文化領袖萱野茂(Shigeru Kayano),其推動愛努民族運動,從1950年代開始蒐藏文物,20年間收集了約2千件愛努生活文物,並建立一間小型文物館。在平取町和北海道愛努人協會的支持下,「二風谷愛努文物館」於1972年開幕,該館於1977年移交平取町管理。到1980年末,隨著二風谷水壩建設的進行,平取町計畫在政府資助下建立一個新博物館,於是購買了萱野茂大部分的收藏,並於1992年開設了二風谷愛努文化博物館。館內分為4大區域,展出愛努人的生活、農耕與狩獵等糧食供應方法,以及愛努文化獨特的工藝技術與生活藝術,對自然的信仰與祭儀,以及與北海道自然生態共生的智慧。 2019年8月,國立臺灣史前文化博物館(下稱史前館)辦理「在地・文化」史前館與日本北海道環境教育工作坊,目的是探討博物館如何投入專業研究之下的知識轉換,協助解決環境議題。在工作坊中,任職於二風谷愛努文化博物館的吉原秀喜先生分享「北海道平取地方的愛努博物館IWOR構想與愛努文化的環境與景觀」。簡而言之,日本北海道沙流川流域推動的IWOR傳統領域網絡所追求的是人與自然共生,多元民族、多元文化的示範場域。在「人與自然共生」方面,重視與自然調和的生活方式,持續可能的「共生開發、地方振興」目標。在「多元民族共生」方面,以愛努族為首,各民族之間相互尊重,共同建構繁榮的社會。在「多元文化共生」方面,尊重各種自我認同、歸屬感與生活方式,讓不同志向或價值都能朝其目標前進。博物館在空間提供、人才培育和愛努族展示上,每一項都參與其中。具體而言,該館推動內部的族群凝聚和社群培力,更向外推廣愛努族文化。 我們發現以上愛努族「傳統生活空間」理念,最重要的是「環境」,透過傳承、學習(學習的場域),讓愛努族傳統的生活文化得以傳承。透過調查、研究(嘗試的場域),讓愛努族傳統的生活文化在當代重現。透過採集、狩獵(取用於自然的場域),取得愛努族傳統生活文化不可欠缺的素材和資源。透過發展、交流(對外傳播的場域),進一步體驗並理解愛努族的傳統生活,進行更廣泛的交流。透過生計、生產(居住的場域),活用愛努族的傳統生活文化,以進行社區營造。唯有保存這些「環境場域」才有「文化復振」或「文化保存」的可能。   史前館與部落族人的兒童繪本計畫 史前館立館宗旨是希望藉由博物館的研究、典藏、展示、教育和遊憩功能,啟發大眾認識臺灣豐富和多樣的自然生態、史前文化及原住民文化,促進大眾更珍惜、尊重這片土地綿延不斷的自然與文化生命。史前館「環境意識」的實踐是以「環境教育」面向推動。〔註〕 國立臺灣史前文化博物館卑南遺址公園(張至善 攝影)   卑南遺址公園為史前卑南遺址的所在地,是國內第一座考古遺址公園,成立之初即以保存史前遺址為基礎,並以文化再現和環境復原的規劃理念,呈現一座兼具自然與文化的遺址公園。2014年與2015年,卑南遺址公園與史前館康樂本館分別通過環保署環境教育設施場所認證。遺址公園早在通過認證前,就一直進行環境教育,保存與推廣臺灣原住民傳統生態知識,自2005年起展開民族植物的調查、種植與展示工作,提供民眾與部落族人進行文化學習與傳承的場域。館方也彙集調查成果,出版相關的書籍與繪本,如《卑南族的家與植物》,不僅保存部落重要的傳統知識,同時也提供部落學校進行文化傳承課程的教材。除了保存傳統知識外,遺址公園也結合專家學者、部落耆老及文化教師,辦理傳統生態知識的推廣活動,不僅讓一般民眾有機會認識在地文化與知識,部落族人也透過參與相關的推廣課程,進一步學習並增進對自我文化的認同。 《卑南大溪的河道變遷傳說:引水英雄都古比斯》是2013年出版的一本兒童繪本,繪本籌備近一年,調查、紀錄卑南遺址周邊部落的傳統地名、空間記憶,講述部落祖先都古比斯為了族人生活,奮勇前往卑南溪(今卑南鄉嘉豐村附近)三度引水的故事。經過與耆老多次討論後,與南王國小六年級「傳統生態智慧環境教育課程」結合,多次進行現地踏勘、耆老訪談,最後由部落畫家陳冠年繪製完成。這個故事反映部落祖先的環境觀,讓後代子孫了解卑南大溪的地理環境與多變特性。學生們在自然環境的探訪學習中,結合文化意涵與耆老智慧,啟發對土地的情感,並發展出在地意義,走在這裡就像和祖先同行。 《卑南大溪的河道變遷傳說-引水英雄都古比斯》繪本(張至善 攝影)   只有環境長存,文化才能延續 二風谷愛努文化博物館所提出的「傳統生活空間再生」IWOR構想,期待地方博物館是發動傳統生活空間計畫的樞紐,負責傳統領域相關的人才培育、整備各種傳統領域核心的文化設施,並善用傳統領域進行教育、開發、交流等相關事業。史前館則是以環境教育結合地方學校、社區,讓參與的部落族人能有進一步學習並增進文化認同的機會。史前館《引水英雄都古比斯》繪本具有藝術創作與傳統環境知識、生態教育等多重意義與價值,引導人們思考自己與環境之間的關係,也為部落文化永續發展另闢途徑。我們看到在地社群、居民參與是當代博物館「環境意識」實踐中不可或缺的一環。這兩個例子在實踐中重視原住民的環境觀,標示出人在環境中的位置,人類並不在環境之上,而是在其中,唯有環境長存,文化才能延續。 註釋: 中華民國行政院環保署於中華民國99年6月5日所頒佈之環境教育法。「環境教育」是指運用教育方法,培育國民瞭解與環境之倫理關係,增進國民保護環境之知識、技能、態度及價值觀,促使國民重視環境,採取行動,以達永續發展之公民教育過程。
2021/05/05
揭開東海岸大地藝術節人文密碼—李韻儀談多族群共生文化力與策展詮釋
揭開東海岸大地藝術節人文密碼—李韻儀談多族群共生文化力與策展詮釋
作者:陳佳汝(前破週報記者、台大人類學系) 一間典雅的日式木造房屋,靜靜座落在都蘭山的半山腰,像是已經存在一個世紀般,依傍著山,環抱著海洋,靜靜等待需要的人們來到。 乘著東海岸的一片湛藍,一路驅車經過碧藍的加路蘭海岸,開上都蘭山的月光小棧,下午的陽光映照著日式房屋的老木閃閃發亮,幾個藝術家青年,正在屋前海天一色的舞台準備音響設備。一位滿臉光彩身著水藍布衫的女子出現,她正是促成東海岸大地藝術節的靈魂人物,李韻儀,二十年前,還是成功大學的研究生,為了研究當代原住民藝術來台東做田野,就此愛上了這裡的一切。畢業後先是在都蘭糖廠咖啡廳工作,因緣際會下自東管處承租了月光小棧,進駐藝術家逗小花的「女妖在說畫」藝廊,不定期的表演藝術及常態性的藝文空間,不斷累積當地的藝術能量,成為台東非主流藝術的重要場域。 李韻儀和她經營15年的藝文空間月光小棧(陳佳汝 攝影)   不依循官方政策和空降資源 東海岸大地藝術節從2015年來已歷時六年,然而在那之前早已醞釀了超過二十年的能量,如同瀨戶內海藝術季,在開始前已經蘊積了三十年的地方能量。李韻儀認為這一切都並非偶然,若無原本這片山海之間生長出來,豐富又極具包容性的阿美族海洋文化,以及多年來許多在地、移居而來的藝術家持續衍生美好的能量,不會有今天的東海岸大地藝術節,不依循官方政策或空降資源,並非刻意規劃什麼能夠成就一切,而是這塊土地的脈絡長出了這個藝術節,一切都是水到渠成。人始終是最重要的因素,返鄉青年和新移民構成一股新的能量。藝術家拉黑子從1990年回到部落後,陸續有不少青年從都市返回部落,此外不少嚮往這個舒坦空間的創作者紛紛搬來東岸定居,這十年來更有喜愛衝浪的外國人、塗鴉青年、音樂人、前衛藝術創作者,紛紛移居東岸,在地和外地的,各種激盪的花火築基了東海岸厚實的藝術能量。 拉黑子.達立夫以在太平洋邊緣行走所撿拾的廢棄魚線和鋼筋所塑造的作品《島嶼之影》(陳佳汝 攝影)   邊緣的相對詮釋權空間較大 「東岸相對西岸是地緣上的邊緣,邊緣有邊緣的好處,對於詮釋權,和話語權的空間很大。」李韻儀認為許多從西岸選擇移居東岸的青年是自主性的邊緣化,是在很清楚自己心之所嚮的情況下,追求理想的生活方式,選擇更多的時間和空間去面對自己。「這裡時間很慢,心情很放鬆,人和人之間有更多空間來理解,彼此尊重。」 「透過藝術家對城市地景的人文書寫,可以讓觀光客有不同的想像。東海岸大地藝術節是由潘小雪老師定調,她的視野有一定寬廣度和高度。」自加路蘭手創市集後,東管處原先計畫做漂流木藝術主題公園來呈現阿美族的神話,李韻儀則提案不要限制在小範圍,提出各種人文可能性的、季節性的、可延伸性的整套藝術節。2015年,應東管處的邀請開始了第一屆的東海岸大地藝術節,前兩年由潘小雪老師為整個藝術季定調,2017年開始由李韻儀策展《潮間共生》和《島群之間》兩屆以海洋為主題的大地藝術節。「大自然的力量遠勝於人,人對院子裡叢生的雜草都沒有辦法了,除非你讓出自己的空間和主觀,才能和自然共生。」她微笑著說。   修復作品與消融於時間之流 大地藝術節的作品以融入環境和大自然共生為主題,展期大多很長,有些作品最後被大自然回收,而展覽期間被自然侵蝕的作品,視情況會在來年編列預算請藝術家回來修復。2016年來自日本藝術家,菅野麻依子(Mailco Sugano)的作品《歸.Turtle》,以龜殼狀似的原木覆蓋在草地上,當人們走進挖好的隧道站在龜殼前,美麗的海平面就盡現眼前,內心頓時回歸到平靜深處。禪意十足的《歸》,經年累月日曬雨淋引發蟲蛀的問題,李韻儀在今年邀請麻衣子回來修復,記者採訪時巧遇藝術家細心塗漆,一邊仔細打洞,將藥灌入,整個修復的時間需時半個多月,這是創作之後不可省略的過程,也是作品在對抗時間洪流裡所必須的對話。 菅野麻衣子的作品《歸》於都歷遊客中心(陳佳汝 攝影) 菅野麻衣子受邀回來修復作品(陳佳汝 攝影)   另一件林鴻文在八仙洞樟原老橋的作品《時間的暱語》,以竹為主材質包覆住橋身,作品隨著歲月積累呈現出顏色的變化與磨損,大自然的話語在作品上刻出時間的深度,使其逐漸消融於時間和歷史中,因此並不採取任何維修,就讓時間包覆住作品,直到自然分解。 林鴻文於樟原老橋的作品《時間的暱語》(李韻儀 攝影)   地方上的需要先於策展意圖 這些年藝術節已經磨合出自己獨特的調性,李韻儀表示:「官方和藝術家的兩邊需求已經可以達到一個平衡,然而更多元性,不同的視野進來很重要。」一件由返鄉青年在部落展出作品所引發的爭議,讓她認真思考什麼是部落溝通。一位國中時外出學電銲的部落青年,三十多歲回鄉時,想在父親的農田上做作品向金剛山致敬,當時在部落召開了說明會,也得到部落的同意,未料最後作品完成,卻在部落間遭到批評聲浪。「當時忽略了一個環節,就是返鄉青年。外出工作的青年未曾參與說明會,於年節返鄉時突然見到陌生裝置在熟悉的街道上,因而質問何以沒有被告知,有個鮮豔的雕塑擺放在部落」,這插曲也讓李韻儀深思,「什麼是部落?你究竟要溝通到什麼樣的地步?到什麼樣的環節才算是完全溝通。」她認為:「重點不要自以為是,不要強求,地方上有沒有需要先於我們的企圖。」 在長濱鄉的南竹湖部落,則是外地人成功進駐部落合作的案例。找到當地運作活動的部落代表是關鍵,由於評估當地有條件可以招待外來客,並且找到長期運作的婦女家政班,因而安排來自印尼的藝術家,阿立亞.邦加魯(Arya Pandjalu)住進部落,其作品是和部落族人一起創作完成,工班就是部落的工班,以印尼的竹藝結合部落的工藝,共同呈現在地人文和印尼藝術的作品。 歐舟(山田設計)作品《泡風景》於都歷遊客中心(陳佳汝 攝影)   潮間共生的多樣性是藝術節養分 「海洋美學是構成這個藝術節的核心,最綿長的影響力是海洋。島群之間的概念來自藝術家拉黑子,阿美族歷代在礁岩間生存,男人在礁岩間撒網,女人在礁岩上採集海菜。每一個礁岩以族人的名字命名,記錄一段人和自然空間緊密相連的故事。」從花蓮到台東綿延168公里的海岸線,皆是大地藝術節的畫布,趣味盎然的作品有如土地長出的鮮豔蘑菇,2017年《潮間共生》的主題,則說明了藝術節精神的主養分。 「潮間共生是指山和海的潮間帶,豐富的生物多樣性共生,在漲潮和退潮的過渡期,海平面看起來非常平靜,裡面的潮汐卻很亂,魚蝦貝類都在此時打開殼,企圖覓食或是交配,雖然很混亂,卻是生意盎然。這時也是撒網的時刻,太慢了,可能會被退潮拉走,如何掌握生命的契機,這是阿美族的時間感。」 國際泛音大師馬克和來自真柄部落的姍姍姊妹,及在地舞踏舞者在月光小棧前的演出(陳佳汝 攝影)   採訪尾聲時,草地上傳來國際泛音大師馬克和真柄部落姍姍姊妹窮極空谷的嘹亮吟唱,來自法國和在地的舞者隨後加入,在月光小棧的草地上,震人的音樂和舞蹈,將大海與天空噴出一抹驚心動魄的深藍。 李韻儀和國際泛音大師馬克在月光小棧前彩排(陳佳汝 攝影) 延伸資訊: 東海岸大地藝術節網站
2021/04/28
穿越時空、彼此遙望的二戰下女性: 《安妮與阿嬤相遇,看見女孩的力量》展示設計評析
穿越時空、彼此遙望的二戰下女性: 《安妮與阿嬤相遇,看見女孩的力量》展示設計評析
作者:何平(國立臺北藝術大學博物館研究所碩士)、陳佳利(國立臺北藝術大學博物館研究所教授) 2018年7月,婦女救援基金會附設「阿嬤家:和平與女性人權館」(簡稱阿嬤家)與十禾設計進行共同策展,推出《安妮與阿嬤相遇,看見女孩的力量》特展(簡稱《安妮與阿嬤》展)。該展與荷蘭「安妮之家博物館」合作、獲得瑞士安妮法蘭克基金會授權安妮的故事與文字創作內容,以第二次世界大戰作為展覽的時空背景,試圖透過相同的時間軸串連起在二戰中遭受迫害的猶太少女安妮.法蘭克(Anne Frank)與臺灣慰安婦阿嬤們的故事,藉以揭示戰爭暴力與性別暴力的歷史事實,進而引發觀眾對人權、性別議題與女性困境的思考,並彰顯女性的勇敢與堅忍。 阿嬤家前館長康淑華認為,安妮與阿嬤有許多相似的地方,不但同樣作為少女面臨戰爭所帶來的困境,也共享對自由的渴望,並期待透過讓安妮與阿嬤交流,能夠帶動國內對不同面向的人權議題進行探討。策展團隊十禾設計則根據上述理念,捨棄厚重的歷史敘事、結合阿嬤家原有的建築,透過美學與藝術性的呈現方式彰顯安妮與阿嬤的生命力量、營造身歷其境的空間氛圍,並以安妮的日記作為最主要的展覽內容,帶領觀眾透過安妮之眼觀看、理解二戰下的世界。究竟展覽設計是否成功地傳達上述策展意圖?雖然展覽已經結束,但本文認為值得對該展覽設計與主題意涵進行分析,並以安妮展區為主,指出其如何透過空間設計引領觀眾體驗一位少女建立自我認同與性別意識的過程,進而思考戰爭下的人權議題。     穿越時空的廊道 走進二戰下的亞洲與歐洲 《安妮與阿嬤》展總共運用兩道廊道來產生「時空穿越」的效果。首先,一樓的「時光廊道」作為引導觀眾進入展覽時空的通道,透過狹長的空間營造出深邃的時間感,使觀眾彷彿踏上通往過去的時間輸送帶,並在廊道兩側分別懸掛歐洲與亞洲在二戰時期的照片營造出安妮與阿嬤遙遙相望之情境。廊道作為一種時間流動的象徵,透過觀眾步行其中,自然推動展覽時間線的來回,而通過時光廊道,即進入安妮與阿嬤們經歷的二戰時空。 時光廊道(十禾設計 提供)   另一個相似的設計則為二樓廊道,蘆葦之歌裝置結合安妮之窗,將觀眾引向出口方向。「安妮之窗」除了代表安妮之家唯一的透明窗戶,更代表了安妮對自由的盼望,而展覽在此以希望作結,也期盼觀眾在經過對沉重人權議題的思考後,仍能帶著阿嬤與安妮的生命力量,保有對世界的嚮往。 蘆葦之歌與安妮之窗(十禾設計 提供)   打開密室門,走進安妮的世界 除了廊道,另一個透過空間穿越時間的設計,為策展團隊參考歷史照片,在阿嬤家還原的荷蘭安妮之家密室入口。 打開密室門(十禾設計 提供)   密室之門為觀眾打開安妮與家人躲藏秘密空間的鎖匙,帶領觀眾通往二戰時期的荷蘭。此旋轉書櫃的設計除了能幫助展示的重心從一樓展區慰安婦的經歷過渡到安妮的故事,觀眾也能透過「拉開門」的這個動作將自己帶入安妮的角色,透過重新經驗類似安妮的經驗,將自己帶入安妮所處的時空中體驗與思考。   透過日記呈現戰爭壓迫下成長茁壯的少女 打開密室門之後,沿著狹長的階梯向上,即進入二樓的安妮展區。其中,「世界為何動搖」呈現的歷史背景,和以各種模擬窗框及加高地板構築成的「親愛的吉蒂—我要告訴妳所有的秘密」,呈現67篇安妮日記文字內容,皆印刷在黝黑的窗扇上呈現。 世界為何動搖與親愛的吉蒂—我要告訴你所有的秘密展區(十禾設計 提供)   黝黑的窗扇除了象徵荷蘭安妮之家在二戰時期為了避免燈光外洩所塗黑的窗戶,也代表在密室中的凝重與不自由。儘管戰爭令人窒息,不同於其他國家以種族歧視和猶太大屠殺為主軸來呈現安妮的故事,「親愛的吉蒂」展區則透過日記內容,呈現了安妮勇於反抗傳統女性角色的自信與積極實踐夢想的樣貌;搭配安妮日記的複製品與老式收音機,使觀眾更容易神入安妮的處境,彷彿和安妮一樣在漆黑的密室中,一邊寫著日記、一邊聆聽從廣播傳來的戰爭消息,並仍然保有對未來的嚮往。 安妮日記複製品(十禾設計 提供) 老式收音機(十禾設計 提供)   彼此遙望:阿嬤與安妮的相遇 整體而言,安妮與阿嬤只有在三樓「戰爭結束之後」展區中相遇,以近乎全黑的封閉空間中,佇立了一座由四面冰冷的不鏽鋼牆構成的立體裝置,環繞四周分別延伸成為放置蠟筆與阿嬤畫作象徵的阿嬤房間書桌、秀林遺跡、貼滿明星相片的安妮房間書桌與奧斯威辛集中營大門,於此,阿嬤與安妮透過鋼構彼此遙望,透過這樣的遙望,策展團隊也希望觀眾走進禁閉的空間,在這充滿壓迫感的空間氛圍中,觀眾也許感到恐懼、疑惑,甚至體會安妮與阿嬤曾經擁有的情緒;透過身體感受與凝視交會,進入思考不同社會脈絡下人權議題的視野。 立體裝置(十禾設計 提供)   充滿戲劇張力但缺少歷史脈絡與對話的展示美學 《安妮與阿嬤》展透過空間設計與色彩的轉換使觀眾能夠在不同的時空、情緒與氣氛中穿梭,展示設計細膩流暢並充滿戲劇張力。與一般的人權展覽聚焦人權課題不同,展覽以美學及藝術性的手法觸發觀眾的情緒,並成功地透過日記帶領觀眾與安妮的夢想、疑惑及對性別的探索產生對話與共鳴。然而,對於不熟悉歐洲納粹大屠殺歷史的臺灣觀眾,唯一提供二戰歷史背景的「世界為何動搖」展區,僅以時間軸,條列式地穿插呈現安妮的生命史與二戰歷史事件片段,觀眾較難以自行融會貫通理解相關的歷史脈絡與種族歧視之人權課題;而分屬一樓與二樓展區的阿嬤與安妮,除了在最後彼此遙望之外,也未見猶太少女與慰安婦女性人權議題的對話與交流,殊為可惜。未來如何兼具人性溫度與歷史脈絡、空間的美學與人權課題,值得相關博物館策展之借鏡與參考。
2021/04/21
發現不一樣的香港—香港漁農村落的社群藝術展覽
發現不一樣的香港—香港漁農村落的社群藝術展覽
作者/攝影:陳瑋彤(國立臺灣藝術大學藝術管理與文化政策研究所碩士) 香港作為移民城市,歷來吸引大陸鄰近地區的移民,族群的文化亦隨之落地生根,形塑本土的身分認同。然而隨著漁農業式微,長者們惋惜曾賴以維生的傳統技藝面臨失傳危機,亦慨歎鄉村人口外移,使鄰里之情不如往昔。慈善組織明愛社區發展服務和社群藝術機構全人藝動珍視長者的生命故事與鄉郊文史的價值,藝術總策劃梁以瑚博士深入四個地區推展社區營造,鼓勵街坊自發組織團體,由下而上推動村落的永續發展。歷年的成果集結成「樂山.樂水.樂土.樂根源 生活文化展」,分別於2019年7月及2020年1月展出,2020年的展覽由「文化傳承」與「融會貫通」兩個主題組成,可於線上實景觀展。 參展的五個鄉村聚落散佈於香港島、新界東北及離島,包括沿海的長洲西灣和西貢,以及位處內陸的薄扶林、粉嶺龍躍頭及元朗錦田四個地區,原居民諸如圍頭、客家、鶴佬、水上及潮汕等社群的傳統工藝、生活模式與飲食習慣各具特色。展覽透過模擬場景、藝術裝置、工藝作品、文物、文字與影音等表現村民豐富的生活智慧,展品大多由村民提供或與藝術家共同製作,配合在地人的現場導覽,讓觀者走進他們的真實生活。 退休漁民自製婚嫁漁船陣模型,男、女家船隊排列的位置交錯相對,牆上懸掛以魚網製作的魚型藝術裝置。(陳瑋彤 攝影)   村民與藝術家合作,賦予傳統工藝新生 為期數天的展覽曇花一現,卻承載著團隊經年累月的耕耘。藝術家透過社工的網絡深入各村落,從村民身上認識幾近被遺忘的傳統;村民則在藝術家的引導下,成為藝術創作的主體,以別開生面的方式賦予傳統工藝新生。長洲西灣的漁民製作萬用魚網環保袋,以販賣所得支持「長洲西灣文化村」的發展。西貢萬宜和官門兩座漁村因1970年代興建水庫被淹沒,計畫重新連結昔日居民、收集散佚的歷史,並邀請漁農村落耆老舉辦工藝和食品工作坊,拍製中英字幕之口述歷史影片,打破本土文化推廣的語言隔閡。其中,長洲西灣漁民示範漁具製作與使用、海產加工保存與船上生活等。早期魚網以麻加工糅成細繩,需經反複漂白、曬乾、薯莨(天然植物)染色,後期改用塑膠尺網,製作和保存更簡便。   村民開辦活動,傳承文化內涵 每座村落的歷史軌跡迥異,透過不同形式傳承文化內涵,各村落的籌委會彼此交流文史推廣經驗、共嚐傳統美食。薄扶林是三百年歷史客家村落,鶴佬人離鄉背井落地於薄扶林的牧場,從事割草工作,早年居民為袪除瘟疫,以養牛房的禾草和後山的竹子紮作火龍,在中秋舞火龍舉行儀式,世代沿襲成為重要的節慶活動。自2013年村民發起「留住薄扶林村運動」,希望政府在未來的規劃中原址保留城中村,並保育周邊的古蹟,為此竹紮師傅吳江乾與徒弟們創作了屋型龍牌,推廣永續社區的理念。此外,「薄扶林村社區檔案館」也舉辦導賞團,由村民講述自己家園的故事。 薄扶林村竹紮師傅製作之龍牌裝飾。(陳瑋彤 攝影)   粉嶺龍躍頭則自南宋建村,形成圍村稻米經濟文化,計畫拍製《拾圍安歌》紀錄片,紀錄圍村阿婆所經歷的哭嫁婚禮習俗。另外,圍村長者流傳不少方言歌謠,製作了兩張〈傳統圍頭.客家歌謠與昔日鄉村生活誌〉光碟和線上音檔,附有中文歌詞翻譯及註解。客家歌爽勁靈活,反映擇地遷徙的堅靭生命力;圍頭歌則委婉含蓄,善於詠物抒情,以農作物、花鳥、自然景物、節令等入歌。 客家婦女間曾流行花帶編織,繡在涼帽或圍裙上作裝飾,姊妹們以互贈花帶表達情誼,不同圖案的花帶更反映配戴者的婚姻狀況。龍躍頭開辦花帶編織工作坊,其後資深學員也充當導師,讓跨世代的學員以創意演譯傳統技藝,製作現代紋飾花帶、手袋肩帶和手繩等。藝術家則將客家服飾結合時尚元素,邀請觀眾試穿留影。 花帶編織工作坊學員在傳統技法的基礎下,自創英文字母、阿拉伯數字花帶。(陳瑋彤 攝影)   風味飲食體現節慶民俗與漁農產業面貌 俗話說「民以食為天」,飲食文化是民間智慧的體現,也是村民聯絡感情的所繫。鶴佬婦女工作後會以茶葉、炒米、芝麻和花生等製作咸茶(擂茶的一種),一同吃茶、閒聊休息。特色食品往住取材自當地盛產的作物,與傳統民間信仰習俗有關,例如:潮汕人茶粿的紋飾和色彩寓意吉祥。今人生活節奏急促、物質條件較豐裕,傾向購買節日糕點,鄉村居民則享受代代相傳的自家製作,例如:龍躍頭長者就地取材,用荔枝樹枝提煉天然灰水浸泡糯米,做成灰水糉。昔日每逢盂蘭節,圍村婦女則會製作手粉作為小食及祭祀供品,這種白色方塊狀的甜點以糯米粉、粘米粉和花生餡蒸製而成。   除了配合節日慶典,飲食風貌與村民行業也息息相關,例如:從事畜牧的薄扶林村民農曆正月十一設菜茶流水席,供鄉里歡聚聯誼。隨著牧場關閉,菜茶流水席近乎絕跡,本計畫邀請多位菜茶師父傳授烹調技術,重現當年熱鬧的場面。從潮洲人講究精緻的小杯功夫茶和鶴佬人大碗飽腹的菜茶,反映兩者生活形態的不同,前者的閒適與後者的儉樸各具風味。社會普遍視為窮人食材的鹹魚和蝦乾,其實製作工序需配合氣候,蘊含「水上人」順應天時的生活智慧。 策展人以精緻的陳設襯托鹹鮮魚的色香味美。(陳瑋彤 攝影)   「樂山.樂水.樂土.樂根源生活文化展」主題取自《論語》「智者樂水、仁者樂山」一語,計畫發掘、記錄與展現村民依山傍水經年累積的「非物質文化遺產」,更可貴的是過程中彰顯街坊友愛相助的精神,讓都市人有機會體驗鄉郊特有的人情味。
2021/04/14
從戲台前走到戲台後—台北偶戲館〈小小偶大世界〉常設展新面貌
從戲台前走到戲台後—台北偶戲館〈小小偶大世界〉常設展新面貌
  作者/攝影:劉庭妤(自由作者) 歷經一年半的的籌備規劃與整修,台北偶戲館常設展空間煥然一新,除了更符合兒童的參觀需求外,更新後的主視覺、展覽腳本及互動裝置等,皆顯示策展團隊對於偶戲教育的當代論述及思考。新展區分為「歷史」、「變化」、「共創」、「消逝」與「未來」五大區,展覽開頭「什麼是偶?」的引導提問後,接著是「歷史」區域的展示,當中的展示特色及價值相當值得細細探索。   「什麼是偶?」從遊戲中思考偶的意義 「什麼是偶?」歷經一年半載籌備、更新的台北偶戲館常設展〈小小偶大世界〉開頭即以廣大的哲學命題破題。牆面文字追溯古埃及陵墓中的陪葬偶、墨西哥古文明儀式用的黏土人偶,以及身長190公分的山東省萊希大木偶等各種不同地區、不同用途的偶,搭配注音展板、配合兒童高度的藏寶箱與展品,以及互動語音地圖,將「偶」背後指涉的族群生死觀、日常生活的再現,或者僅是兒童獨自戲玩的兩掌及影子,全納入探討的面向,從形而上的懸問出發,讓孩子從玩樂中思考什麼是偶。 只要將旗子置入代表不同國籍的底座內,地圖即能指示出相對應的位置,並播放該區域特有的偶戲文化與故事。此外,策展時特別考量到未來展區變動的可能,錄音檔及底座可移動更新。(劉庭妤 攝影)   除了耐人尋味的展覽開頭之外,展覽空間、腳本內容也有很大的變動。相較起舊展,更新後的常設展更加重視偶戲背後無形文化資產的呈現,亦加入其他國家偶戲的角色介紹、戲劇故事內容,甚至在展區的最後,還有製作偶的空間剖面探索空間,讓孩童明白一個偶的誕生必須在裁縫師、雕刻師、表演者之間反覆來回,才能成就偶及一場精彩的偶戲。事實上,偶戲舞台後的風景,是構成偶戲的重要文化財,此次常設展空間的整修,便是透過空間的改造,將台灣偶戲教育中時常被忽略的環節,納入觀眾的認知中。觀眾在參觀展覽的途中,透過戲偶有形/無形的文化符碼,逐步認識台灣戲偶的特色、歷史演變,進而調整其意識形態、產生認同,透過展場空間形成自我身分。因而,新展區的改變不僅是空間的刮除重寫,更是觀眾身分的改寫與再造,文字展覽腳本的修正、或者音響、視覺、設備等更新與改善,皆是策展團隊有意識建構身分空間的行為。 更新後的「歷史」展區,以館內鎮館之寶彩樓為界線,右邊展示布袋戲的前場,可理解不同戲偶及其發展史;左邊展示布袋戲的後場,包含戲台、音樂、布袋戲偶的製作、造型等。(劉庭妤 攝影)   「一擔籠」拎起戲偶的微型世界 台灣偶戲分三大類:布袋戲、魁儡戲、皮影戲,「歷史」展區主要說明台灣布袋戲的發展,觀眾可將陳錫煌老師親自參與設計的彩樓當作分水嶺,簡易區分出前場及後場。前場簡述台灣布袋戲的發展史,從較小的傳統木偶、日治時期日本風格的戲偶、民國時期反共抗俄戲偶,一直到跳脫傳統框架的金光布袋戲,影視時期的布袋戲隨著政治環境的變遷,改變其戲劇內容、服裝、口白,觀眾能從具象的戲偶物件看見時代的變化,如時空切片。 透過不同時期戲偶的展示,講述台灣布袋戲發展史,理解布袋戲在台灣落地生根後的發展與變化。(劉庭妤 攝影)   舉例而言,「一擔籠」展示櫃中,即透過有趣的陳列手法,彷彿為觀眾揭示一面景象奇觀。一擔籠為早期布袋戲獨有的表演文化,師傅只需一根扁擔,就能將戲台、表演戲偶通通扛在肩上,拎起微型世界,隨地轉移演出。它的演出型態沒有當代影視布袋戲細緻的分工,也沒有絢爛的燈光及舞台效果,演出全依賴表演者個人的技藝與口白、對人世百態的閱歷與觀察,充滿個人風采和魅力。此外,當時的偶也與現今不同,觀者能從偶的外貌,明確知道角色性格,如笑口常開的老好人白闊、重感情義理的紅關、三姑六婆的老旦等,透過可察覺的戲偶表象,勾勒搬演出對世間的模仿,直接又有力。 一擔籠展示櫥窗,早期表演者只需一根扁擔,即能將舞台、戲偶全扛在肩上,至不同地點演出。(劉庭妤 攝影)   一擔籠展區,利用整齊排列的木板架,將一尊尊不同角色的偶,一次呈現在觀眾眼前。戲偶不再是擠挨在扁擔中的道具,也脫除表演的功能,從鄉土草根的傳統空間搬移至博物館空間的陳列架上,整齊歸納地擺放,讓觀眾能更細緻、更近距離地觀看、檢視這些戲偶。不管是武甲上充滿斑斕刺繡的武旦、著重臉部趣味及效果的笑生,或者看來有著老年沉穩滄桑氣質的白毛老旦,偶面部雕刻的細節、服裝符號的含義,都在這種檔案化下的觀者凝視中相對被凸顯,它們不再活靈活現翻飛於戲台,而是立處於一種雋永的停格。   「職人小檔案」揭開戲台後場的深邃技藝 彩樓的左半部,展覽敘事鏡頭向內一轉,來到了戲台的後場,也是此次常設展腳本更新後令人眼睛一亮之處。除了介紹戲台後場、音樂等有形之物外,一齣戲劇背後的無形文化,是時常被忽略的重要資產。更新後的展覽腳本,放入許多職人技師的故事,例如戲偶雕刻師許協榮老師的故事,許協榮早期以雕刻佛像為主,後來才轉而製作戲偶,他的創作歷程反映了布袋戲偶的發展史,是從早期宗教雕像轉化而來。許協榮非科班出身,沒有受過正統的美術教育,但其製作出來的偶,精緻及複雜程度高得驚人,令人訝異於他超越時代的技藝與精神。事實上,偶的製作並不只仰賴作工繁複的技術,更展露出製作者對人類形貌的觀察、思考,製作者必須考量到舞台效果、觀眾視線,以及操偶時的技術細節,才能創作出兼具外表與實用性的戲偶。 戲偶雕刻展示區域,展示了戲偶製作的簡易流程,以及製作者許協榮、許金棒的職人小檔案,讓觀眾理解戲偶背後的無形文化資產。(劉庭妤 攝影)   展區展示了戲偶的製作過程,透過實體物件、照片說明「選木材、粗劈成型」、「雕刻粗胚定五形」、「細坯裱紙」、「補土細修輪廓」、「上彩繪臉譜植鬚」的大致流程,譜寫出一條簡明的時間軸線,讓觀者理解製作者從選材、雕刻到上色,所有的細節都必須親自顧及。展區後頭還另外介紹了戲偶的造型、後場音樂、繪景,並搭配相關的職人小檔案,讓觀眾看見「三分前場,七分後場」的深邃技藝。 卡爾維諾在《收藏沙子的人》一書中提及:「每一個人都是人加物,人之所以為人是因為在他身上能認出許多物,認出物被賦予的人性,而人也以自身體現了物之形。」〈小小偶大世界〉常設展除了展現可見的偶形之外,還試圖將背後無形的人性痕跡、文化資產勾勒出來,正如卡爾維諾提到的物與人,相互依賴彼此而生,在戲裡與戲外,從鄉鎮街道、戲劇舞台,再到影視媒介、博物館空間,都盡力地向觀賞者展現世界的表象與其本質。
2021/04/07
博物館如何與部落合作辦展?林頌恩談與部落共事的義氣之道!
博物館如何與部落合作辦展?林頌恩談與部落共事的義氣之道!
作者:陳佳汝(前破週報記者、台大人類學系) 以「江湖之道」比喻館與部落之間義氣合作的重要性,這是國立臺灣史前文化博物館展示教育組助理研究員林頌恩長年和部落合作的心得,以義氣相挺取得部落的信任,沒有抱持學術菁英的心態,而是以江湖之心走入部落,是成功合作的關鍵。 原住民族委員會自2007年啟動「地方原住民族文物(化)館活化計畫」以來,為長期不見起色的原民館注入了新的生命,其中「大館帶小館」以國家博物館挾帶資源與經驗,結合地方部落的智慧,舉辦特色化主題展覽,不但讓外界多了深入認識原民文化的機會,在部落間也形成保存文化傳承的使命感。成功的展覽有如一場社造運動,凝聚了部落的共識,其中的合作智慧相當重要。林頌恩十多年來參與多項主題展合作策畫,包括:來義館「用手去找・新纖事」部落巡迴展、海端館「Taupas・日本軍─南洋軍伕回憶錄」,而壽豐館更相隔十年兩度以七腳川為題,策畫出兩種樣貌的展覽「遺忘中重組─悲壯的七腳川ciaksuwan之戰」、「歸途Taluma’─七腳川戰役110周年特展」,過程中全憑她及參與夥伴相互間的江湖之道,解決了許多棘手問題。 參與七腳川110周年展覽的策展人曾以文,講解部落男子的羽冠重製過程。(陳佳汝 攝影)   理解彼此的限制和可能性 「江湖上有不同門派,門派之間合作要講義氣,這和博物館與部落及原民館合作很相似,有時候要各自練功,合作時則要講義氣。」林頌恩認為「大館帶小館」一說有「帶領」的意味,會讓雙方的主體性不均等,應採取相互學習的心態比較洽當:「這接近一起練習走一段路的過程,一起做就有革命情感。」 小館往往面臨資源不足及人力缺乏等問題,導致要完成一個完整的展覽困難重重。她談及早年原民館只有一名駐館員,從策展、田調到解說通通一人包辦,「因此要理解彼此的限制和可能是什麼很重要,多替對方考量他現實性的侷限,我們會在合作中看到彼此的欠缺和助力,這就是我所謂的義氣。」   讓部落成為最大的後盾 如何將單薄的人力做最大發揮,這時和部落連結很重要,讓部落成為最大的後盾,不論是精神或實質上。「除了駐館員,要如何讓部落其他人參與,認同這個價值很重要。」林頌恩指出以文化傳承光榮感號召族人投入,一起完成部落的展覽,比起大館挹注資源更有意義。例如來義館前任駐館員陳文山長時間致力於訪談耆老,深獲白鷺部落的認同,於2009年結合五年一次的盛大祭典maljeveq所辦的展覽,是全體部落投入傳統祭典,並一起完成的展覽。部落的團結帶動青少年投入部落事務的熱忱,是無形的收穫:「下一次的五年祭,青少年不再是青少年了,而是傳承的棟樑,要把白鷺文化延續下去。」這是當時青少年的心聲。 七腳川策展團隊的李玟慧,則是在2008年訪談過程中意外發現自己就是七腳川後裔,她不斷追溯七腳川後裔的族譜調查,為族人建立起強大的系譜。2018年相隔十年後,壽豐館以「歸途」為主題,從悲壯的戰役,走向現今部落文化與當代的連結共生。李玟慧和後來策畫110周年特展的駐館員曾以文,以充滿自信的亮麗色彩,一起解說與部落結合的展覽,看七腳川後裔如何從追溯歷史去認識自己的出身,找到回家的路。 致力於建立七腳川系譜的李玟慧,講解部落青年每年追隨祖先流離足跡的循跡行動。(陳佳汝 攝影)   混沌中自會長出一片天地 以展覽作為一個契機,駐館員開始了返回部落的田野調查,因此和部落建立起更深層的網絡。然而,面對耆老模糊的口述、破碎的記憶,增加了爬梳文稿的困難度。林頌恩會在討論過程中採取起承轉合的簡單概念鋪陳故事線,然後與駐館員面對迷霧掙扎。她認為學會在混亂中逐漸找到安定也是一種能力。 「無需害怕混亂,混亂是正常地,這也和我個人的風格很像。許多事物都是從混亂開始,然後混沌中自會長出一片天地。」以一種安然自得的方式從謎團中一一釐清線索,和駐館員並肩作戰一起解決問題,開幕後將自己退居幕後,是林頌恩一貫的做法。 田野資料的紀錄難免眾說紛紜,面對資料的不確定性時,林頌恩會比對先前學者紀錄的口述歷史與文獻,再小心整合取捨。關於展示的倫理,她有自己的一套想法。「我辦展覽和出版品都一樣,同一件事情,不同的人會有不同的看法跟認定,多方梳理之後,對的事情可以不講出來,但是錯的事情一定不能講出來。」她表示不需要為了展覽,讓人際關係變得緊張或受傷,如何謀求部落內部最大公約數的認可比較重要。   第一手感動是走下去的動力 林頌恩認為支撐駐館員走入部落做田野調查有兩個關鍵動力:其一,在現場得到的第一手感動;其二,面對部落要接續下去的歷史。「田調現場得到的第一手感動是很大的安慰。能夠得到老人家的關注和期待,對他們而言,是非常重要的事情。」以來義館前任駐館員陳文山為例,因為長時間的紀錄而獲得族人認同,老人家會直接告訴他,明天有重要的儀式要做,你留時間來拍,這就是很大的肯定。從第一手田野獲得的感動會支撐駐館員繼續艱難的步伐,接續建構族人的歷史。   利用部落各種空間形成微型展覽 這些年合作方式逐漸傾向和部落的工坊、小型餐廳或對外重要據點合作,林頌恩指出展覽如果沒有後續的延伸效益,就會變成垃圾,甚為可惜!就部落已有的空間再加以強化,讓在博物館展過的元素與物件以新的方式回到部落,成為長期的常設展,也能發揮環保再利用的效益。 以崁頂部落為例,原本只是快閃的「崁頂百年展」,後來由族人提供老屋,讓百年展結合新的特展「我的名字從何而來?」,在部落成為一個微型常設展。這裡有如迷你的遊客服務中心,遊客可以先從這裡了解地方的歷史文化,有了一個輪廓,再延伸他們的探索之旅。 崁頂部落3062老屋「我的名字從何而來?」策展人胡郁如(陳佳汝 攝影)   結語:如何和當代產生關聯才是重要! 面對現今博物館生態的多元化,林頌恩認為博物館是個一直在創造的地方,「很多人認為博物館是收藏死掉物件的地方,然而博物館並非過去式,物件收進去,如何和當代產生關聯才是重要!」她指出現在百貨公司的博物館化,以及博物館遊樂場化,在在說明了博物館正面對變動的折衝。「它有許多現實上被決定的考量,又必須在現實中保有對理想的堅持,其實是一個動態的狀態。」「博物館的種種,或許也可以拍成一部電視劇喔,應該會比白色巨塔更為精彩!」她帶著笑容認真說道,笑容裡是難以掩蓋的個人魅力。
2021/03/31

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